Você conhece todos os aranhas de Aranhaverso 2?

O sucesso de Homem Aranha: Através do Aranhaverso é indiscutível, a ação, visual vibrante e história cativante são os motivos de ter angariado tantos fãs mundo afora. Porém há algo importante que pode passar desapercebido, mas será que alguém conseguiu identificar todos os aranhas de Aranhaverso 2?

Alguns tem muito tempo de cena, outros são apenas uma sombra… Mas a quantidade de Aranhas no Aranhaverso 2 é absurda e deixa qualquer fã de cabelos em pé. Obviamente a maioria deles tem como origem os quadrinhos do Homem Aranha, mas nem todos são cânone. Tem de desenhos animados, filmes e… É enrolado mesmo, não se assuste! Sem mencionar que no filme vemos variações desses personagens dos quadrinhos – o que pode gerar mais versões alternativas.

Acredita que já existe uma linha completa com os bonecos de alguns personagens de Aranhaverso 2?

Será que encontramos todos os Aranhas no Aranhaverso? Os nomes em português podem variar pois não seguem exatamente a tradução do nome em inglês. Contudo o nome original é destacado assim como o ano de criação e a primeira aparição do personagem. Há diferenças como origem, nome, sexo, etc…

Abaixo você confere a lista de todos os Aranhas de Aranhaverso 2… Ou com os que conseguimos identificar… Se você curte listas aracnídeas talvez curta a lista de simbiontes da Marvel Comics, mas fica o aviso: nenhum deles apareceu em Homem Aranha: Um Novo Dia. Pelo menos não ainda.

1. Homem Aranha

• Nome original: Homem Aranha (Miles Morales)
• Ano de criação: 2011
• Primeira aparição: Ultimate Fallout #4

2. Mulher Aranha

• Nome original: Spider-Woman/Spider-Gwen/Ghost-Spider (Gwendolyn Stacy)
• Ano de criação: 2015
• Primeira aparição: Spider-Gwen (vol.1)

3. Homem Aranha 2099

• Nome original: Spider-Man 2099 (Miguel O’Hara)
• Ano de criação: 1992
• Primeira aparição: Spider-Man 2099 #1

4. Mulher Aranha

• Nome original: Spider-Woman (Jessica Miriam “Jess” Drew)
• Ano de criação: 1977
• Primeira aparição: Marvel Spotlight #32 (Porém, esta versão de Homem Aranha: Através do Aranhaverso é inédita)

5. Homem Aranha

• Nome original: Spider-Man (Pavitr Prabhakar)
• Ano de criação: 2004
• Primeira aparição: Spider-Man: India #1

6. Punk Aranha

• Nome original: Spider-Punk (Hobie Brown)
• Ano de criação: 2015
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #10

7. Aranha Escarlate

• Nome original: Scarlet Spider (Ben Reilly)
• Ano de criação: 1994
• Primeira aparição: Spider-Man #51 (mas existe uma ret-con que data de 1975 onde o personagem já teria aparecido como clone em The Amazing Spider-Man#149)

8. Homem Aranha

• Nome original: Spider-Man (Peter B. Parker)
• Ano de criação: 1962
• Primeira aparição: Amazing Fantasy #15 (este Homem Aranha é “cotado” como o original dos quadrinhos mesmo sendo diferente)

9. Aranhazinha

• Nome original: May “Mayday” Parker
• Ano de criação: 2023
• Primeira aparição: Homem Aranha: Através do Aranhaverso (no entanto essa personagem foi baseada na Garota Aranha, que também aparece no filme e tem sua origem nos quadrinhos)

10. Homem Aranha LEGO

• Nome original: LEGO Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2012
• Primeira aparição LEGO Marvel Super Heroes #5

11. Aranha Byte

• Nome original: Spider-Byte (Margo Kess)
• Ano de criação: 2018
• Primeira aparição: Vault of Spiders #1

12. Aranha Britânica

• Nome original: Spider-UK (Malala Windsor)
• Ano de criação: 2014
• Primeira aparição: Edge of Spider-Verse #2

13. Buggy Aranha

• Nome original: Spider-Mobile (Peter Parkedcar)
• Ano de criação: 1973
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #130

14. Spidercide

• Nome original: Spidercide
• Ano de criação: 1995
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #399

15. Homem Aranha do futuro

• Nome original: Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2003
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man (vol.2) #58 (versão de um futuro alternativo)

16. Tarântula Ultimate

• Nome original: Ultimate Tarantula
• Ano de criação: 2006
• Primeira aparição: Ultimate Spider-Man #100

17. Cowboy Aranha

• Nome original: Web-Slinger (Patrick O’hara)
• Ano de criação: 2014
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man (vol.3) #9

18. Cavalo Aranha

• Nome original: Widow (Spider-Horse)
• Ano de criação: 2014
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man (vol.3) #9

19. Venom/Gwenom

• Nome original: Venom/Gwenom (Gwen Stacy)
• Ano de criação: 2016
• Primeira aparição: Spider-Gwen (vol. 2) #13

20. Venom

• Nome original: Venom (Eddie Brock)
• Ano de criação: 1988
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #300 (como Venom mesmo, não é a primeira aparição de Eddie Brock)

21. Homem Aranha Playstation

• Nome original: Spider-Man Playstation (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2018
• Primeira aparição: Marvel’s Spider-Man, o jogo do PS4 da Insomaniac

22. Mulher Aranha Ciborgue

• Nome original: Cyborg Spider-Woman
• Ano de criação: 2023
• Primeira aparição: Homem Aranha: Através do Aranhaverso (existem diversos Aranha-Ciborgue que a personagem pode ter sido inspirada. Uma delas é uma versão do Homem Aranha de 1992 visto em Spider-Man (vol. 2) #21)

23. Homem Aranha Ação Sem Limites (muitas versões dele bicho)

• Nome original: Spider-Man Unlimited (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 1999
• Primeira aparição: Spider-Man Unlimited (série animada)

24. O Espetacular Homem Aranha

• Nome original: Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2008
• Primeira aparição: Spectacular Spider-Man (série animada)

25. Homem Aranha Ultimate

• Nome original: Ultimate Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2012
• Primeira aparição: Ultimate Spider-Man (série animada do Disney XD)

26. 4R4NH4

• Nome original: SP//dr (Peni Parker)
• Ano de criação: 2014
• Primeira aparição: Edge of Spider-Verse #5

27. Aranha do Sol

• Nome original: Sun Spider (Charlotte Webber)
• Ano de criação: 2019
• Primeira aparição: Spider-Verse Vol. 3 #6

28. Spinneret

• Nome original: Spinneret (Mary Jane Watson)
• Ano de criação: 2015
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man: Renew Your Vows #1

29. Spiderling

• Nome original: Spiderling (Anna-May “Annie” Parker)
• Ano de criação: 2015
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man: Renew Your Vows #1

30. Homem Aranha Mangaverso

• Nome original: Mangaverse Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2002
• Primeira aparição: Marvel Mangaverse Spider-Man #1

31. Homem Aranha

• Nome original: Spider-Man (Peter Parker)
• Ano de criação: 2002
• Primeira aparição: Homem Aranha (filme interpretado por Tobey Maguire)

32. Homem Aranha

• Nome original: Spider-Man (Peter Parker)
• Ano de criação: 2012
• Primeira aparição: Homem Aranha (filme interpretado por Andrew Garfield)

33. Mulher Aranha/Arachne

• Nome original: Spider-Woman/Arachne/Madame Web (Julia Carpenter)
• Ano de criação: 1984
• Primeira aparição: Secret Wars #6

34. Capitão Aranha

• Nome original: Captain Spider (Eugene Thompson)
• Ano de criação: 1977
• Primeira aparição: What If? #7

35. Rex Aranha

• Nome original: Spider-Rex (Pter Ptarker)
• Ano de criação: 2022
• Primeira aparição: Edge of Spider-Verse (vol. 2) #1

36. Macaco Aranha

• Nome original: Spider-Monkey (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2008
• Primeira aparição: Amazin Spider-Man Family #1

37. Homem Aranha

• Nome original: Spider-Man (Max Borne)
• Ano de criação: 1995
• Primeira aparição: Spider-Man 2099 Meets Spider-Man #1

38. Homem Aranha

• Nome original: Spider-Man (Peter Parker)
• Ano de criação: 1967
• Primeira aparição: Spider-Man (animação)

39. Homem Aranha (diversos de Alex Ross)

• Nome original: Spider-Man
• Ano de criação: 2008
• Primeira aparição: Marvels #2 (Trata-se do estilo do artista Alex Ross, não propriamente uma criação original. Marco esta edição por ser a primeira publicação.)

40. Gato Aranha

• Nome original: Spider-Cat
• Ano de criação: 2011
• Primeira aparição: Spider-Island: I love New York City #1

41. Terapeuta Aranha

• Nome original: Spider-Therapist (supostamente Ezekiel Sims)
• Ano de criação: 2023
• Primeira aparição: Homem Aranha: Através do Aranhaverso (animação) … mas é necessário confirmar seu alterego. Se for Ezekiel “Zeke” Sims realmente ele surgiu em 2001 em Amazing Spider-Man #30.

42. Metro-Spider

• Nome original: Metro-Spider
• Ano de criação: 2023
• Primeira aparição: Homem Aranha: Através do Aranhaverso (animação)

43. Araña

• Nome original: Araña (Anya Corazón)
• Ano de criação: 2023
• Primeira aparição: Homem Aranha: Através do Aranhaverso (animação) Porém, essa versão de Anya é nova, mas não é a primeira.

44. Guardinha Aranha

• Nome original: Spider-Man Officer (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 1999
• Primeira aparição: Earth X#0

45. Polícia Aranha

• Nome original: Spider-Cop
• Ano de criação: 2018
• Primeira aparição: Spider-Geddon #4 (note que é uma versão diferente do Guardinha Aranha)

46. Ultimate Homem Aranha

• Nome original: Ultimate Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2000
• Primeira aparição: Ultimate Spider-Man #1

47. Mulher Aranha

• Nome original: Spider-Woman (Ashley Barton)
• Ano de criação: 2008
• Primeira aparição: Wolverine (vol. 3) #67

48. Mulher Aranha

• Nome original: Spider-Woman (Mattie Franklin)
• Ano de criação: 1998
• Primeira aparição: Spectacular Spider-Man #263

49. Garota Aranha

• Nome original: Spider-Girl (Mayday Parker)
• Ano de criação: 1997
• Primeira aparição: What If? #105

50. Homem Aranha da Fundação Futuro

• Nome original: Future Foundation’s Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2011
• Primeira aparição: FF#1

51. Homem Aranha de Armadura I

• Nome original: Spider-Armor MK I (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2011
• Primeira aparição: Web of Spider-Man #100

52. Mulher Aranha de Armadura I

• Nome original: Spider-Woman in Spider-Armor MK II
• Ano de criação: 2023
• Primeira aparição: Homem Aranha: Através do Aranhaverso (animação)

53. Homem Aranha de Armadura II

• Nome original: Spider-Armor MK II (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2011
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #656

54. Homem Aranha de Armadura III

• Nome original: Spider-Armor MK III (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2012
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #682

55. Homem Aranha de Armadura IV

• Nome original: Spider-Armor MK IV (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2018
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #1

56. Cavaleiro Aranha

• Nome original: Spider-Knight (Peter Parker)
• Ano de criação: 2015
• Primeira aparição: Ultimate Spider-Man (animação)

57. Anti-Kingpin

• Nome original: Anti-Kingpin (na verdade não tem um nome)
• Ano de criação: 2020
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #62

58. Homem Aranha Superior

• Nome original: Superior Spider-Man (Peter Benjamin Parker mas com o cérebro do Doutor Octopus)
• Ano de criação: 2012
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #700

59. Arácnido

• Nome original: Arácnido (Wrestler Spider-Man)
• Ano de criação: 2015
• Primeira aparição: Spider-Verse #2

60. Lobo Aranha

• Nome original: Spider-Wolf
• Ano de criação: 2014
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #11

61. Lady Aranha

• Nome original: Lady Spider (Maybelle “May” Reilly)
• Ano de criação: 2014
• Primeira aparição: Spider-Verse #1

62. Cuecão

• Nome original: Underoos (Spider-Man)
• Ano de criação: 2018
• Primeira aparição: Marvel’s Spider-Man, o jogo do PS4 da Insomaniac

63. Homem Aranha de O Próprio Medo

• Nome original: Spider-Man (Fear Itself)
• Ano de criação: 2011
• Primeira aparição: Fear Itself #7

64. Mulher Aranha do Universo Ultimate

• Nome original: Ultimate Spider-Woman (Jessica Drew)
• Ano de criação: 2006
• Primeira aparição: Ultimate Spider-Man #98

65. Aranha Saco de Pão

• Nome original: Spare Fantastic Four costume ou Bombastic Bag-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 1984
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #258

66. Farofa Aranha

• Nome original: Far or Fair Spider-Man (Pedro Prado)
• Ano de criação: 2002
• Primeira aparição: Far or Fair Spider-Man #1 (brinks)

67. Homem Aranha Cósmico

• Nome original: Captain Universe ou Cosmic Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 1990
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #328

68. Spider-Man

• Nome original: Spider-Man Tokusatsu (Takuya Yamashiro)
• Ano de criação: 1978
• Primeira aparição: Spider-Man na TV japonesa

69. Homem Aranha do Universo de Dormammu

• Nome original: Dormammu-Verse’s Spider-Man
• Ano de criação: 2014
• Primeira aparição: Spider-Man Unlimited (animação)

70. Homem Aranha da Terra X

• Nome original: Earth-X Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 1999
• Primeira aparição: Earth-X #0 (em teoria é o mesmo que o Guardinha, mas enfim…)

71. Homem Aranha Noir

• Nome original: Spider-Man Noir (Peter Parker)
• Ano de criação: 2008
• Primeira aparição: X-Men Noir #1

72. Mecânico Aranha

• Nome original: Spider-Mechanic ou AIM Spider-Man (Peter Parker)
• Ano de criação: 2020
• Primeira aparição: Marvel Action: Avengers #9

73. Porco Aranha

• Nome original: Spider-Ham (Peter Porker)
• Ano de criação: 1983
• Primeira aparição: Marvel Tails Starring Peter Porker the Spectacular Spider-Ham #1

74. Aranha de Ferro

• Nome original: Iron Spider-Man (Peter Benjamin Parker)
• Ano de criação: 2006
• Primeira aparição: Amazing Spider-Man #529

75. Aranha Escarlate

• Nome original: Scarlet Spider (Kaine Parker)
• Ano de criação: 1994
• Primeira aparição: Web of Spider-Man #119

76. Homem Aranha Venenoso

• Nome original: Poison Spider-Man (Peter Parker)
• Ano de criação: 2017
• Primeira aparição: Venomverse #1

77. Homem Aranha Mariachi

• Nome original: Mariachi Spider-Man
• Ano de criação: 2012 (?)
• Primeira aparição: Ultimate Spider-Man (animação)

78. Aranha Mágico

• Nome original: Spider-Wizard (???)
• Ano de criação: 1991 (???)
• Primeira aparição: Aparentemente é o Homem Aranha inspirado na capa da finada revista Wizard #1 especializada quadrinhos.

79. Mulher Aranha

• Nome original: Spider-Woman (???)
• Ano de criação: 2023
• Primeira aparição: Homem Aranha: Através do Aranhaverso (animação)

80. Aranha Canadá

• Nome original: Spider-Canada
• Ano de criação: 2023
• Primeira aparição: Homem Aranha: Através do Aranhaverso (animação)

81. Homem Aranha

• Nome original: Spider-Man (Peter Bejamin Parker)
• Ano de criação: 1977
• Primeira aparição: Spider-Man Newspaper Strips #1977 (tirinha de jornal)

Lembrando apenas que esta não é uma lista definitiva e os nomes em português são difíceis de confirmar por não existir uma base de dados confiável. E essa lista são só os dos aranhas, imagina se colocarmos os vilões no meio também?! Por vezes é difícil ser um fã de aranha, não é mesmo?

Criar esta lista foi tenso e não tive ninguém realmente que pudesse revisar tantos detalhes. Então se você tiver alguma dica ou algo para acrescentar use os comentários à vontade.

Algumas de nossas fontes foram: Fandom, Yahoo, Looper e Polygon.

Todos os aranhas de Aranhaverso 2

Consegui assistir à Homem Aranha: Um Novo Dia e temos muita coisa para falar sobre a mais nova encarnação cinematográfica do herói dos quadrinhos.

O filme foi lançado dia 31 de Julho de 2026 e tem duração de 2h 25min. Foi dirigido por Destin Daniel Cretton e escrito por Chris McKenna e Erik Sommers (com créditos para Steve Ditko e Stan Lee). A produção ficou por conta de Amy Pascal, Kevin Feige, Rachel O’Connor e Avi Arad. Contanto no elenco com Tom Holland, Zendaya, Mark Ruffalo, Jom Bernthal, Jacob Batalon, Sadie Sink, Florence Pugh, Tramell Tilman, Liza Colón-Zayas e Marisa Tomei.

Após o trailer, que você confere abaixo, teremos muitas informações e opiniões sobre o filme com alguns spoilers.

Para começar é preciso dizer que existem escolhas no roteiro que realmente não concordo, que não acredito que seja a melhor maneira de se contar uma história. Porém, não posso negar, que o novo filme do Homem Aranha é um filme de boneco muito bom! Frank Miller, renomado autor de quadrinhos, apontou que o filme seria o melhor se referencia ao trabalho de Steve Dikto e ainda elogia a atuação de Tom Holland.

E preciso dizer que concordo em tudo que Miller disse.

Ação, mistério, referência, drama, Peter apanhando, mais drama, referência e uma baita surpresa sem deixar de mostrar um Homem Aranha que finalmente saiu da saia de Tony Stark no MCU. Fui assistir o filme no meio de uma correria danada e já esperando uma bomba… E saí da sala do cinema tentando entender o que fizeram para que eu gostasse tanto do filme.

Homem Aranha: Um Novo Dia mostra um super herói cada vez mais capaz e entrosado com suas habilidades, mas mostra que seu alter ego está sofrendo. A solidão de Peter Parker é a força motriz do filme – empurrando o personagem e a história consigo.

Qual é a história de Homem Aranha: Um Novo Dia?

Apesar da referência à uma história específica dos quadrinhos é bom avisar que essa trama não é trabalhada aqui. Aliás, homenagens aos quadrinhos não faltam, mas são apenas homenagens – isto definitivamente não é uma adaptação. Entender isso fez o filme crescer muito de escopo, sem ser megalomaníaco como Sem Volta Para Casa.

Aqui a trama começa após surgir uma nova ameaça que parece dominar o corpo das pessoas e está tentando invadir de qualquer maneira o Departamento de Controle de Danos. Mas essa ameaça encontra resistência ao tentar invadir a mente de Peter que começa a investigar as ações desse ser super poderoso.

Enquanto isso Parker ainda tem que enfrentar sua solidão, apenas se relacionando com pessoas do trabalho: uma delegada de polícia e até o Justiceiro. Tudo isso enquanto a vida de Mary Jane e Ned seguem em frente sem ele. Mas tudo isso acaba quando a invasora de mentes encontra a fragilidade de Peter, seu passado e o que esconde. Enquanto ela não consegue dominar a mente do Homem Aranha (mas consegue ler aparentemente) ela começa a agir contra seus amigos.

E aí a coisa fica ainda mais interessante.

O que está acontecendo com o Homem Aranha?

O estresse do Homem Aranha começa a afetar o herói que começa a perder o controle de seus corpo e até seus poderes. Como uma reação ele se adapta e se torna mais poderoso, mais ágil… e começa a soltar teias pelos pulsos. Uma nova mutação para Peter Parker que leva tempo e sofre bastante para controla-la… E para isso ele inclusive procura a ajudar do Dr. Bruce Banner que o inspira a criar um supressor genético de super poderes… Que além de usar em si ele pretende usar contra a nova ameaça.

Os ataques contra o Controle de Danos se amplia e até a Viúva Negra é acionada, afinal o que seria o V-Max que a ameaça tanto procura. Mesmo procurando informações o departamento enrola o Homem Aranha, apenas dando o nome da nova ameaça: Jean Elaine Grey.

Não. Não é outra Jean. É aquela mesmo, a telepata dos X-Men, a encanação da Fênix é a ameaça no novo filme do Homem Aranha. Mesmo assim ela está muito longe de ser a vilã dessa história.

O que Jean Grey está fazendo no filme do Homem Aranha?

As liberdades que o filme toma são diversas e são várias. A introdução de uma X-Man no universo principal do MCU sem aviso é algo que a Marvel Studios deve ter planejado por anos, mas para concretizar dessa maneira deve ter sido mais complicado ainda.

Como mencionei no início: não concordo com a maneira que foi feito, mas preciso dizer que sim, ficou muito bom e, principalmente, factível, na história dos dois personagens.

Jean Grey aqui ainda não sabe que é um mutante e nem conhece nenhum professor Xavier. Aqui Jean está perdida atrás da sua irmã Sara, que foi presa pelo departamento de Controle de Danos para estudar e, quem sabe, utilizar seus poderes para dar mais poder à humanos contra os super seres. Essa trama não foi colocada ali por acaso e todo o contexto é proposital: já estão estudando mutantes para utilizar seus poderes no MCU!

Mas é preciso que você se acalme também. Não é mostrado nada além disso, não há nenhum X na sua roupa nem uma briga entre Scott e Logan, este é apenas um trecho da história de Jean antes da Escola para Jovens Super Dotados do Professor Xavier. Ainda não dá para saber o que está por vir na franquia mutante nos cinemas. Sem mencionar que não podemos esquecer que até este momento os X-Men e o Quarteto Fantástico eram personagens que existiam apenas em outros universos.

O X da questão

Ver Peter sofrer humaniza o herói, o trás para perto da minha e da sua realidade. Nos faz torcer pelo reencontro com Mary Jane e dar um pulinho quando Ned o chama depois daquele cumprimento bobo deles. Não dá para não torcer por Peter Parker, não dá para você não achar a cara de bobo do Tom Holland uma boa fisionomia para o amigão da vizinhança.

A introdução de Jean Grey da maneira que ocorreu foi ousada e gostei do que vi. Gostei de ser surpreendido positivamente. Os X-Men não vão aparecer no MCU tão cedo e, honestamente, a bagunça que está por vir é demais mesmo para que os personagens sejam lançados como uma nova franquia. Mas isso não quer dizer que não veremos mutantes em Vingadores: Doutor Destino e Vingadores: Guerras Secretas…

Agora, o que é realmente importante é tentar entender como que o “detector de Homem Aranha” do Ned mostrou um sinal em Nova Iorque e outro na Lua. Uma variante? Miles Morales? São muitas perguntas… E teorias do que o Doutor Destino pode aprontar, nós temos!

Homem Aranha: Um Novo Dia

Confira os vazamentos de Vingadores: Guerras Secretas – pelo menos os que conseguimos confirmar (sem baboseira feita em IA).

Os próximos filmes dos Vingadores da Marvel Studios já estão fazendo muito barulho, mas pouco se sabe sobre a trama. Além do elenco divulgado inicialmente sabemos apenas que Robert Downey Jr irá retornar ao MCU mas como o vilão Doutor Destino… Mas algo que nem o Beyonder pode conter são os vazamentos de Vingadores: Guerras Secretas.

Fique avisado que as informações são possíveis spoilers… Mas entenda que nada foi confirmado e muito do que será mostrado ou comentado pode ser apenas especulação. Não sabemos o que será ou não usado ainda na versão final, mas dá para admirar as artes e imaginar o que virá por aí.

Apesar de centrado em Doutor Destino é possível ver pelas imagens que são tantas versões diferentes de heróis que podemos acreditar que estamos vendo cenas do mundo da contenda, o Battleworld, em sua versão MCU. Este mundo é literalmente um amontoado de restos de realidade e, nos quadrinhos, é regido por Victor Von Doom.

Como mencionei acima a maioria dos vazamentos gira em torno de artes conceituais. E por isso mesmo é possível que não entre na versão final, são apenas conceitos. As imagens foram publicadas inicialmente por Mushk Rizvi, artista conceitual senior da Marvel Studios em seu perfil no ArtStation. Obviamente as postagens foram deletadas, mas não antes de cair nas mãos de fãs!

A imagem acima mostra Visão (em sua versão reconstruída desaparecida desde o final de WandaVision – e ainda aguardamos por Vision Quest) junto de Senhor das Estrelas. Ambos parecem bem a vontade comendo pizza enquanto assistem TV. Seriam eles um casal?

Em um bar vemos Wong, Senhor das Estrelas novamente, Gaviã Arqueira (Kate Bishop), Estatura (Cassandra Lang), Célere (Thomas Shepherd), Wiccano (Billy Kaplan), Ms Marvel (Kamala Khan) e até o mutante Doop! Tudo leva a crer que nesta cena eles estão em outra realidade… Afinal é um bar e tem um mutante andando flutuando tranquilamente ali. Sem mencionar que esta pode ser a primeira aparição oficial dos Jovens Vingadores.

Este é um vilarejo vitoriano de hulks? Seria uma versão menos bárbara de Planeta Hulk? Na imagem vemos Bruce Banner, Jennifer Walters e – aparentemente – Skaar, o filho do Hulk, ferido com flechas. Ao fundo vemos uma muralha bem alta… Mas do que tantos hulks precisariam se proteger?

Em uma sala medieval podemos ver claramente Doutor Destino com sua roupa branca – o que faz referência à Guerras Secretas – com outros personagens que só podemos especular quem são. Sua rainha é possivelmente Sue Storm, a Mulher Invisível, junto de uma criança que poderia ser Franklin Richards – filho dela com Reed. Aparentemente temos um Doutor Estranho um pouco mais velho – o que também remete à Guerras Secretas. De joelhos seria Reed Richards?

A imagem a seguir mostra claramente David Jonsson como Pantera Negra em um templo (?) em Wakanda?

Outras imagens e supostos vazamentos não foram incluídos aqui por não ser possível confirmar a fonte… Logo pode ser alguma boataria criada por IA apenas para ganharem engajamento em redes sociais. Está muito comum essa palhaçada e provavelmente vai piorar próximo dos lançamentos dos filmes.

Tudo lembra muito Guerras Secretas dos quadrinhos e isso poderia significar que veremos um reboot de todo o MCU. Será? Corra para assistir todas (nem todas) as séries da Marvel, tudo conta pelo visto!

Os vazamentos de Vingadores: Guerras Secretas

Confira a teoria que mostra que Doutor Destino não é o novo vilão da Marvel Studios.

Tudo morre e, no filme Vingadores: Doutor Destino, o antagonista do Quarteto Fantástico pode se mostrar diferente do que se espera. Apesar de seu poder Doutor Destino não é o vilão aquele que vai entregar o universo ao seu destino final, mas sim, seu salvador – pelo menos essa é a teoria que apresentaremos a seguir aqui no FAROFEIROS – sem o uso de IA. Todas as teorias seguem histórias em quadrinhos reais e as imagens são de fontes oficiais sem o uso de nenhum modelo linguagem automatizado, valorize nosso trabalho! 😉

Não possuo informações privilegiadas e meu pai não é o Kevin Feige, mas sei uma coisa ou duas sobre os quadrinhos que podem ter inspirado a história que veremos nos dois próximos filmes de Vingadores: Doutor Destino, que será lançado dia 17 de Dezembro de 2026 e Vingadores: Guerras Secretas, que será lançado dia 17 de Dezembro de 2027.

Os vazamentos pouco contam da história e é muito mais divertido ser surpreendido nos cinemas do que matar a curiosidade agora… em um perfil aleatório feito por IA no Instagram ou Tiktok. Mas as teorias envolvem o que sabemos e a mais pura especulação e – confesso – é algo que adoramos fazer por aqui quando o assunto é filme de boneco.

Não é de hoje que as histórias contadas pela Marvel Studios diferem daquelas contadas pela Marvel Comics, mesmo com diversas referências e similaridades não podemos falar que são as mesmas situações que os heróis passam. Por isso mesmo acredito que a leitura mais importante neste momento são os quadrinhos da última Guerra Secreta, que ocorreu em 2015 e foi idealizada pelo escritor Jonathan Hickman. E sim, podemos dizer que o evento trás algo que assusta muita gente nos quadrinhos e poderá afetar nos filme: o reboot.

E se quiser algumas teorias a mais pode conferir o FAROFANDO onde falamos disso e muito mais!

Doutor Destino e as Guerras Secretas

As Guerras Secretas clássicas são muito mais galhofadas do que a versão mais recente da briga entre bonecos super-heróis. Mas na última vez que o evento ocorreu tramas foram criadas que realmente dão um toque de ficção científica para a briga, o que resultou em um

O prelúdio das Guerras Secretas são as Incursões, eventos extradimensionais que fazem universos se colidirem e destruírem uns aos outros – a menos que um desses universos seja destruído. Assim temos já confirmado que os Vingadores encontraram o Quarteto Fantástico e os X-Men, heróis de outra dimensão (ou linha temporal, como preferir). As Incursões explicam a necessidade de união destes heróis contra um mal além de sua capacidade.

Nos quadrinhos as Incursões são o um experimento dos Beyonders e, neste momento, não acredito que a raça ou o personagem terão destaque no MCU no filme.

Em um ponto crucial da última Guerra Secretas vimos que Doutor Destino e Doutor Estranho conseguiram atingir um ponto que os Vingadores não chegaram nem perto. Doutor Estranho não teve coragem de fazer o que era preciso, então coube a Victor Von Doom salvar o que sobrou do universo.

Surge então um mundo fragmentado, o mundo da contenda ou Battleworld, cheio de versões dos heróis da Marvel Comics se tornou o mundo de contenda, onde seus soberanos atuavam de maneira a agradar o deus Doutor Destino.

Neste novo só existe um planeta, enorme e com retalhos de universos mortos. Nele não há um sol natural, Doom ampliou o poder de Tocha Humana para que ele pudesse aquecer o mundo enquanto o Coisa se tornou, literalmente, uma muralha de pedras separando mundos de zumbis de outros menos primordiais. Ainda acho difícil adicionar tais conceitos neste filme, mas podemos ver algo parecido em Guerras Secretas.

Mas quem é o vilão de Vingadores: Doutor Destino então?

Doutor Destino não é uma figura passional, ele acredita no poder do fascismo como arma e o que ele faz na Latvéria ele quer para o mundo – e por que não para o universo também? Ao ver a oportunidade e a necessidade de salvar o universo ele fará o que for preciso para se manter no poder.

Acredito que o vilão estava na nossa frente o tempo todo e pode ser um dos responsáveis por tentar “organizar” o universo. Enquanto Doutor Destino é o salvador, Loki é o vilão, sentado em seu trono no berço das realidades realinhando e “concertando” o que acredita estar correto. No final Doutor Destino não vence, mas não perde… Então surge o mundo da contenda para Guerras Secretas em 2027.

O universo Marvel pós-Guerras Secretas sempre trás novidades e poderia rejuvenescer os personagens e até mudar atores.

Imagine ainda uma outra teoria que poderia explicar o motivo das principais equipes terem “surgido” nos cinemas de maneira separada? E se existir um motivo real para que Robert Downey Jr ser o rosto de Tony Stark e Victor Von Doom?

Mas tudo isso pode mudar em Guerras Secretas. Quem sabe?

Doutor Destino não é o vilão

O novo filme da Supergirl estreou fazendo muito barulho… Como o de uma bomba explodindo. Com arrecadação global de US$ 108,8 milhões o filme se tornou a pior bilheteria com a marca da DC nas últimas duas décadas! É o pior desempenho de um filme da DC desde a infame Mulher-Gato de 2004, aquele com a Halle Berry.

Neste momento o filme precisa de um milagre financeiro para quadruplicar sua arrecadação atual pra começar a pensar em obter algum lucro. Por isso mesmo o DC Studios já se preparam para mudar algumas coisas, só resta saber se alguma dessas mudanças serão boas. O DCU de James Gunn realmente parecia bom demais para ser verdade.

Obviamente já tem gente (?) colocando a culpa na protagonista mulher ou afirma que a trama é woke. Enquanto os “especialistas” de internet discutem a bilheteria, uma “polêmica” muito estranha surgiu. Esses “especialistas” parecem revoltados com a cena em que Supergirl mata um dos vilões que fazia parte de uma organização de tráfico sexual no espaço.

A reação é bem engraçada, especialmente se compararmos com a violência comum de heróis masculinos. Nada foi dito quando Batman aleijou um bandido em Gotham, mas quando a Supergirl elimina uma ameaça monstruosa – literalmente – vira escândalo. Esse pessoal tem que parar com tanto mimimi no filme de boneco.

O discurso em torno do filme frequentemente mostra desconforto com uma heroína que não se curva aos padrões. As críticas à personagem, ao mesmo tempo que ignoram os problemas estruturais do DCU, são um sintoma de um problema maior na sociedade – não só na cultura pop.

O fracasso de Supergirl não é um fracasso de uma personagem feminina; é o fracasso de um estúdio em entender seu público, planejar um universo coeso e contar uma história cativante.

Bilheteria de Supergirl faz DC Studios já pensar em mudança de planos

O Papa citou Gandalf bicho!

Se alguém te dissesse que o Papa iria invocar um mago da Terra Média em documento pontifício sobre inteligência artificial, você provavelmente ficaria confuso. Mas relaxa que ninguém iria te julgar.

Na última segunda-feira (25), o Papa Leão XIV apresentou uma encíclica sobre os riscos da inteligência artificial. Foi mais um alerta aos líderes políticos e empresariais para que protejam a humanidade dos efeitos mais “disruptivos” da tecnologia. O documento se chama Magnifica Humanitas e todo líder que se preze deveria ler e aprender com a visão do pontífice.

Ao argumentar sobre a força da tecnologia sobre o trabalho e o risco dele ser desumanizado, Leão XIV cita um dos discursos mais famosos de Gandalf, da obra O Senhor dos Anéis de J.R.R. Tolkien. O trecho diz:

Não nos compete dominar todas as marés do mundo, mas sim fazer o que nos for possível para ajudar os anos em que estamos inseridos, erradicando o mal nos campos que conhecemos para que quem viver depois possa ter terra limpa para amanhar.

Minha gente. Gandalf. No Vaticano. Em 2026.

Tolkien não é um nome aleatório nessa história com o Papa. Ele foi um escritor, filólogo e professor universitário, considerado um dos maiores autores da literatura fantástica do século XX. O Senhor dos Anéis, publicada entre 1954 e 1955, tornou-se sua obra mais conhecida e um marco da fantasia moderna adaptado para o cinema por Peter Jackson. O Papa não citou uma passagem genérica de um autor qualquer.

Tolkien e sua obra andam sendo disputados há anos como aponta o site Valinor. Figuras da extrema direita mundial como JD Vance e Peter Thiel têm distorcido o sentido das obras de Tolkien para justificar ideologias autoritárias e capitalistas. A análise de como a extrema direita abusa de Tolkien está completa no Valinor, em tradução de um excelente texto de Alex Skopic para a revista Current Affairs.

Aqui no FAROFEIROS, por exemplo, até ameaçados de morte fomos por apontar que elfo negro existe.

Eles mesclam elementos da Terra Média com práticas de vigilância e acumulação de poder. Thiel batizou sua empresa de vigilância de Palantir, aquela esfera de cristal que corrompe quem a usa – a empresa está relacionada até na vigilância e definição de alvos em Gaza. Já o vice-presidente dos EUA criou um fundo de capital de risco chamado Narya Capital, em referência ao Anel de Fogo dos elfos… E foi patrocinado por Thiel.

Tolkien, provavelmente, estaria horrorizado com os dois figurões.

Como o texto no Valinor comenta a mensagem central da mitologia de Tolkien é exatamente o oposto da agenda dessas figuras: o poder corrompe, a ganância destrói e quem busca o anel acaba sendo consumido por ele. Essa mitologia toda alerta contra o tipo de política obcecada pelo poder que esses grupos promovem.

Se até o papa está usando Tolkien para debater ética na era da IA, talvez seja hora de a gente reler O Senhor dos Anéis com a consciência de que nem todo mundo que ama a Terra-média está do lado certo da história.

Pois é, e eu nem curto O Senhor dos Anéis.

O Papa citou Gandalf. É sério!

Dark Horse: os 10 momentos mais absurdos e engraçados do roteiro

O roteiro de Dark Horse, escrito por Mark & Cyrus Nowrasteh (cof cof) é uma coisa curiosa. No papel trata-se de um drama político sobre o atentado a faca sofrido por Jair Bolsonaro durante a campanha presidencial de 2018.

Na prática os roteiristas entregaram um retrato que alterna entre o trágico e o completamente absurdo, com um protagonista cuja personalidade gera situações de comédia que nenhum roteirista de ficção ousaria inventar. Quer dizer… Estamos falando do pessoal que reza para pneu e se pendura em caminhão, né?

O roteiro disponível neste momento é o Pangaré – O Soluço Final (Dark Horse – Biroliro’s Cinematic Universe Vol. 1). Esta versão é, supostamente, o sétimo rascunho da obra de Mario Frias e Daniel Vocaro, com a produção executiva de Flávio Bolsonaro. Não temos ainda a confirmação de que este seria – supostamente – a versão final do filme brasileiro mais caro já realizado, com um orçamento de mais de R$ 200 milhões.

Importante lembrar que no momento se encontra nos cinemas A Colisão dos Destinos, documentário sobre a vida de Jair e que ignora Michelle, a derrota nas urnas e a tentativa de golpe de estado. As sessões encontram-se em estado do mais absoluto e total desinteresse do público.

Em homenagem aos irmãos Nowrasteh e a sua obra, selecionamos os momentos mais engraçados de Dark Horse. Esse sim, um filme com os pés no chão, feito dentro das quatro linhas da tela do cinema, estrelando Jim Caviezel. Todo o roteiro é tão peculiar que para ter algum sentido – ou até mesmo contexto – traduzi e adaptei o texto de maneira mais livre.

Demitindo e recontratando o filho

Em plena fúria dentro do carro da campanha Jair Bolsonaro manda o filho Eduardo sair do veículo em um bairro perigoso, e vai embora sem ele. Segundos depois, o veículo faz um retorno e Eduardo entra de volta. Jair anuncia solenemente que decidiu recontratá-lo, mas com um salário menor.

O problema é que Eduardo nunca teria recebido um salário.

Sedução no chão

Chegando quase morto à entrada do hospital, Jair Bolsonaro recusa a maca e tenta andar com as próprias pernas. Ao cair é repreendido pela enfermeira Renata para deitar imediatamente. A resposta de Jair é uma uma cantada direta.

Monólogo interno

Enquanto é levado de maca pelos corredores do hospital em direção à cirurgia Jair Bolsonaro tem um fluxo de consciência. Ele questiona se está morto, se foi drogado, se está sob efeito de sedativos. E então percebe que está tendo pensamentos articulados, mas que não está falando em voz alta, o que o deixa confuso.

ADORADORES DE LULA

Durante a cirurgia Jair começa a especular (em um monólogo interno) se os médicos são todos esquerdistas e adoradores do Lula. Olha para a enfermeira de expressão séria e conclui que ela tem “um olhar frio nos olhos“. Infelizmente o roteiro deixa claro que tudo isso não passa de um delírio anestésico. A enfermeira está simplesmente trabalhando.

Cai da cama e pergunta ao enfermeiro gay se tem seu voto

No primeiro dia pós-cirurgia Jair Bolsonaro tenta se levantar da cama da UTI para provar que está bem. Mas não consegue, cai no e leva junto tubos, fluidos, fios e o que mais estava por perto sujando todo mundo. O enfermeiro Gaspar – que se apresenta como gay – o recolhe do chão com impaciência.

Bolsonaro então pergunta se tem o voto dele.

pedindo uma música

A caminho do comício Jair vomita um monólogo inspirado contra a ideia de “dar um tempo” na campanha. O argumento é que pensar assim torna os candidatos frouxos e acomodados. Fica roxo de fúria, grita com filhos e assessores.

Pangaré andando mais rápido

Durante a reabilitação, o enfermeiro Gaspar acompanha Jair Bolsonaro pelos corredores da UTI em seus primeiros passos pós-cirurgia. Cansado da lentidão, Gaspar utiliza um xingamento homofóbico para motivá-lo a acelerar o passo.

Jair fica tão surpreso com a palavra que esquece momentaneamente a dor e obedece.

Briguento pós-operatório

Ao ouvir o barulho dos capangas do vilão invadindo o hospital Jair Bolsonaro, ainda com bolsa de colostomia, pontos recentes e tendo quase morrido poucas horas antes, anuncia que quer descer para “chutar os traseiros” dos invasores.

Os filhos o seguram e muda de estratégia: pede uma arma para atirar da janela do quarto.

Provocador

A cena de abertura é também uma das mais perturbadoras mostrando Jair Bolsonaro paquerando uma jornalista de maneira absurda e sem sentido. A reporter, obviamente, não resiste ao “charme” mesmo tempo que entrega que Jair adora a bíblia sagrada e todos os santos (?!).

Pílulas do além

Um dos momentos mais cômicos e incoerente vem do que seria a suposta participação de uma personagem que – supostamente – representaria uma determinada senadora conservadora evangélica. Porém, em Dark Horse a personagem é mística e possui habilidades que lembram a do Mestre dos Magos.

A cena mostra Jair tomando um remédio natural, aparentemente uma erva natural que não pode te prejudicar.

Se o filme vier a ser realizado desta maneira esses serão os momentos que as pessoas vão se esforçar para esquecer além do dinheiro pago pelo ingresso.

E você, tem um momento favorito?

Os momentos mais engraçados de Dark Horse

O filme do Super Mario não é para você e nem para mim. E está tudo bem.

Sou fã de Super Mario desde criança. Joguei o jogo original do Atari e no Nintendinho. Me reunia com amigos para jogar Super Mario Bros. 3 e sofri com ansiedade na adolescência tentando liberar o mundo das estrelas em Super Mario World. Tenho diversos merchandising, algumas dezenas de bonecos, posso dizer que sou muito fã de Mario Bros., mas o filme do Super Mario não é para você, ou para mim.

Nostalgia está na moda, mas isso não faz com que ela seja menos tóxica e evite que novos fãs possam surgir. Jogos épicos como os que joguei na minha infância, demoram muito mais tempo para se fazer nas plataformas atuais. Sem mencionar que os jogos e os consoles são muito mais caros também, se tornando pouco acessíveis para a maioria das pessoas no mundo todo.

Assim surge a ideia da Nintendo de popularizar seus personagens: transformá-los em produtos de cinema. Mais palatáveis e de fácil absorção das massas que não precisam de um console, nem de um jogo, basta assinar um streaming ou esperar “cair do caminhão”. E é inegável que levar tais personagens tão carismáticos para os cinemas é uma boa estratégia.

O dinheiro pode não ser o imaginado, mas convenhamos que U$D 629 milhões não é pouco dinheiro para ninguém – nem para a Nintendo. Mas há algo importante nesse número que precisamos analisar.

No Brasil a classificação indicativa aponta que o filme é desaconselhado para menores de 6 anos por conter cenas de violência fantasiosa. Obviamente a animação não possui piadas adultas nem violência explicita, tão pouco diálogos apurados, é um filme para crianças.

A primeira vez que joguei um jogo do Mario eu deveria ter uns 7 anos. Hoje eu tenho quase 50. Então posso afirmar com todas as letras que o filme não foi pensado para mim. Talvez minha filha – que não tem paciência de ficar caçando todas as estrelas de uma fase em Super Mario 3D World – seja o público que a Nintendo deseja.

Os velhos saudosos da infância até dão dinheiro para a empresa, mas acontece que esse público está envelhecendo a cada dia. Em algum momento as pessoas vão parar de comprar jogos do Super Mario, afinal sua biblioteca de jogos não vai para o céu com você.

Já senti isso outras vezes, quando algo que eu amava simplesmente não era mais para mim. Foi assim com World of Warcraft e quadrinhos dos X-Men, fiquei triste obviamente, mas seguimos em frente. Continuo gostando de games e de quadrinhos, mas digamos que as coisas estão um pouco diferentes.

E não há problema em uma marca infanto juvenil continuar nessa faixa etária independente do seu publico envelhecer, mas é importante dizer o quanto a nostalgia se tornou algo tóxico. Memória é importante, mas não querer que apreciar novas visões de mundos, sejam jogos ou quadrinhos, pode ser problemático para a pessoa – não para a marca.

Quanto ao filme você assiste se quiser, afinal já comprou todos os jogos e bonequinhos do Super Mario que podia! Eu gostei, mas não posso dizer que é bom.

O filme do Super Mario não é para você!

A Marvel confirmou o relançamento de Vingadores – Ultimato com novas cenas.

Vingadores – Ultimato vai voltar aos cinemas em Setembro de 2026 com cenas inéditas. Elas serviriam para conectar com Vingadores – Doomsday e o diretor Joe Russo avisou que assistir é “criticamente importante” para os fãs. Obvio né?

Vingadores – Doomsday será lançado dia 18 de Dezembro de 2026.

Doomsday começaria logo após os eventos de Ultimato, de 2019, um filme com três horas de duração, que a grande maioria das pessoas já viu mais vezes do que gostaria de admitir – me incluo nessa categoria inclusive. Os irmãos Russo disseram ao público do Sands Film Festival que o relançamento irá trazer uma “história complementar crítica” e serviria de “preparação para o que você vai assistir em dezembro”.

Já que a Marvel Studios foi depenada, é preciso mostrar para os acionistas que o negocio ainda anda mesmo sem um departamento de desenvolvimento visual inteiro. Comentamos sobre esses (e outros) problemas no último FAROFANDO.

Esse tipo de marketing não é novidade no MCU. Muita gente (eu) precisou maratonar filmes medianos e séries do Disney+ só para entender quem diabos aparecia na tela. Falcão e o Soldado Invernal, por exemplo, entregou toneladas de informação relevante embalada em pouco entretenimento. Afinal “tudo estava conectado”, só esqueceram de falar que é tudo colado com fita crepe.

Ainda tenho esperança de que o novo Vingadores seja algo bom, mas colocar Robert Downey Jr. no papel como Doutor Destino não sei se foi um bom primeiro passo. Não tenho problemas com o ator, mas prevejo que uma “simples” viagem no tempo obrigue a Marvel a ter que pagar dois cachês para o ator. Bem, certamente isso irá ocorrer.

Medo do que o destino nos reserva.

Relançamento de Vingadores – Ultimato é confirmado para Setembro de 2026

A Disney destruiu a Marvel Studios para ganhar mais dinheiro.

Aparentemente nada dá mais lucro para acionistas do que despedir trabalhadores. A notícia do momento mostra que a The Walt Disney Company despediu mais de 1000 trabalhadores e alguns setores foram dizimados. ESPN, Hulu e Marvel foram muito afetados.

Como parte da tentativa de reestruturação do novo CEO, Josh D’Amaro, afirmou em uma comunicação interna que “dado o ritmo acelerado de nossos setores, isso exige que avaliemos constantemente como promover uma força de trabalho mais ágil e tecnologicamente capacitada para atender às necessidades do futuro”.

A área artística da Marvel Studios foi, aparentemente, o setor mais afetado pela medida que sugere a utilização de LLM, ou IA, como o motivo das demissões no setor.

A destruição da Marvel Studios

A notícia mais alarmante mostra que quase toda a equipe de desenvolvimento visual da Marvel Studios foi dispensada. Este departamento é responsável pela criação do visual dos personagens e mundos que definiram o Universo Cinematográfico Marvel na última década. Chamar o departamento de fundamental não expõe toda sua importância.

Abaixo você confere a publicação de Wesley Burt, artista conceitual que foi demitido em uma sala de conferencia decorada com a arte que ele mesmo criou.

Existe um receio crescente de que a Disney esteja planejando substituir artistas e designers humanos por ferramentas de IA generativa para reduzir custos. Tal teoria ganhou forças desde o lançamento da série Invasão Secreta que utilizou LLM para criar a arte da abertura.

Lembramos ainda que recentemente a Disney anunciou o investimento de U$D 1 bilhão no Sora, a IA da OpenAI. Antes mesmo do lançamento da LLM o serviço foi descontinuado e o acordo desfeito.

Além disso essa bagunça toda isso ocorre durante a produção de Vingadores: Doomsday, o filme que pretende revigorar a máquina de fazer dinheiro nos cinemas com filmes de bonecos.

Segundo Warren Gunnels a Disney recebeu um “reembolso” de impostos de quase U$D 1.5 bilhões e confirmou um lucro de U$D 12 bilhões, além de pagar mais de 45 milhões para o CEO. Assim fica claro que as demissões não foram motivadas por crise ou por problemas financeiros.

O terremoto na Marvel Comics e Entertainment

A divisão de quadrinhos não foi poupada. Segundo o Bleeding Cool, três editores de longa data e o diretor de comunicação mundial foram despedidos.

Alguns ainda apontam como a demissão de David Gabriel, Vice-Presidente Senior de Vendas e Marketing da Marvel Comics, como uma das maiores “rasteiras” dessa leva de demissões. Com 23 anos de casa, Gabriel era dono de toda a estratégia comercial da editora. Sua saída sinalizaria uma mudança profunda na liderança e na forma como as HQs da Marvel chegam ao cliente nos EUA.

Em conversas internas obtidas pelo Bleeding Cool o clima entre os funcionários que permanecem é de incerteza absoluta. Sem um motivo aparente para tal reestruturação qualquer um poderá ser o próximo demitido. Ainda teria sido dito que esses são “os males de fazer parte de um enorme conglomerado de entretenimento que só se preocupa com o valor das ações”.

Timothy Cheng, diretor executivo de comunicações da Marvel Studios, Lauren Bisom, editora senior da Marvel Entertainment, Devin Lewis e Darren Shan, editores da Marvel Entertainment também foram demitidos. Todos estavam envolvidos em projetos multimídia recentes.

O Que Esperar do Futuro?

Podemos especular muitas coisas com as informações que temos em mãos. É óbvio que em breve veremos as diferenças principalmente no MCU, que antes primava pela qualidade visual, terceirizando ou utilizando IA fajuta para fazer um trabalho artístico acurado.

Nos quadrinhos a bagunça pode ser pior ainda pois – por mais que eu não concorde com as políticas da empresa – eram essas políticas que mantinham o negócio. Sem as pessoas certas para fazê-las valer é possível que tudo que está ruim piore ainda mais.

Não é de hoje que quadrinhos é visto como um subproduto e, do jeito que as coisas andam até para a DC, prever o pior para trabalhadores e fãs não é algo tão absurdo quanto ver Doutor Destino com a cara de Tony Stark.

No final o maior vilão da Marvel é a própria Disney.

Disney destruiu a Marvel Studios

Pete Hegseth, Secretário de Defesa dos EUA – o maluco que se gosta de ser chamado de “Secretário de Guerra” – meteu o louco em uma oração realizada no Pentágono. Parafraseando Pulp Fiction em uma “leitura pré-missão dada por um capelão militar às tropas” segundo o site A Public Witness, onde enaltece a violência a violência.

A ignorância da extrema direita já é famosa mas não cansa de surpreender. Dessa vez a oração se apropriou de uma fala de Jules Winnfield, personagem de Samuel L. Jackson, em Pulp Fiction (1994):

“O caminho do homem justo está cercado de todos os lados pelas iniquidades dos egoístas e pela tirania dos homens malvados. Abençoado seja aquele que, em nome da caridade e da boa vontade, conduz os fracos pelo vale das trevas”.

Jules Winnfield

Na fala Jules recita uma versão modificada de Ezequiel 25:17:

“E executarei sobre eles grandes vinganças, com furiosos castigos, e saberão que eu sou o Senhor, quando eu tiver exercido a minha vingança sobre eles.”

Ezequiel 25:17

Pete Hegseth achou de bom tom tomar para si a fala que deturpa a Bíblia e alterá-la mais ainda!

“O caminho do aviador abatido está cercado de todos os lados pelas iniquidades dos egoístas e pela tirania dos homens malvados. Abençoado seja aquele que, em nome da camaradagem e do dever, conduz os perdidos pelo vale das trevas, pois ele é verdadeiramente o guardião de seu irmão e o que encontra crianças perdidas. E eu abaterei sobre ti com grande vingança e fúria irada aqueles que tentam capturar e destruir meu irmão. E vós sabereis que meu indicativo de chamada é Sandy 1 quando eu lançar minha vingança sobre vós. Amém.”

Pete Hegseth

Sacrilégio o nome disso… E se não me engano é pecado também, não é?

O discurso da extrema-direita não muda no mudo todo: a militarização da linguagem religiosa, a apropriação da cultura pop como retórica oficial, tudo isso faz parte do projeto de fusão entre cristianismo e militarismo que Hegseth vem promovendo desde o início de seu mandato. Jair e Flávio Bolsonaro devem ter anotado tudo no caderninho.

E esse ano tem eleições no Brasil, né? Os deusvultinho tão que tão.

Pete Hegseth reza igual a Pulp Fiction

Luigi Mangione é um Luigi Favorito do ator que dubla o Luigi na gringa.

Durante a turnê de divulgação de The Super Mario Galaxy – O Filme, o ator Charlie Day, que faz a voz do Luigi nos filmes da Nintendo, foi surpreendido com uma pergunta armadilha. Ele responde à pergunta “quem é seu Luigi favorito?” de maneira que ninguém esperava.

A resposta não foi exatamente o que o departamento de relações públicas da Nintendo esperava… Bem, na real não foi algo que nem eu esperava ouvir. Depois de rir muito, o ator declarou com calma que ele mesmo em primeiro lugar – óbvio – e Luigi Mangione em segundo. O ator estava ao lado de Keegan-Michael Key que deu um gritinho enquanto Anna Taylor-Joy escondeu o rosto. A reação coletiva foi a definição perfeita de “não acredito que ele falou isso“.

O jovem acusado de assassinar o CEO da UnitedHealthcare em dezembro de 2024, virou fenômeno da internet por razões que misturam revolta social e abdomen bem definido. Para o bem ou para o mal Luigi Mangione se tornou um ícone pop.

Mangione acumulou uma base de admiradores online justamente porque muita gente enxerga nas seguradoras de saúde americanas um símbolo concreto de um sistema que massacra pobre. Ainda mais em um país onde não existe o SUS. A conexão com o Mario verde ganhou vida própria na cultura pop fazendo fãs aparecerem no tribunal vestidos de Nintendo.

Charlie Day, conscientemente ou não, tocou num nervo que vai muito além de Super Mario Galaxy, o filme. Nos resta esperar a reação da Nintendo e do povo que norte-americano que gosta de ser jogado no meio da rua mesmo com problemas de saúde por não ter dinheiro.

Qual seu Luigi favorito?

Prólogo: A Infância Prolongada

Alan Moore, disse certa vez que os filmes de super-heróis representam uma “catástrofe cultural” — não por serem violentos ou escapistas, mas por serem infantis. Não no sentido pejorativo de “ruins“, mas no sentido literal de “coisa de criança“. Moore argumenta que, enquanto gerações passadas amadureciam e deixavam para trás as fantasias de poder da infância, nossa época as transformou em entretenimento dominante para adultos. É como se tivéssemos parado de crescer.

Esta observação é o ponto de partida necessário para entender a relação entre o MCU e o zeitgeist redpill. Porque o que está em jogo não é apenas uma disputa política sobre representação ou diversidade. O que está em jogo é o que acontece quando homens que deveriam ser adultos tomam fantasias infantis como manuais de conduta — e quando a indústria cultural, por sua vez, começa a tratar justamente esses homens infantilizados como seu público-alvo.

Parte I: O Homem de Ferro e a Fantasia do Poder Sem Consequências

O Brinquedo e a Criança

Tony Stark, em sua versão cinematográfica, é a realização perfeita da fantasia infantil de poder. Ele tem tudo: dinheiro infinito, brinquedos tecnológicos, mulheres, liberdade absoluta. E, principalmente, ele não presta contas a ninguém. A cena em que ele ironiza uma jornalista, dorme com ela e a dispensa no café da manhã não é apenas “comportamento de playboy” — é a representação de um mundo onde as ações não têm consequências emocionais reais.

Esta é a essência da fantasia infantil: o desejo sem a responsabilidade. A criança quer o brinquedo, mas não quer guardar; quer o poder, mas não quer as consequências; quer a admiração, mas não quer o esforço.

A genialidade do MCU, em seus poucos  melhores momentos, foi precisamente subverter essa fantasia. Tony Stark passa 11 anos aprendendo que suas ações têm consequências. O homem que começa ironizando uma jornalista termina morrendo nos braços da mulher que ama, tendo aprendido que o amor não é um troféu, mas uma relação. O homem que começa fabricando armas termina sacrificando a própria vida para salvar estranhos.

Mas para uma parcela do público — aquela que nunca quis crescer junto com o personagem — essa jornada é vivida como traição. O Tony Stark que eles amavam era o do primeiro filme: o “alfa” sem freios, o homem que podia tudo. O Tony Stark que aprende a ser humano é, para eles, uma versão diminuída, “castrada”, domesticada.

A Morte como Problema Narrativo

A morte de Tony Stark em Ultimato é, para esse público, um insulto. Não porque seja mal escrita — é, objetivamente, uma das mortes mais bem construídas do cinema blockbuster — mas porque mata a fantasia. O homem que podia tudo morre. O brinquedo quebra. E, pior, morre por uma causa coletiva, não por um ato de poder individual.

A reação de certos setores do fandom à morte de Stark revela algo profundo sobre a relação com a fantasia: a recusa em aceitar que as histórias terminam. É a mesma lógica que move a obsessão por multiversos, prequels, ressurreições e retcons. Se o herói morre, a fantasia acaba. E a fantasia não pode acabar.

Quando Robert Downey Jr. é anunciado como Doutor Destino, a exultação geral não é apenas nostalgia — é o alívio de quem vê a fantasia sendo reanimada. Não importa que seja outro personagem. O rosto é o mesmo. O brinquedo volta à prateleira.

Parte II: O Capitão América e a Fantasia da Autoridade Moral

O Herói Que Não Quer Poder

Steve Rogers é, em muitos aspectos, o oposto da fantasia infantil de poder. Ele não quer ser forte; quer fazer o que é certo. Ele não busca admiração; busca proteger. Ele não deseja o escudo como símbolo de status; carrega-o como fardo.

Esta é uma fantasia diferente, mas ainda assim uma fantasia: a da autoridade moral inquestionável. Steve Rogers nunca erra. Steve Rogers sempre sabe o que fazer. Steve Rogers é o pai que nunca falha, o líder que nunca hesita, o juiz que nunca se engana.

Para o público que busca na ficção aquilo que a realidade não oferece — certezas, clareza moral, hierarquias estáveis — Steve Rogers é o porto seguro. Ele é a prova de que, em algum lugar, existe um homem bom que sabe exatamente o que é certo.

O Final como Abandono

Quando Steve escolhe ficar no passado com Peggy, ele abandona essa posição. Ele troca a autoridade moral inquestionável pela vida comum, troca o símbolo pela experiência, troca o dever pelo desejo. Para o público que o via como pai simbólico, é um abandono. Para o público que projetava nele a própria necessidade de certezas, é uma traição.

O redpill lê esse final como “fraqueza” porque sua gramática emocional não comporta a ideia de que esse homem possa escolher a felicidade privada sobre o poder público. Mas a verdade é mais simples e mais incômoda: Steve Rogers cresceu. Ele completou sua jornada. Ele não precisa mais ser o Capitão América porque aprendeu a ser apenas Steve.

O problema é que uma parcela do público não completou a jornada junto com ele. E, ao vê-lo partir, sente-se órfã.

Parte III: Sam Wilson e a Recusa em Crescer

O Homem Comum e a Fantasia do Escolhido

Sam Wilson é, talvez, o personagem mais adulto do MCU. Não tem superpoderes. Não tem soro. Não tem fortuna. Tem apenas suas asas, sua experiência militar e sua convicção. Ele é o herói que escolhe ser herói, não o que nasce herói ou o que é transformado em herói.

Esta é uma fantasia radicalmente diferente — e, por isso mesmo, profundamente incômoda para quem busca na ficção a validação de que “alguns nascem para liderar“. Sam Wilson sugere exatamente o oposto: que liderança é escolha, que heroísmo é decisão, que qualquer um pode carregar o escudo se tiver coragem.

A rejeição a Sam Wilson, em certos setores do fandom, não é apenas sobre racismo (embora seja também sobre isso) ou sobre “tradição” (embora seja também sobre isso). É sobre a recusa em aceitar uma fantasia menos confortável. É mais fácil acreditar que Steve Rogers era especial porque tomou o soro do que acreditar que ele era especial porque escolheu ser. Porque se a segunda opção for verdadeira, Para o espectador que busca na ficção a segurança das certezas, essa série é um desconforto permanente. Não há vilões claramente maus (Apátrida têm pontos válidos, mesmo que seus métodos sejam errados). Não há heróis claramente bons (John Walker é um soldado tentando fazer o certo dentro de um sistema quebrado). Há apenas pessoas tentando navegar um mundo complexo.

Este é o território de imaginário menos infantil. Mas é um território que uma parcela do público — a mesma que reclama que “a Marvel ficou complicada demais” — não quer habitar.

Parte IV: Alan Moore e a Catástrofe Cultural

O Que Moore Estava Dizendo

Quando Alan Moore fala em “catástrofe cultural“, ele não está apenas reclamando de filmes de herói. Ele está apontando para um fenômeno mais amplo: a infantilização da cultura adulta. Em suas palavras, pessoas que deveriam estar lendo Proust ou assistindo Scorcese estão discutindo quem é o melhor Homem de Aranha como se isso fosse assunto sério.

Moore não está dizendo que entretenimento não pode ser divertido. Está dizendo que, quando uma cultura inteira passa a tratar fantasias infantis como o ápice da expressão artística, algo se perde. Perde-se a capacidade de lidar com ambiguidade, com nuance, com complexidade moral. Perde-se a tolerância ao desconforto. Perde-se, em suma, a maturidade.

A Conexão Redpill

O movimento redpill é, sob essa ótica, uma das manifestações mais claras dessa infantilização. Sua visão de mundo é essencialmente maniqueísta: existem os “alfas” e os “betas“, os que despertaram e os que dormem, as mulheres “verdadeiras” (hipergâmicas, manipuladoras) e as “ilusões” (as que dizem querer amor, mas querem poder). É uma cosmovisão de criança: o mundo dividido entre mocinhos e bandidos, com regras simples e soluções claras.

Os super-heróis fornecem o vocabulário perfeito para essa visão de mundo. Tony Stark é o “alfa” que todos deveriam ser. Steve Rogers é o “beta” que não soube aproveitar seu poder. Sam Wilson é o “invasor” que ocupa um lugar que não merece. As categorias se encaixam perfeitamente porque foram feitas para isso: são categorias infantis aplicadas a um mundo que as pessoas se recusam a entender em sua complexidade.

O Paradoxo do Fã Adulto

E aqui chegamos ao paradoxo central: os filmes de herói são feitos para adultos, mas contam histórias de crianças. E uma parcela desses adultos — aqueles que nunca deixaram para trás as fantasias da infância — interpreta essas histórias com a seriedade de quem está lendo um manual de vida.

O resultado é o que vemos nos fóruns, nas redes sociais, nas reações a cada novo filme: adultos discutindo se o Doutor Estranho deveria ter usado o tempo para salvar a si mesmo ou aos outros, como se isso fosse um dilema filosófico real; adultos se indignando porque um herói negro “não tem direito” ao escudo; adultos celebrando o retorno de um ator a um papel diferente como se fosse a volta do messias.

Moore tem razão: há algo de profundamente imaturo nisso. Não no consumo dos filmes — todos precisamos de escapismo — mas na seriedade com que são tratados. Quando a fantasia vira ideologia, quando o entretenimento vira manual de conduta, quando a ficção viva disputa política, algo se perde.

Parte V: O Que Fazer Com Nossas Fantasias

A Função do Herói

Talvez a questão não seja abandonar os heróis, mas lembrar o que eles são: fantasias. Ferramentas para pensar, não receitas para viver. O herói não é um modelo a ser imitado, mas um espelho (distorcido, muitas vezes) a ser contemplado. Tony Stark nos mostra o que acontece quando o poder encontra a responsabilidade — não para que queiramos ser Tony Stark, mas para que pensemos sobre poder e responsabilidade. Steve Rogers nos mostra o que significa escolher o certo — não para que nos tornemos Steve Rogers, mas para que reflitamos sobre nossas próprias escolhas.

A Diferença Entre Identificação e Projeção

Há uma diferença crucial entre identificar-se com um personagem e projetar-se em um personagem. A identificação é temporária, lúdica, consciente: “entendo por que ele fez isso”. A projeção é permanente, patológica, inconsciente: “ele sou eu, e o que acontece com ele acontece comigo”.

O fã que reage com raiva à morte de Tony Stark não está apenas triste porque um personagem morreu. Está projetando em Tony Stark sua própria fantasia de imortalidade, seu próprio medo da finitude, sua própria recusa em aceitar que as histórias (e as vidas) terminam. O fã que rejeita Sam Wilson não está apenas defendendo uma tradição. Está projetando no escudo sua própria necessidade de hierarquias fixas, seu próprio medo de que qualquer um possa ser especial.

A Maturidade Possível

A maturidade, nesse contexto, não é deixar de ver filmes de herói. É ver filmes de herói como o que são: ficção. É amar Tony Stark sem querer ser Tony Stark. É respeitar Steve Rogers sem precisar que ele exista. É aceitar Sam Wilson como Capitão América porque a história é sobre ele agora — e histórias são sobre quem as conta.

A maturidade é também aceitar que os filmes terminam, que os heróis morrem, que os escudos passam adiante. É entender que a fantasia nos serve apenas enquanto nos ajuda a viver a realidade — e que, quando tentamos viver dentro da fantasia, deixamos de viver.

Epílogo: O Feiticeiro e o Escudo

Alan Moore, aos 70 anos, vive em Northampton e continua escrevendo histórias que desafiam, incomodam e expandem os limites do que os quadrinhos podem ser. Ele não odeia super-heróis — ele escreveu alguns dos melhores. O que ele odeia é o que fizemos com eles: transformamos suas criações (e as de tantos outros) em ídolos, em dogmas, em armas em uma guerra cultural que não deveria ser travada com ficção.

O escudo do Capitão América não é uma bandeira. É um símbolo — e símbolos existem para serem interpretados (este texto todo é uma interpretação, afinal), não para serem adorados. A armadura do Homem de Ferro não é uma promessa de poder. É uma metáfora — e metáforas existem para serem pensadas, não para serem vestidas.

Quando nos recusamos a crescer, quando tratamos a ficção como verdade e a fantasia como manual, não estamos apenas sendo infantis. Estamos traindo a própria função da arte: nos ajudar a entender o mundo, não a escapar dele.

O garoto magricela do Brooklyn, o bilionário genial, o paraquedista que aceitou o escudo — todos eles são, no fim das contas, apenas historinhas. Histórias que nos ajudam a pensar sobre quem somos e quem queremos ser. Mas histórias, apenas.

O resto é conosco.

O Escudo e a Armadura: MCU e o Espectro Redpill na Cultura Pop Contemporânea

Ruth E. Carter teria usado IA para criação dos figurinos de Pecadores segundo informações de “engenheira de prompts”.

Oscar batendo à porta e as notícias sobre os competidores não param de chegar, agora atingindo o recordista de indicações, Pecadores. Uma postagem de 2024 de uma “engenheira de prompts” chamada Nettrice Gaskins veio à tona esta semana, descrevendo reuniões que Ruth E. Carter teve com ela para criar o design de figurinos de Pecadores usando o MidJourney, ferramenta de geração de imagens por inteligência artificial.

Carter, conhecida por vencer dois Oscars pelo trabalho em Pantera Negra e sua sequência, iniciou o processo mergulhando em pesquisas históricas. A equipe reuniu fotografias do sul profundo dos Estados Unidos na década de 1930 e ilustrações de moda da época, materiais que serviram como base para os primeiros experimentos visuais.

A partir dessas referências, Gaskins utilizou ferramentas de IA generativa, especialmente a plataforma Midjourney, para transformar ideias em conceitos de figurino. Um dos recursos usados foi o comando “describe”, que permite gerar prompts a partir de imagens enviadas, abrindo caminho para variações visuais rápidas e experimentais.

O processo também incluiu a análise de trabalhos anteriores da própria artista. Carter chegou a explorar o perfil de Gaskins nas redes sociais em busca de imagens que dialogassem com a estética do filme. Em seguida, os prompts originais utilizados para gerar essas obras foram reaproveitados e adaptados para criar novos visuais.

Segundo Gaskins, o fluxo de trabalho foi “altamente colaborativo”. A criação envolveu reuniões por vídeo, trocas de mensagens e ajustes constantes nas imagens geradas pela IA. Após selecionar os conceitos preferidos, Carter e sua equipe refinavam os detalhes usando ferramentas de edição dentro do próprio sistema.

Apesar do “entusiasmo” com a rapidez do método, o episódio reacende uma discussão crescente na indústria criativa: até que ponto ferramentas de IA devem participar do processo artístico. Críticos apontam que a geração de imagens por modelos treinados com grandes bancos de dados pode reproduzir estilos e referências de artistas sem o mesmo reconhecimento ou remuneração.

Outro ponto sensível é o impacto sobre profissionais que historicamente trabalham na etapa de concept art, responsável por imaginar visualmente personagens e mundos antes da produção física. A possibilidade de gerar dezenas de variações em poucos minutos levanta dúvidas sobre a valorização desse trabalho humano.

No caso de Sinners, a IA foi usada principalmente para criar “thumbnails”, versões preliminares de figurinos que depois seriam avaliadas pela equipe criativa. Ainda assim, para parte da comunidade artística, o episódio ilustra uma tendência crescente de dependência tecnológica em áreas tradicionalmente baseadas em pesquisa manual, desenho e experimentação.

Ruth E. Carter teria usado IA para criação dos figurinos de Pecadores

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS segue com seu especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

Frankenstein(2025)

Frankenstein marca a realização de um projeto de décadas do diretor Guillermo del Toro, que finalmente leva às telas sua própria interpretação do clássico gótico de Mary Shelley. Com um elenco liderado por Oscar Isaac, Jacob Elordi e Mia Goth, o filme rapidamente se consolidou como um dos títulos mais comentados do circuito de festivais, elogiado pela estética sombria, pelo design de produção detalhado e pela abordagem emocional característica do cineasta mexicano.

A recepção inicial destacou principalmente o equilíbrio entre horror clássico e drama humano, uma marca recorrente na filmografia de del Toro. Em vez de tratar a criatura apenas como um monstro, o filme enfatiza sua dimensão trágica e existencial, explorando temas como solidão, responsabilidade e os limites da ambição científica. Embora alguns críticos tenham apontado o tom contemplativo e melancólico como distante das versões mais tradicionais da história, a maioria concordou que Frankenstein se firma como uma adaptação visualmente grandiosa e profundamente sensível de um dos mitos mais duradouros da literatura.

Sinopse: Ambientado na Europa do século XIX, o filme acompanha Victor Frankenstein, um jovem cientista obcecado em ultrapassar as fronteiras da vida e da morte. Após criar uma criatura a partir de restos humanos e trazê-la à vida por meios não naturais, Victor se vê incapaz de lidar com as consequências de sua própria descoberta. Rejeitado por seu criador e pelo mundo, A Criatura passa a buscar sentido para sua existência, desencadeando uma tragédia que colocará frente a frente criador e criação.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de Frankenstein à frente!

O filme começa em 1857, com o navio dinamarquês Horisont abrindo caminho rumo ao Polo Norte. Só que a jornada vai pro saco quando o navio fica preso no gelo ártico. Clima perfeito para coisas darem errado.

No meio desse cenário congelado, a tripulação vê uma explosão distante no gelo. O capitão Anderson manda um grupo investigar e eles encontram um homem quase morto: Victor Frankenstein. Todo arrebentado, delirando, basicamente um pacote de trauma ambulante.

Eles levam Victor para bordo… e imediatamente são atacados por uma criatura humanoide gigantesca que aparece exigindo que Victor seja entregue. O capitão resolve a situação do jeito mais século XIX possível: uma blunderbuss na cara da criatura, que cai no mar.

Victor então solta a frase que ninguém queria ouvir naquele momento:

“Eu criei aquilo.”

E começa a contar a sua história.

Victor cresce numa família aristocrática respeitadíssima, mas completamente disfuncional. A mãe dele morre ao dar à luz o irmão mais novo, William, que imediatamente vira o favorito do pai. Já Victor cresce entre luto mal resolvido e um pai abusivo.

Resultado previsível: o menino abusado emocionalmente pelo pai médico vira um megalomaníaco com complexo de Deus que quer acabar com a Morte™ pra vingar sua mãe.

E aí começa seu objetivo de matar a morte.

• Passo 1: arrumar cadáveres.
• Passo 2: não ser mais um cadáver.
• Passo 3: ahn… Não chegamos nessa parte. Ainda.

Num dos seus primeiros testes ele faz um busto humano gritar em agonia numa respiração pesada enquanto brinca com uma maçã. Macabro, mas ele tá EXULTANTE de ter um morto.. vivo? Ninguém sabe se tá vivo ou só menos morto.

A universidade reage como qualquer instituição do século XIX reagiria: abre um tribunal disciplinar, chama tudo de blasfêmia contra Deus e expulsa Victor na hora.

Mas no meio da plateia desse julgamento está Henrich Harlander, um comerciante de armas riquíssimo que fica completamente fascinado pela ousadia científica de Victor. Harlander faz uma proposta simples e absolutamente nada suspeita (confia): financiamento ilimitado, uma torre isolada para laboratório e liberdade total para continuar os experimentos. Victor aceita sem perguntar muito (claro).

Ele chama o irmão William para ajudá-lo a montar o laboratório e, nesse período, acaba se apaixonando por Elizabeth, sobrinha de Harlander e (coisa boba) noiva de William. Ela educadamente recusa as investidas dele.

Semanas se passam e nada dos mortos ficarem vivos. Harlander começa a ficar impaciente e exige resultados em uma semana. Victor então acelera o projeto: pega partes de criminosos executados e soldados mortos na Guerra da Crimeia e monta um corpo inteiro. A pressão de Harlander sobe ainda mais e vem a bomba: é ELE que quer ser imortalizado porque está morrendo de sífilis. Num último pedido, ele quer que seu cérebro seja colocado na criatura de Frankenstein que, curiosamente, acha isso tudo uma grande loucura (quem que poderia imaginar).

Harlander tenta sabotar o experimento durante uma tempestade, arrancando os para-raios e desmontando a única oportunidade de Victor. Numa briga, Harlander cai do alto da torre e explode no chão ao lado da criatura ainda morta (vai estar viva?).

Victor continua o experimento mesmo assim. Durante uma tempestade, um raio atinge a criatura exatamente como planejado. Nada acontece, feijoada. Projeto fracassado. Só que na manhã seguinte Victor é acordado pela Criatura. IT’S ALIVE.

Victor fica maravilhado. A criatura tem força absurda, cicatriza ferimentos em segundos e parece praticamente indestrutível. O problema é que cognitivamente ele não evolui muito. Victor só consegue ensiná-lo a falar uma palavra: “Victor”, obviamente pra nutrir seu complexo de Deus. Frustrado com o progresso limitado, Victor começa a tratar a Criatura com a mesma crueldade que sofreu do pai. Castigos, humilhações, disciplina violenta.

Elizabeth visita o laboratório e fica horrorizada com a forma como Victor trata o ser. Ela começa a demonstrar compaixão e ensina a criatura a dizer o nome dela também. Tudo degringola quando William encontra o corpo de Harlander perto da torre. Victor, para salvar a própria pele, mente dizendo que a criatura matou o homem num acesso de fúria. Depois que William e Elizabeth vão embora, Victor decide resolver tudo de uma vez: incendeia o laboratório com a Criatura dentro.

Quando ouve a criatura gritando seu nome, ele tenta voltar para salvá-la, mas nesse momento a torre explode. Victor sobrevive… mas perde uma perna.

PARA TUDO. No navio no Ártico, a Criatura reaparece e agora ela quer contar a própria versão da história.

Depois da explosão, a criatura sobrevive e foge.

Ela se esconde nas engrenagens de um moinho numa pequena fazenda. Durante quase um ano inteiro, vive ali secretamente ajudando a família que mora no lugar sem que eles saibam que seja (eles acham que é um espírito da floresta). Corta lenha. Constrói cercado para as ovelhas. Resolve pequenos problemas da propriedade. A família começa a agradecer a esse espírito da floresta com comida.

Quando o resto da família sai para caçar lobos nas montanhas, a Criatura finalmente se aproxima do único morador que ficou: o patriarca cego. Os dois viram amigos e o velho ensina a criatura a ler e falar corretamente usando os maiores clássicos da época, o que faz a Criatura não apenas ficar alfabetizada como também culta.

Algum tempo depois, a criatura visita as ruínas do laboratório de Victor e descobre toda a verdade sobre sua criação… junto com o endereço da casa de Victor. Ao voltar para a fazenda ele encontra o velho sendo atacado por lobos. A criatura espanta os animais, mas o homem já está morrendo. A família retorna e vê a cena e acreditam que a Criatura matou o patriarca.

A Criatura é alvejada e morre na entrada da propriedade e ali percebe algo terrível (?), imortalidade. O que era morto nunca mais vai poder morrer.

Condenada a uma eternidade de solidão, ela decide confrontar Victor. O encontro acontece no pior momento possível: o casamento de William e Elizabeth.

A Criatura exige que Victor crie uma companheira para ela. Victor se recusa. Ele teme que as duas criaturas possam se reproduzir e criar uma nova espécie A discussão vira um caos. Elizabeth tenta proteger a Criatura por ver em sua existência simplesmente a vontade de estar vivo e ser feliz (algo que ela mesma almejou a vida toda). Victor tenta atirar na Criatura… e acaba acertando Elizabeth.

William tenta atacar a Criatura e também é mortalmente ferido. Antes de morrer, ele olha para Victor e diz:

“O monstro é você.”

A criatura leva Elizabeth para uma caverna e fica com ela até sua morte. Victor enlouquece de culpa e decide perseguir a Criatura até o fim do mundo. Literalmente fim do mundo, eles estão se perseguindo no ÁRTICO.

Lá, a criatura tenta se matar usando dinamite e nem isso funciona. E essa foi a explosão que os manos do navio ouviram e que começou essa história toda.

Completamente destruídos física e emocionalmente, Frankenstein e Criatura os dois têm uma última conversa franca e sincera, onde se chamam pela primeira vez de pai e filho. Victor então morre devido aos ferimentos da perseguição da Criatura.

Completamente sozinha no mundo e sem seu criador para lhe dar um igual, a Criatura decide ficar no Ártico, liberando o navio que estava preso no gelo com sua força.

Na última cena, ela estende os braços para o sol da manhã, exatamente como Victor havia lhe ensinado quando tentou mostrar o mundo pela primeira vez. E ali, pela primeira vez, ela simplesmente sente o calor da luz.

Opinião do Farofeiro

Era o filme dos sonhos de Guillermo del Toro. E ele fez exatamente assim. Não para agradar estúdio, crítica ou público. Fez por amor mesmo. Amor à história de Mary Shelley, amor aos personagens, amor ao cinema. Esse carinho aparece em cada frame. Nas mãos de Del Toro, Frankenstein vira quase uma pintura barroca. A ambientação é sombria sem ser opaca, a fotografia é belíssima e cheia de textura, e cada cena parece esculpida com o mesmo cuidado obsessivo do próprio Victor criando sua obra.

O mais interessante é que o filme evita o clichê fácil do cientista louco e do monstro feito de pedaços. Del Toro volta direto à essência do romance. O horror da existência. O peso da criação. O desespero do abandono. Aqui, Frankenstein é sobre um homem tentando desafiar a morte e uma criatura tentando entender o que significa estar viva. É Prometeu roubando o fogo, é Adão acordando num mundo onde o criador não o responde. E nesse jogo de espelhos, Elizabeth deixa de ser coadjuvante romântica e vira eixo simbólico da história. Enquanto a Criatura nasce envolta em bandagens, Elizabeth aparece num vestido que se desfaz em tiras, como se refletisse esse nascimento. A Criatura nasce para a morte. Elizabeth, cercada pela morte, ainda assim representa a esperança na vida.

O filme inteiro é construído sobre alegorias sutis e densidade emocional. Um estudo sobre humanidade, limites e responsabilidade. Porque se a criatura é o erro, é o criador quem se recusa a se reconhecer em sua obra e lhe nega a existência plena. E é exatamente aí que Del Toro se diferencia de tantas versões anteriores: seu Frankenstein tem tudo para ser a leitura definitiva do romance de Shelley. Uma obra que não só adapta o livro, mas nos lembra por que ele ainda nos assombra quase dois séculos depois.

Frankenstein | Oscar Recap 2026

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS segue com seu especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

Hamnet(2025)

Entre os dramas históricos mais comentados da temporada, Hamnet rapidamente se destacou como uma das adaptações literárias mais prestigiadas do ano. Dirigido por Chloé Zhao e baseado no romance de Maggie O’Farrell, o filme transforma uma história íntima e profundamente emocional em um retrato delicado sobre luto, criação artística e memória. Com atuações centrais de Paul Mescal e Jessie Buckley, o longa conquistou atenção no circuito de festivais pela sensibilidade da direção e pela maneira contemplativa com que aborda uma das tragédias pessoais associadas à vida de William Shakespeare.

A recepção entre críticos destacou sobretudo o tom poético do filme e sua abordagem pouco convencional de um drama de época. Em vez de se concentrar diretamente na figura histórica do dramaturgo, a narrativa prioriza a perspectiva familiar e emocional, explorando a experiência do luto e a forma como perdas pessoais podem reverberar na criação artística. Ainda que alguns espectadores tenham apontado o ritmo contemplativo como desafiador, o consenso foi de que Hamnet se firma como uma obra sensível e visualmente elegante, que transforma um episódio histórico em um estudo profundo sobre amor, ausência e legado.

Sinopse: Ambientado na Inglaterra do século XVI, o filme acompanha a vida de Agnes e de seu marido, um jovem dramaturgo ainda em ascensão, enquanto constroem uma família em Stratford-upon-Avon. Quando seu filho Hamnet morre repentinamente, a perda abala profundamente a família e redefine suas relações. Enquanto cada um tenta lidar com o luto à sua maneira, a dor da tragédia começa a se transformar em inspiração para uma obra que atravessaria os séculos.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de Hamnet à frente!

O filme começa em Stratford, onde conhecemos Agnes, uma mulher meio enigmática que vive circulando pela floresta, perto de uma caverna estranha. Ela pratica falcoaria, coleta ervas e tem aquela fama de “filha de bruxa da floresta”. Não exatamente a reputação mais tranquila numa vila do século XVI, mas até aí ela também não fazia muito pra não viver essa fama.

Enquanto isso, um jovem William Shakespeare, como todo bom artista, tá vendendo o almoço pra pagar a jantar e tenta ajudar a pagar as dívidas da família trabalhando como tutor. Um dia ele vê Agnes passando e simplesmente abandona a aula no meio para ir atrás dela. Prioridades ?.

Os dois se encontram e rola aquele momento de química imediata.. Depois descobrimos que a mãe de William, Mary, já tinha ouvido boatos sobre Agnes _{^{(burn the witch)}}, que a mãe dela era uma curandeira que ensinou a filha a trabalhar com ervas e coisa tal. Logo depois Agnes prova isso curando um corte na testa de William com um remédio improvisado.

William começa a visitar Agnes na floresta com frequência _{^{( ?° ?? ?°)}}. Em um desses encontros, ela pede que ele conte uma história. William narra o mito de Orfeu e Eurídice, coisa BÁSICA, e Agnes fica encantada. Em troca, ela lê a palma da mão dele e prevê um futuro grandioso e que ele terá dois filhos ao lado dela quando ela morrer.

O romance engrena rápido. Rápido mesmo. Os dois acabam transando na floresta e Agnes engravida. Resultado: a família dela a expulsa de casa e ela acaba indo morar com os Shakespeares. William e Agnes se casam às pressas, e pouco depois nasce Susanna no meio da floresta, seguindo os ritos da família da Agnes (“a floresta nos protege” então eles sempre nascem no meio do mato).

A vida conjugal não começa exatamente tranquila. O pai de William, John, quer que o filho trabalhe no ofício manual da família e chega a bater nele quando William recusa. Agnes percebe que o marido está sufocado naquela vida e dá um empurrão decisivo: sugere ao irmão dela que ajude William a ir para Londres tentar carreira no teatro.

William parte para a cidade grande, deixando Agnes e a filha em Stratford.

Algum tempo depois Agnes está grávida novamente e decide sair de casa para dar à luz na natureza, como fez antes. Só que dessa vez a família de William impede e a mantém presa dentro de casa durante o parto.

Ela dá à luz gêmeos: Hamnet e Judith. Só que Judith aparentemente nasce morta. Agnes lembra de quando foi impedida de se despedir da própria mãe e exige segurar a bebê mesmo contra a superstição da família.

E aí acontece o pequeno milagre: Judith desperta.

~ 11 anos depois ~

William agora é um dramaturgo de sucesso em Londres, mas aparece em Stratford só de vez em quando. Mesmo assim, os três filhos cresceram muito próximos (ou tão próximo quanto deu).

Os gêmeos, Hamnet e Judith, são inseparáveis. Eles adoram trocar de roupa e tentar enganar os adultos fingindo ser um ao outro. Não que necessariamente seja efetivo, mas é fofo e é o que importa.

Hamnet é especialmente fascinado pelo trabalho do pai e vive dizendo que um dia quer entrar para a companhia de teatro dele.

Enquanto isso Agnes continua vivendo meio conectada à natureza. O falcão que ela treinava morre, e ela o enterra. Ela diz às crianças para fazerem um pedido ao espírito do pássaro, porque ele carregaria os desejos delas no coração.

Em Londres, William caminha pelas ruas durante um surto de peste bubônica (tranquilíssimo) e observa um espetáculo de marionetes sobre a própria peste levando pessoas para a morte (mais tranquilo ainda). Mas em Stratford, a tragédia chega de verdade e Judith contrai a peste.

Hamnet se deita ao lado da irmã doente e tenta animá-la contando a história do falcão. Em um gesto meio infantil e meio desesperado, ele diz que quer trocar de lugar com ela para enganar a morte. A cena é linda, o ator que faz Hamnet é espetacular e você fica de coração partido com aquela criança escolhendo a morte para salvar “sua metade”.

Chega a manhã e Agnes não encontra seu filho. Ela descobre que Hamnet se deitou com Judith durante a noite e tenta acordá-lo. Hamnet está mole, azul e frio, mas Judith está corada e aparentemente sã novamente.

Ele morre pouco depois. Em seus momentos finais ele imagina estar em um palco chamando pela mãe… e vê o falcão de Agnes aparecer. William corre de volta para casa quando recebe a notícia, mas chega tarde demais. Hamnet já está sendo velado.

A morte do menino destrói completamente o casamento de William e Agnes. O luto vira um silêncio enorme entre os dois. William tenta compensar comprando a maior casa de Stratford, mas logo volta para Londres. Antes de ele partir, Agnes segura a mão dele e diz algo devastador: ela agora não consegue mais ver nada no futuro.

Em Londres, William começa a ensaiar uma nova peça: Hamlet. Mas ele fica frustrado com os atores, que não conseguem alcançar a emoção que ele quer. Em um momento de desespero ele vai até o rio Tâmisa, se inclina sobre a água e recita sozinho o monólogo:

Ser ou não ser, eis a questão: será mais nobre
Em nosso espírito sofrer pedras e flechas
Com que a Fortuna, enfurecida, nos alveja,
Ou insurgir-nos contra um mar de provocações
E em luta pôr-lhes fim? Morrer.. dormir: não mais.

Enquanto isso em Stratford, a madrasta de Agnes mostra a ela um panfleto anunciando a nova peça de William em Londres. Ela acusa Agnes de ter destruído a própria vida ao casar com ele. Agnes ignora a provocação. Decide ir até Londres com o irmão para assistir à peça. Eles chegam à cidade, mas não encontram William em casa. Então resolvem ir direto ao Globe Theatre para ver a estreia.

Quando Agnes descobre o título da peça, ela fica furiosa. Acha que o nome do filho morto está sendo profanado como entretenimento. Mas durante a apresentação algo muda.

William aparece no palco interpretando o fantasma do pai de Hamlet. E naquele momento Agnes entende que a peça inteira é, na verdade, uma elegia¹ para Hamnet.

Ela começa a chorar enquanto assiste à cena entre Hamlet e o fantasma. Nos bastidores, William percebe Agnes na plateia. Ele escuta a peça continuar enquanto chora em silêncio. A história segue até o duelo final de espadas, exatamente o tipo de papel heroico que Hamnet sempre sonhou interpretar.

Na cena da morte de Hamlet, uma das mais lindas dessa temporada de premiações, Agnes estende a mão em direção ao ator da mesma forma que segurou a mão de William quando se conheceram. E, numa reação coletiva quase ritualística, o público inteiro começa a estender as mãos também.

Agnes nota que todos choram pela morte de Hamlet, ali simbolizando seu filho Hamnet e entende a extensão do luto de Shakespeare: fazer o mundo chorar o luto da sua morte no local onde ele mais queria estar, o palco.

Nesse momento Agnes tem uma visão. Ela vê Hamnet no palco. O menino, que antes parecia triste, sorri para ela. Depois se afasta e desaparece pelos bastidores… atravessando uma abertura que lembra a caverna da floresta onde tudo começou.

Pela primeira vez desde a morte do filho, Agnes ri e sorri novamente, entendo que o espírito do seu filho agora descansa, imortalizado no magnum opus de Shakespeare.

Opinião do Farofeiro

Eu não dava nada por ele. Achei que seria só mais uma adaptação orbitando o universo de William Shakespeare, dessas que vivem mais da fama do material original do que da própria força. Mas a segunda metade do filme chega como um soco no estômago. De repente tudo ganha peso, silêncio e uma carga emocional absurda que transforma a história num retrato devastador de luto.

Jesse Buckley está simplesmente surreal. É uma atuação gigante, crua, dolorosa, daquelas que parecem existir mais do que ser interpretadas. Paul Mescal eleva ainda mais tudo ao redor, mas essa é claramente a história dela e da dor que carrega pela perda de Hamnet. O filme entende que é esse o centro de toda a história e que não dá pra entender Hamlet sem entender Agnes.

E quando chega o final… p&#% que pariu. Uma das cenas mais bonitas e devastadoras que vi no cinema nessa Temporada. A sala inteira fungando, gente limpando lágrima sem nem tentar disfarçar. É daquelas adaptações que fazem você entender não só o poder de Shakespeare, mas o abismo emocional que pode existir por trás de uma obra. É espetacular.

1. Um gênero poético focado no luto e na morte, comumente usado no lamento suave, mas que aumenta sua intensidade para expressar dor, perda, saudade. ↩︎

Hamnet | Oscar Recap 2026

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS segue com seu especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

Bugonia(2025)

Um dos títulos mais comentados da temporada, Bugonia reafirma o estilo provocador de Yorgos Lanthimos, combinando humor negro, ficção científica e sátira conspiratória em um filme tão estranho quanto hipnótico. Protagonizado por Emma Stone e Jesse Plemons, o longa rapidamente virou assunto recorrente entre críticos e premiações, elogiado pela ousadia narrativa, pela direção precisa e pelas performances que transitam entre o absurdo e o inquietante.

Como costuma acontecer no cinema de Lanthimos, a recepção foi marcada por divisões: enquanto parte da crítica destacou a inteligência ácida e a crítica social escondida sob a premissa delirante, outros apontaram o tom desconcertante e o humor brutal como elementos difíceis de digerir. Ainda assim, o filme consolidou sua presença no circuito de festivais e na temporada de prêmios, tornando-se mais um exemplo do cinema excêntrico e provocador que transformou o diretor grego em uma das vozes mais singulares da indústria contemporânea.

Sinopse: Dois homens obcecados por teorias da conspiração sequestram a CEO de uma poderosa empresa, convencidos de que ela é uma alienígena infiltrada na Terra com planos de destruir a humanidade. À medida que o cativeiro se transforma em um jogo psicológico cada vez mais caótico, realidade e paranoia começam a se confundir, levando captor e vítima a confrontar o limite entre delírio, verdade e sobrevivência.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de Bugonia à frente!

O filme abre com Michelle Fuller, CEO do conglomerado farmacêutico Auxolith, sendo sequestrada por Teddy Gatz, um conspiracionista completamente obcecado, e por seu primo Don, um cara quieto e socialmente deslocado que vive orbitando as ideias do primo. A motivação de Teddy vem de um trauma: a mãe dele, Sandy, participou de um teste clínico de um remédio da Auxolith e acabou em coma. A partir daí o cérebro do mano foi longe. Muito longe.

Na cabeça dele, Michelle não é humana coisa nenhuma, mas sim um membro de uma raça alienígena chamada Andromedans, responsáveis por destruir colmeias, manipular governos e transformar a humanidade numa população dócil e sedada. Tipo os Illuminatis. E os reptilianos… E acho que a maioria das conspirações. Enfim, seguimos.

Botem o chapéu de alumínio agora.

Teddy e Don prendem Michelle no porão da casa. Rasparam a cabeça dela para evitar que ela receba informações da nave-mãe (??) e cobrem o corpo com creme anti-histamínico para impedir que ela mande sinais telepáticos para os outros alienígenas. Sim, é nesse nível. Teddy explica calmamente que ela tem quatro dias para marcar um encontro com o imperador Andromedan antes de um eclipse lunar que permitirá que a nave-mãe deles entre na atmosfera da Terra sem ser detectada.

Como todo bom interrogatório conspiratório, vem a tortura: Teddy usa choques elétricos para tentar quebrar Michelle. Só que ela aguenta muito mais do que ele imaginava e isso, claro, não faz ele questionar nada. Muito pelo contrário, para Teddy isso só prova que ela é da realeza alienígena.

Depois de um tempo eles resolvem subir Michelle do porão para jantar sob vigilância. A refeição vira aquele jantar constrangedor digno de filme de terror psicológico (que inclusive é onde vem a parte mais forte da atuação de Jesse e Emma) e termina numa briga física. Nesse momento chega Casey, o xerife adjunto da região, que também foi babá de Teddy quando ele era criança e está procurando pela CEO desaparecida.

Don leva Michelle de volta para o porão, acorrenta ela no chão e a deixa inconsciente com o cabo de uma espingarda. Enquanto isso Teddy distrai Casey com conversa, mas a cena toma um rumo bem mais sombrio quando descobrimos que Casey abusou sexualmente de Teddy na infância. Talk about trauma.Teddy então leva o policial até o quintal para mostrar seu apiário e continua enrolando ele ali.

Quando Michelle acorda no porão, ela tenta jogar um jogo psicológico com Don. Diz que pode ajudá-lo se ele denunciar Teddy para a polícia. Don responde que só quer uma coisa: ir para o espaço com ela. Michelle promete levá-lo… e Don imediatamente pega uma arma e atira na própria cabeça acreditando que deveria deixar seu corpo humano para trás para ir para nave andromedan. Dá certa pena do Don porque dá pra ver claramente Teddy o usa e manipula. Se proposital ou não, são outros 500.

O disparo faz Casey reagir lá fora, mas Teddy o mata com golpes de pá antes que ele entenda o que está acontecendo. Teddy volta ao porão e encontra o corpo do primo. A situação vira um colapso emocional total.

Michelle percebe a fragilidade do sequestrador e inventa outra história: diz que no carro dele existe uma garrafa de anticongelante que na verdade seria um antídoto alienígena capaz de curar sua mãe (mudaram a embalagem pra evitar espionagem industrial, shhhhh). Teddy acredita. Antes de sair, ele ainda destrói o joelho de Michelle deslocando a patela dela. Porque VAI QUE é mentira, né? Nesse mundo absolutamente crível e nem um pouco irreal que se passa na cabecinha de Teddy.

Teddy corre para o hospital e injeta o anticongelante diretamente na bolsa de soro da mãe. Resultado: mata Sandy na hora. Cena tensa, atuação impecável de Jesse (uma vez mais).

Enquanto ele está fora, Michelle consegue pegar as chaves no corpo de Don e se libertar das correntes. Explorando o porão ela encontra algo ainda mais perturbador: potes com partes de corpos humanos amputados e uma pasta cheia de fotos de outras pessoas que Teddy sequestrou no passado porque acreditava que também eram Andromedans. Sim, meus amigos, ele tinha a própria ÁREA 51 em seu porão. Mano chapadasso de chapéu de alumínio.

Quando Teddy volta e percebe que foi enganado e matou a própria mãe, ele entra em colapso e confronta Michelle. Só que agora ela decide virar o jogo completamente.

Michelle começa a contar uma nova versão da conspiração. Diz que os Andromedans existem, sim, mas que são responsáveis pela criação da humanidade. Segundo ela, os alienígenas tentaram guiar os humanos desde Atlântida, depois que um erro deles causou a extinção dos dinossauros. Só que os humanos mexeram no próprio genoma, ficaram mais agressivos e acabaram provocando uma guerra nuclear global que destruiu a civilização original.

Desde então, os Andromedans estariam tentando corrigir o experimento humano, guiando a espécie para longe de sua natureza autodestrutiva. E os experimentos da Auxolith fariam parte desse plano.

Michelle diz que a nave-mãe tem os dados necessários para salvar a humanidade e que pode organizar um encontro entre Teddy e os alienígenas na sede da empresa.

Teddy aceita. Mas quando chegam ao escritório dela, ele revela que está usando um colete suicida improvisado cheio de explosivos.

Michelle então aponta para um armário no escritório e diz que aquilo é um teletransportador para a nave alienígena. Teddy entra no armário e o colete explode acidentalmente, matando ele na hora e deixando Michelle inconsciente.

Ela acorda numa ambulância, foge do veículo e volta para o escritório da Auxolith. Lá, entra novamente no armário.

E dessa vez… o teletransporte realmente funciona.

Michelle aparece dentro da nave-mãe Andromedan, onde é recebida por outros membros da espécie. A revelação final: SIM, ela sempre foi uma Andromedan de verdade e líder deles.

Depois de avaliar séculos de tentativa de guiar a humanidade, Michelle chega à conclusão de que o experimento falhou (convenhamos que até a gente percebe isso).

Ela quebra uma grande cúpula transparente que envolve a Terra (pense no domo da Terra Plana) e toda a humanidade morre instantaneamente.

A vida animal e vegetal permanece intacta.

Na última imagem do filme, Michelle observa o planeta agora livre dos humanos enquanto pássaros voam pelo céu e as abelhas começam lentamente a voltar ao apiário de Teddy.

Opinião do Farofeiro

Divertido e completamente maluco, bem a cara de Yorgos Lanthimos.

Jesse Plemons e Aidan Delbis estão soberbos, conduzindo o delírio conspiratório com uma mistura perfeita de tensão e humor absurdo. E aí tem Emma Stone, que já entrou em território hors concours nesse tipo de parceria com Lanthimos. Ela aparece e simplesmente domina a tela, então nem vale a pena tentar competir. O micro-mundo dentro da cabana dos conspiracionistas funciona justamente por causa disso: atuações muito afiadas sustentando uma premissa que facilmente poderia desandar.

No fim das contas, tudo vira um grande sonho febril que parece ter saído direto da cabeça de Douglas Adams. A história é simples, o enredo é bem amarrado e o filme se permite abraçar o absurdo até o limite. Quando chega o final, completamente histérico, você percebe que passou o tempo inteiro dentro de uma paranoia deliciosamente esquisita. E é exatamente por isso que funciona tão bem.

Bugonia | Oscar Recap 2026

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS segue com seu especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

UMA BATALHA APÓS A OUTRA(2025)

O filme mais premiado do ano, Uma Batalha Após a Outra é o franco favorito em diversas categorias, principalmente em Melhor Filme. Rapidamente se consolidou como um dos títulos mais comentados do circuito, impulsionado pela direção precisa de Paul Thomas Anderson, misturando sátira política, drama familiar e explosões de ação estilizada.

O longa dividiu opiniões, com alguns votantes destacando sua ousadia narrativa e relevância temática, enquanto outros consideraram o tom irregular, mas praticamente todos concordaram que se trata de uma obra impossível de ignorar. Entre indicações técnicas e disputas nas categorias principais, o filme virou presença constante em debates de críticos e mesas-redondas da indústria, consolidando-se como aquele candidato que talvez não seja consenso absoluto, mas que definitivamente marcou o ano

Sinopse: Um ex-revolucionário que vive isolado com a filha é forçado a confrontar o próprio passado quando um antigo inimigo ressurge, desencadeando uma caçada que mistura acerto de contas político, drama familiar e violência explosiva. Entre segredos enterrados e lealdades rompidas, pai e filha precisam decidir até onde vale a pena lutar e o que realmente significa vencer.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de UMA BATALHA ATRÁS DA OUTRA(One Battle After Another) à frente!

O filme começa com Pat “Ghetto” Calhoun e Perfídia Beverly Hills, um casal revolucionário e membro de um grupo radical chamado French 75. Já vamos direto pra ação com o grupo invadindo um centro de detenção para libertar imigrantes (já pegaram de onde vem o apelo do filme, né?).

Enquanto a galera liberta os imigrantes, Perfídia encontra o chefão do lugar, Steven Lockjaw (personagens nomeados por J.K. Rowling) e humilha ele numa pegada meio dominação/submissão e o faz ficar PIRADO por ela. No nível de começar a perseguir Perfídia e descobrir que ela tá planejando um novo ataque. Perfídia troca sua liberdade por uma noite com Lockjaw sendo seu submisso (alegadamente).

Tempos depois, Perfídia e Pat dão a luz à Charlene, primeira filha do casal. Pat assume o papel de pai responsável e tenta convencer Perfídia a se aquietarem e viverem suas vidas fora da revolução. Perfídia abandona sua filha e seu marido, dizendo que não iriam calá-la e coisa tal.

Seguindo na revolução, Perfídia é presa durante um assalto à banco onde matou um segurança. Lockjaw tira ela da cadeia em troca dos nomes do grupo. Ela aceita. Entra em proteção a testemunha. E enquanto isso, ele caça e executa os antigos companheiros dela um por um. Traição nível máximo.

Perfídia foge pro México. Pat e Charlene fogem para a Califórnia. Família destruída e Lockjaw louco atrás de todo mundo.

~ 16 anos depois ~

Bob (que era Pat) virou aquele pai paranoico, chapado, vivendo fora do sistema numa cidade-santuário chamada Baktan Cross, Califórnia. Ele criou Willa (que era Charlene) como se a mãe fosse uma heroína revolucionária. Só que Willa já é adolescente, espírito livre, e começa a perceber que o pai tá meio quebrado.

Enquanto isso, Lockjaw virou coronel e figura grande nas agências de segurança dos EUA. Ele tenta entrar pra uma sociedade secreta supremacista branca chamada Christmas Adventurers Club (sim, o nome é quase ridículo de tão absurdo), mas uma suspeita toma sua mente: E SE a filha de Perfídia for sua? Ele vai perder tudo o que almeja.

Ele manda tropas pra cidade sob pretexto de operação anti-imigração. Tudo vira zona de guerra urbana. Willa é resgatada por membros do French 75 e levada pra um convento de freiras revolucionárias (maravilhoso o universo alternativo de Mudança de Hábito). Lá ela descobre que a mãe traiu todo mundo.

Bob tenta fugir, rola perseguição por túneis secretos, líderes comunitários ajudando imigrantes, telhados, queda feia, prisão. É aquele caos que mistura sátira política com tragédia familiar e é um dos melhores momentos do filme. Benício del Toro, um sensei de artes marciais, e Leo DiCaprio, um chapado revolucionário, ambos correndo pela Califórnia numa sucessão de desventuras. *chef’s kiss* Cinema.

Chegamos ao ápice do filme. Lockjaw invade o convento e sequestra Willa após confirmar que ela é sua filha. O objetivo é entregar ela para o deserto e assim enterrar seu segredo. Mas a sociedade secreta descobre provas do caso de Lockjaw com Perfidia e manda um membro matar ele e Willa.

Tem fuga, perseguição de carro, tiros, traição. Um mercenário contratado se recusa a matar Willa por ela ser jovem e então decide libertá-la, mas morre num tiroteio com milícia de extrema-direita.

Nesse meio tempo o assassino da sociedade secreta atira contra Lockjaw e consegue tirar seu carro da estrada. Dando a volta, começa a perseguir Willa, que fugiu do tiroteio.

Ela provoca um acidente numa curva cega e tira o assassino da estrada, botando ele na mira da escopeta e só atira depois que o cara falha em dizer a senha revolucionária.

Enquanto isso, Lockjaw sobrevive ao tiro na cara (porque claro que sobrevive). Tempos depois, quando parece que ele vai ser oficialmente aceito no clube supremacista… eles o trancam numa sala, o envenenam com gás e cremam o corpo. A própria organização elimina ele para se manter branca e pura.

No final, Bob entrega a Willa uma carta da mãe pedindo perdão e prometendo reencontro. E a última cena é Willa indo pra um protesto em Oakland com a bênção do pai.

Opinião do Farofeiro

É daqueles que te atropelam primeiro pela atuação e só depois você tenta organizar o que viu. Leonardo DiCaprio e Benicio del Toro dividindo cena é joia rara. A química é perfeita, natural, hilária. Dá vontade real de assistir duas horas só deles trocando farpas e olhares cúmplices.

Enquanto isso, Sean Penn entra como uma força imprevisível, sempre prestes a explodir, e Chase Infiniti surpreende segurando o caos ao redor com uma presença firme, nunca passiva. Ninguém está ali para ser escada emocional barata. Cada personagem existe por si, com densidade própria, sem servir apenas como gatilho narrativo conveniente.

O ritmo é insano e calculado. Quase três horas que passam como noventa minutos. A trilha às vezes sobe demais, quase competindo com as falas, como se quisesse reforçar uma emoção que já está inteira na atuação, mas no conjunto sustenta a cadência frenética que mantém tudo de pé.

E é impossível ignorar o diálogo direto com o momento político dos EUA. provocação ao trumpismo não mira só o governo, mira o sistema inteiro. Fica a dúvida se é convite à reflexão ou apenas catarse coletiva estilo Minuto do Ódio. De qualquer forma, como cinema, é potente demais para ser ignorado. Energia absurda, atuações em estado de graça e um senso de urgência que te prende até o último segundo.

Uma Batalha Após a Outra | Oscar Recap 2026

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS começa hoje um especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

PECADORES (2025)

O filme mais indicado do ano (e recordista da História da Academia), Pecadores vem forte com 16 indicações e a promessa de passar à frente de Uma Batalha Após a Outra no ranking geral da Temporada 2025/2026.

Sinopse: Tentando deixar suas tumultuadas vidas para trás, dois gêmeos (Michael B. Jordan) retornam à sua cidade natal para recomeçar, descobrindo que um mal ainda maior está esperando o seu retorno.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de PECADORES (Sinners) à frente!

O filme começa em 1932, nas terras molhadas e esquecidas por Deus do Delta do Mississippi. Sammie, o “Preacher Boy” entra numa igreja batista absolutamente besuntado em sangue, chorando e cambaleando.

Enquanto seu pai clama pela salvação da alma do filho, voltamos 24h no tempo e conhecemos os gêmeos Smoke e Stack, veteranos da Primeira Guerra que estavam trampando para a máfia em Chicago. E por trampando queremos dizer: desviando a grana dos caras.

Com a grana duplamente suja, os gêmeos compram uma antiga serralheria para fundar um Juke Joint, um bar com música ao vivo e bons drinks para a comunidade preta local. O local pertencia a um fazendeiro chamado Hogwood, obviamente racista porque, lembremos, estamos no sul dos EUA.

Os irmãos começam a formar seu Avengers do Blues Americano. Stack convoca o próprio Sammie, um moleque diabólico de bom no vilão e com uma voz celestial. Em seguida conseguem puxar Delta Slim, um cabra já famoso nas cercanias por suas composições, que vai assumir o piano da casa. Cornbread vem em seguida, como segurança da casa (já que é um armário de homem).

Nesse interim, Smoke convoca Grace e Bo, comerciantes chineses que fornecerão os bens de consumo pra casa. Annie, ex-esposa de Smoke e dona da sabedoria voodoo, assume a cozinha da Juke Joint. E meio que caindo de paraquedas vem Pearline, outra voz celestial que laça o Sammie de jeito, e Mary, ex-peguete de Stack num romance mal resolvido (talvez por Mary ser branca e Stack ser preto, o que nos EUA de 1932 nem precisamos falar que daria B.O. né).

Enquanto nosso Avengers dos Blues está sendo formado, conhecemos Remmick, um maluco que aparece na casa de um casal da Ku Klux Klan clamando por misericórdia por estar sendo perseguido por caçadores indígenas Choctaw. O casal racista o salva e aí descobrimos que Remmick é um vampiro irlandês, que já começa sua nova fanbase vampírica com o dito casal.

A noite cai e o frio desce. Galera começa a chegar na grande inauguração do Juke Joint dos Irmãos, muita bebida e risadas numa noite que promete, com Delta Slim já conduzindo o piano. Sammie é chamado pro palco e começa sua apresentação transcendental. Nos seus acordes e voz nascem espíritos do passado e do futuro, ancestrais e descendentes negros e chineses da galera que ali estava.

O poder daquela música chama a atenção de Remmick e Seus Amigos, que tentam trocar sua entrada na Juke Joint por um punhado de ouro, se dizendo uma banda itinerante que ganha a vida cantando de bar em bar. Annie é a primeira a dizer “tem coisa errada nisso” e convence os irmãos a negar a entrada de Remmick e do casal da Klan.

Stack ainda tá pensando no ouro e consegue convencer Mary a ir ter com os cantores vampiros sobre que história é essa de ouro. Remmick mostra pra ela não apenas ouro, mas praticamente um dobrão espanhol, ouro maciço.

Mary volta pra Juke e mostra pra Stack o ouro que Remmick tem para eles. Deve ser uma visão MUITO boa porque o casal mal resolvido decide tentar resolver suas diferenças na horizontal, se é que me entendem. Smoke pede para Sammie chamar Stack para resolver um B.O. no bar e descobrimos que Stack se tornou comida de vampiro.

Sim, meus amigos, Mary foi transformada e agora transformou Stack. Mary foge enquanto Smoke vela o corpo do irmão morto, com Annie tentando convencê-lo a colocar Stack do lado de fora. Smoke expulsa todo mundo da Juke (péssima ideia) e fica apenas os personagens que têm nome: Smoke, Sammie, Annie, Pearline, Delta Slim, e Grace. Stack acorda da morte e foge.

Todos os expulsos, além de Cornbread, Bo, Mary e Stack, dançam com Remmick celebrando o nascimento de uma nova sociedade. Enquanto isso, nossos heróis aprendem sobre vampiros com a Professora Annie que explica o clássico dos clássicos: alho, estaca de madeira no peito e cabeça cortada.

Stack, Mary e Bo tentam convencer nossos amigos a deixar a Juke e se entregar para a imortalidade, numa nova sociedade sem racismo, sem dor, sem sobrevivência, só liberdade, música e tranquilidade. Por mais tentador que seja, ainda mais com seus antigos amigos os chamando, os heróis conseguem resistir e começam a montar sua resistência no melhor estilo Van Helsing.

Grace perde o foco, teme pela vida da filha depois do seu marido transformado dizer que iria vê-la, e grita com os vampiros, dizendo para eles a pegarem. Eles aceitam o convite e finalmente entram na Juke causando o morticínio final dos nossos heróis.

Grace, Annie, Pearline e Delta Slim se tornam vítimas, com Annie implorando para Smoke matá-la antes que ela se transforme (e entregue para o grupo seus conhecimentos do além-mundo). A batalha final de Remmick rola contra Smoke e Sammie, que o matam com o violão do Preacher Boy sendo usado de estaca no peito.

Sammie volta pro pai, o pastor Jebediah, que tenta fazer o “eu avisei” com o filho; “eu avisei que música era do demônio”, “eu avisei que deveria ter ficado aqui” e outros mais. Smoke, enquanto isso, aguarda a chegada a Klan, que se preparou para matar todos os presentes da Juke Joint em mais um caso isolado de ódio racial nos EUA. Smoke, literalmente sem mais nada a perder, abre fogo contra todos os membros da Klan, morrendo com eles no tiroteio.

60 anos no futuro. Sammie não ouviu seu pai e se tornou um cantor lendário de blues em Chicago. No fim da sua apresentação, enquanto está no bar relaxando, Sammie é cortejado por dois fãs de longuíssima data: Stack e Mary, imortalizados como vampiros, nem um dia mais velhos do que estavam em 1932.

Na conversa dos velhos conhecidos, Stack e Mary oferecem pela última vez a imortalidade para Sammie, o fim das suas dores e da morte próxima. Sammie nega. Stack pede então uma última música, como as dos velhos tempos. Sammie toca, emocionando Stack e Mary.

Sammie diz que apesar de tudo, aquele dia foi o melhor da sua vida. Stack diz que também foi o dia que marcou sua vida: a última vez que viu o sol, a última vez que viu seu irmão, mas a primeira vez que se sentiu livre.

Opinião do Farofeiro

Ryan Coogler pega vampirismo, racismo, blues, voodoo e Ku Klux Klan e transforma tudo numa ópera sangrenta sobre liberdade. E funciona. Funciona demais. Nessa história, ser vampiro é a promessa de existir sem medo. Sem racismo. Sem sobreviver o tempo todo. E o filme cutuca a ferida mais incômoda possível: se a sociedade já te desumaniza, o que exatamente você estaria perdendo ao abrir mão da sua humanidade? Talvez o verdadeiro horror nunca tenha sido o monstro com presas, mas o país que decide quem merece ser humano.

Michael B. Jordan está brilhante como os gêmeos Smoke e Stack, criando duas energias opostas que se complementam e se chocam. Mas o coração do filme pulsa mesmo na música. Miles Caton como Sammie tem uma presença absurda, e a sequência musical é simplesmente uma das melhores já feitas no cinema. É transcendência pura. É passado e futuro se encontrando no mesmo acorde. E quando Wunmi Mosaku e Delroy Lindo entram em cena, o elenco se consolida como um dos mais fortes de 2025.

Sinners é daqueles filmes que você termina em silêncio, processando. É sobre liberdade, mas também sobre escolha. Sobre o peso de continuar humano num mundo que insiste em te negar isso. E, no fim das contas, é um ode à música como motor da alma. Porque talvez a única forma real de imortalidade não esteja em viver para sempre, mas em deixar sua voz ecoar depois que o sol nasce pela última vez.

Pecadores | Oscar Recap 2026

Netflix “descomprou” a Warner que agora vai para a Paramount (aparentemente).

A Netflix anunciou a compra da Warner Bros. por 82,7 bilhões de dólares e agora, depois de afirmar não ter dinheiro para pagar impostos no Brasil, a gigante do streaming decidiu que tinha dinheiro sobrando para comprar Batman, Harry Potter e a HBO inteira. Mas antes que alguém pudesse processar essa contradição, o roteiro ganhou uma reviravolta.

A Netflix desistiu do negócio.

A empresa que parecia disposta a dominar Hollywood inteiro bateu em retirada quando a Paramount elevou a oferta para 31 dólares por ação, totalizando 111 bilhões pela Warner Bros. E agora começa mais um episódio dessa série ruim.

A Paramount não é apenas mais uma empresa querendo crescer, ela pertence a David Ellison, filho do bilionário Larry Ellison, cofundador da Oracle e amigo próximo do ditador Donald Trump. E quando falo que são próximos não estou exagerando. David foi convidado do presidente no discurso do Estado da União – onde ameaçou o Irã e falou sobre manter o domínio nas Américas – posou fazendo o sinal de “jóinha” e vem pavimentando seu caminho com recursos quase infinitos do papai e de fundos soberanos da Arábia Saudita, Qatar e Abu Dhabi… Os gamer não ficarão surpresos pois irão se lembrar a controversa compra da Eletronic Arts por grupos parecidos, com envolvimento de um genro de Donald inclusive.

O império que está se formando assusta, afinal, com essa compra os Ellison controlarão CBS, CNN, HBO, Warner Bros., Paramount, Discovery e ainda têm participação relevante no TikTok. Uma única família comandando praticamente metade do que os estadunidenses assistem – seja na TV, seja no streaming. E não é paranoia apontar o óbvio: desde que assumiu a CBS, a gestão Ellison tem feito mudanças editoriais questionáveis, como a contratação de Bari Weiss (chamá-la de extrema direita talvez seja pouco) para comandar o jornalismo da rede e o cancelamento de programas críticos ao governo Trump (Stephen Colbert que o diga).

A ex-comissária da Comissão Federal de Comércio dos Estados Unidos, Alvaro Bedoya, foi direto ao ponto: uma família está prestes a controlar veículos fundamentais da mídia estadunidense, surpreendentemente ninguém utilizou o termo monopólio ou quartel. Senadores democratas prometem desmantelar esse conglomerado quando reconquistarem o poder, será mesmo?

Na semana passada a Netflix teve suas ações valorizadas em 10% após anunciar a desistência do negócio, o que indica que investidores acharam sensato não pagar essa fortuna toda em uma briga comercial com alguém apoiado pelo regime Donald Trump.

Essa não é uma questão financeira, é sobre concentração de poder, influência política direta sobre o jornalismo e a transformação de veículos de comunicação em ferramentas de propaganda… Não que a gente não veja isso por aqui, Globo, Estadão e Folha sentem inveja do que acontece nos EUA. Mas é interessante lembrar que ninguém elogia quando apontamos a extrema-direita dominando a mídia na Hungria.

Alguns gringos ficaram constrangidos em ver alguém com o boné do MAGA (Make America Great Again) ser entrevistado sobre a guerra que hoje os EUA promove contra o Irã. Imagine só o choque deles ao ver que o Fantástico mostrou gente com o boné MIGA (Make Iran Great Again) brindando os ataques dos EUA.

Mas tá tudo bem, né?

Paramount vai comprar a Warner (de novo)

A última bomba no universo cinematográfico de bonecos ficou por conta da notícia de que a roteirista do filme do Flash escreverá o novo Batman, do DCU visionado por James Gunn. Batman: The Brave and The Bold ainda não previsão de estreia mas já tem muita gente chorando por ter perdido a infância.

Sim, o filme do Flash escrito por Christina Hodson foi uma bomba. Uma versão piorada de Ponto de Ignição com baixo orçamento, o filme tinha potencial para um filme de boneco que corre… Essa nova chance da roteirista me surpreende, afinal o filme é ruim e foi detonado pelos fãs e pela crítica.

A situação me faz pensar no sistema criativo que o capitalismo imputa aos artistas. Sejam nos quadrinhos, séries e filmes, o roteirista pode ter uma boa ideia – mas sempre é preciso agradar o chefão da empresa ou os acionistas. E isso pode destruir uma boa ideia de uma forma que ela fique irreconhecível para o autor em seu lançamento… Mas não há como retirar seu nome de lá, afinal é preciso pagar contas e assumir a culpa quando as coisas dão errado.

Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa também é da roteirista que, enquanto não foi tão bem nas bilheterias, foi bem recebido pela crítica apesar de tudo. Honestamente? Não sei o que esperar.

James Gunn afirmou recentemente que The Batman Part II, do diretor Matt Reeves com Robert Pattinson como Bruce Wayne, não estreará no mesmo ano de Batman: The Brave and the Bold – realmente dois filmes do Batman no mesmo ano parece loucura. Logo o filme com o roteiro de Christina Hodson provavelmente estará nos cinemas apenas em 2028.

De qualquer forma nãos eis e a DC irá pagar um novo cachê para Michael Keaton voltar como Batman.

Roteirista do filme do Flash escreverá o novo Batman