Luigi Mangione é um Luigi Favorito do ator que dubla o Luigi na gringa.

Durante a turnê de divulgação de The Super Mario Galaxy – O Filme, o ator Charlie Day, que faz a voz do Luigi nos filmes da Nintendo, foi surpreendido com uma pergunta armadilha. Ele responde à pergunta “quem é seu Luigi favorito?” de maneira que ninguém esperava.

A resposta não foi exatamente o que o departamento de relações públicas da Nintendo esperava… Bem, na real não foi algo que nem eu esperava ouvir. Depois de rir muito, o ator declarou com calma que ele mesmo em primeiro lugar – óbvio – e Luigi Mangione em segundo. O ator estava ao lado de Keegan-Michael Key que deu um gritinho enquanto Anna Taylor-Joy escondeu o rosto. A reação coletiva foi a definição perfeita de “não acredito que ele falou isso“.

O jovem acusado de assassinar o CEO da UnitedHealthcare em dezembro de 2024, virou fenômeno da internet por razões que misturam revolta social e abdomen bem definido. Para o bem ou para o mal Luigi Mangione se tornou um ícone pop.

Mangione acumulou uma base de admiradores online justamente porque muita gente enxerga nas seguradoras de saúde americanas um símbolo concreto de um sistema que massacra pobre. Ainda mais em um país onde não existe o SUS. A conexão com o Mario verde ganhou vida própria na cultura pop fazendo fãs aparecerem no tribunal vestidos de Nintendo.

Charlie Day, conscientemente ou não, tocou num nervo que vai muito além de Super Mario Galaxy, o filme. Nos resta esperar a reação da Nintendo e do povo que norte-americano que gosta de ser jogado no meio da rua mesmo com problemas de saúde por não ter dinheiro.

Qual seu Luigi favorito?

Prólogo: A Infância Prolongada

Alan Moore, disse certa vez que os filmes de super-heróis representam uma “catástrofe cultural” — não por serem violentos ou escapistas, mas por serem infantis. Não no sentido pejorativo de “ruins“, mas no sentido literal de “coisa de criança“. Moore argumenta que, enquanto gerações passadas amadureciam e deixavam para trás as fantasias de poder da infância, nossa época as transformou em entretenimento dominante para adultos. É como se tivéssemos parado de crescer.

Esta observação é o ponto de partida necessário para entender a relação entre o MCU e o zeitgeist redpill. Porque o que está em jogo não é apenas uma disputa política sobre representação ou diversidade. O que está em jogo é o que acontece quando homens que deveriam ser adultos tomam fantasias infantis como manuais de conduta — e quando a indústria cultural, por sua vez, começa a tratar justamente esses homens infantilizados como seu público-alvo.

Parte I: O Homem de Ferro e a Fantasia do Poder Sem Consequências

O Brinquedo e a Criança

Tony Stark, em sua versão cinematográfica, é a realização perfeita da fantasia infantil de poder. Ele tem tudo: dinheiro infinito, brinquedos tecnológicos, mulheres, liberdade absoluta. E, principalmente, ele não presta contas a ninguém. A cena em que ele ironiza uma jornalista, dorme com ela e a dispensa no café da manhã não é apenas “comportamento de playboy” — é a representação de um mundo onde as ações não têm consequências emocionais reais.

Esta é a essência da fantasia infantil: o desejo sem a responsabilidade. A criança quer o brinquedo, mas não quer guardar; quer o poder, mas não quer as consequências; quer a admiração, mas não quer o esforço.

A genialidade do MCU, em seus poucos  melhores momentos, foi precisamente subverter essa fantasia. Tony Stark passa 11 anos aprendendo que suas ações têm consequências. O homem que começa ironizando uma jornalista termina morrendo nos braços da mulher que ama, tendo aprendido que o amor não é um troféu, mas uma relação. O homem que começa fabricando armas termina sacrificando a própria vida para salvar estranhos.

Mas para uma parcela do público — aquela que nunca quis crescer junto com o personagem — essa jornada é vivida como traição. O Tony Stark que eles amavam era o do primeiro filme: o “alfa” sem freios, o homem que podia tudo. O Tony Stark que aprende a ser humano é, para eles, uma versão diminuída, “castrada”, domesticada.

A Morte como Problema Narrativo

A morte de Tony Stark em Ultimato é, para esse público, um insulto. Não porque seja mal escrita — é, objetivamente, uma das mortes mais bem construídas do cinema blockbuster — mas porque mata a fantasia. O homem que podia tudo morre. O brinquedo quebra. E, pior, morre por uma causa coletiva, não por um ato de poder individual.

A reação de certos setores do fandom à morte de Stark revela algo profundo sobre a relação com a fantasia: a recusa em aceitar que as histórias terminam. É a mesma lógica que move a obsessão por multiversos, prequels, ressurreições e retcons. Se o herói morre, a fantasia acaba. E a fantasia não pode acabar.

Quando Robert Downey Jr. é anunciado como Doutor Destino, a exultação geral não é apenas nostalgia — é o alívio de quem vê a fantasia sendo reanimada. Não importa que seja outro personagem. O rosto é o mesmo. O brinquedo volta à prateleira.

Parte II: O Capitão América e a Fantasia da Autoridade Moral

O Herói Que Não Quer Poder

Steve Rogers é, em muitos aspectos, o oposto da fantasia infantil de poder. Ele não quer ser forte; quer fazer o que é certo. Ele não busca admiração; busca proteger. Ele não deseja o escudo como símbolo de status; carrega-o como fardo.

Esta é uma fantasia diferente, mas ainda assim uma fantasia: a da autoridade moral inquestionável. Steve Rogers nunca erra. Steve Rogers sempre sabe o que fazer. Steve Rogers é o pai que nunca falha, o líder que nunca hesita, o juiz que nunca se engana.

Para o público que busca na ficção aquilo que a realidade não oferece — certezas, clareza moral, hierarquias estáveis — Steve Rogers é o porto seguro. Ele é a prova de que, em algum lugar, existe um homem bom que sabe exatamente o que é certo.

O Final como Abandono

Quando Steve escolhe ficar no passado com Peggy, ele abandona essa posição. Ele troca a autoridade moral inquestionável pela vida comum, troca o símbolo pela experiência, troca o dever pelo desejo. Para o público que o via como pai simbólico, é um abandono. Para o público que projetava nele a própria necessidade de certezas, é uma traição.

O redpill lê esse final como “fraqueza” porque sua gramática emocional não comporta a ideia de que esse homem possa escolher a felicidade privada sobre o poder público. Mas a verdade é mais simples e mais incômoda: Steve Rogers cresceu. Ele completou sua jornada. Ele não precisa mais ser o Capitão América porque aprendeu a ser apenas Steve.

O problema é que uma parcela do público não completou a jornada junto com ele. E, ao vê-lo partir, sente-se órfã.

Parte III: Sam Wilson e a Recusa em Crescer

O Homem Comum e a Fantasia do Escolhido

Sam Wilson é, talvez, o personagem mais adulto do MCU. Não tem superpoderes. Não tem soro. Não tem fortuna. Tem apenas suas asas, sua experiência militar e sua convicção. Ele é o herói que escolhe ser herói, não o que nasce herói ou o que é transformado em herói.

Esta é uma fantasia radicalmente diferente — e, por isso mesmo, profundamente incômoda para quem busca na ficção a validação de que “alguns nascem para liderar“. Sam Wilson sugere exatamente o oposto: que liderança é escolha, que heroísmo é decisão, que qualquer um pode carregar o escudo se tiver coragem.

A rejeição a Sam Wilson, em certos setores do fandom, não é apenas sobre racismo (embora seja também sobre isso) ou sobre “tradição” (embora seja também sobre isso). É sobre a recusa em aceitar uma fantasia menos confortável. É mais fácil acreditar que Steve Rogers era especial porque tomou o soro do que acreditar que ele era especial porque escolheu ser. Porque se a segunda opção for verdadeira, Para o espectador que busca na ficção a segurança das certezas, essa série é um desconforto permanente. Não há vilões claramente maus (Apátrida têm pontos válidos, mesmo que seus métodos sejam errados). Não há heróis claramente bons (John Walker é um soldado tentando fazer o certo dentro de um sistema quebrado). Há apenas pessoas tentando navegar um mundo complexo.

Este é o território de imaginário menos infantil. Mas é um território que uma parcela do público — a mesma que reclama que “a Marvel ficou complicada demais” — não quer habitar.

Parte IV: Alan Moore e a Catástrofe Cultural

O Que Moore Estava Dizendo

Quando Alan Moore fala em “catástrofe cultural“, ele não está apenas reclamando de filmes de herói. Ele está apontando para um fenômeno mais amplo: a infantilização da cultura adulta. Em suas palavras, pessoas que deveriam estar lendo Proust ou assistindo Scorcese estão discutindo quem é o melhor Homem de Aranha como se isso fosse assunto sério.

Moore não está dizendo que entretenimento não pode ser divertido. Está dizendo que, quando uma cultura inteira passa a tratar fantasias infantis como o ápice da expressão artística, algo se perde. Perde-se a capacidade de lidar com ambiguidade, com nuance, com complexidade moral. Perde-se a tolerância ao desconforto. Perde-se, em suma, a maturidade.

A Conexão Redpill

O movimento redpill é, sob essa ótica, uma das manifestações mais claras dessa infantilização. Sua visão de mundo é essencialmente maniqueísta: existem os “alfas” e os “betas“, os que despertaram e os que dormem, as mulheres “verdadeiras” (hipergâmicas, manipuladoras) e as “ilusões” (as que dizem querer amor, mas querem poder). É uma cosmovisão de criança: o mundo dividido entre mocinhos e bandidos, com regras simples e soluções claras.

Os super-heróis fornecem o vocabulário perfeito para essa visão de mundo. Tony Stark é o “alfa” que todos deveriam ser. Steve Rogers é o “beta” que não soube aproveitar seu poder. Sam Wilson é o “invasor” que ocupa um lugar que não merece. As categorias se encaixam perfeitamente porque foram feitas para isso: são categorias infantis aplicadas a um mundo que as pessoas se recusam a entender em sua complexidade.

O Paradoxo do Fã Adulto

E aqui chegamos ao paradoxo central: os filmes de herói são feitos para adultos, mas contam histórias de crianças. E uma parcela desses adultos — aqueles que nunca deixaram para trás as fantasias da infância — interpreta essas histórias com a seriedade de quem está lendo um manual de vida.

O resultado é o que vemos nos fóruns, nas redes sociais, nas reações a cada novo filme: adultos discutindo se o Doutor Estranho deveria ter usado o tempo para salvar a si mesmo ou aos outros, como se isso fosse um dilema filosófico real; adultos se indignando porque um herói negro “não tem direito” ao escudo; adultos celebrando o retorno de um ator a um papel diferente como se fosse a volta do messias.

Moore tem razão: há algo de profundamente imaturo nisso. Não no consumo dos filmes — todos precisamos de escapismo — mas na seriedade com que são tratados. Quando a fantasia vira ideologia, quando o entretenimento vira manual de conduta, quando a ficção viva disputa política, algo se perde.

Parte V: O Que Fazer Com Nossas Fantasias

A Função do Herói

Talvez a questão não seja abandonar os heróis, mas lembrar o que eles são: fantasias. Ferramentas para pensar, não receitas para viver. O herói não é um modelo a ser imitado, mas um espelho (distorcido, muitas vezes) a ser contemplado. Tony Stark nos mostra o que acontece quando o poder encontra a responsabilidade — não para que queiramos ser Tony Stark, mas para que pensemos sobre poder e responsabilidade. Steve Rogers nos mostra o que significa escolher o certo — não para que nos tornemos Steve Rogers, mas para que reflitamos sobre nossas próprias escolhas.

A Diferença Entre Identificação e Projeção

Há uma diferença crucial entre identificar-se com um personagem e projetar-se em um personagem. A identificação é temporária, lúdica, consciente: “entendo por que ele fez isso”. A projeção é permanente, patológica, inconsciente: “ele sou eu, e o que acontece com ele acontece comigo”.

O fã que reage com raiva à morte de Tony Stark não está apenas triste porque um personagem morreu. Está projetando em Tony Stark sua própria fantasia de imortalidade, seu próprio medo da finitude, sua própria recusa em aceitar que as histórias (e as vidas) terminam. O fã que rejeita Sam Wilson não está apenas defendendo uma tradição. Está projetando no escudo sua própria necessidade de hierarquias fixas, seu próprio medo de que qualquer um possa ser especial.

A Maturidade Possível

A maturidade, nesse contexto, não é deixar de ver filmes de herói. É ver filmes de herói como o que são: ficção. É amar Tony Stark sem querer ser Tony Stark. É respeitar Steve Rogers sem precisar que ele exista. É aceitar Sam Wilson como Capitão América porque a história é sobre ele agora — e histórias são sobre quem as conta.

A maturidade é também aceitar que os filmes terminam, que os heróis morrem, que os escudos passam adiante. É entender que a fantasia nos serve apenas enquanto nos ajuda a viver a realidade — e que, quando tentamos viver dentro da fantasia, deixamos de viver.

Epílogo: O Feiticeiro e o Escudo

Alan Moore, aos 70 anos, vive em Northampton e continua escrevendo histórias que desafiam, incomodam e expandem os limites do que os quadrinhos podem ser. Ele não odeia super-heróis — ele escreveu alguns dos melhores. O que ele odeia é o que fizemos com eles: transformamos suas criações (e as de tantos outros) em ídolos, em dogmas, em armas em uma guerra cultural que não deveria ser travada com ficção.

O escudo do Capitão América não é uma bandeira. É um símbolo — e símbolos existem para serem interpretados (este texto todo é uma interpretação, afinal), não para serem adorados. A armadura do Homem de Ferro não é uma promessa de poder. É uma metáfora — e metáforas existem para serem pensadas, não para serem vestidas.

Quando nos recusamos a crescer, quando tratamos a ficção como verdade e a fantasia como manual, não estamos apenas sendo infantis. Estamos traindo a própria função da arte: nos ajudar a entender o mundo, não a escapar dele.

O garoto magricela do Brooklyn, o bilionário genial, o paraquedista que aceitou o escudo — todos eles são, no fim das contas, apenas historinhas. Histórias que nos ajudam a pensar sobre quem somos e quem queremos ser. Mas histórias, apenas.

O resto é conosco.

O Escudo e a Armadura: MCU e o Espectro Redpill na Cultura Pop Contemporânea

Ruth E. Carter teria usado IA para criação dos figurinos de Pecadores segundo informações de “engenheira de prompts”.

Oscar batendo à porta e as notícias sobre os competidores não param de chegar, agora atingindo o recordista de indicações, Pecadores. Uma postagem de 2024 de uma “engenheira de prompts” chamada Nettrice Gaskins veio à tona esta semana, descrevendo reuniões que Ruth E. Carter teve com ela para criar o design de figurinos de Pecadores usando o MidJourney, ferramenta de geração de imagens por inteligência artificial.

Carter, conhecida por vencer dois Oscars pelo trabalho em Pantera Negra e sua sequência, iniciou o processo mergulhando em pesquisas históricas. A equipe reuniu fotografias do sul profundo dos Estados Unidos na década de 1930 e ilustrações de moda da época, materiais que serviram como base para os primeiros experimentos visuais.

A partir dessas referências, Gaskins utilizou ferramentas de IA generativa, especialmente a plataforma Midjourney, para transformar ideias em conceitos de figurino. Um dos recursos usados foi o comando “describe”, que permite gerar prompts a partir de imagens enviadas, abrindo caminho para variações visuais rápidas e experimentais.

O processo também incluiu a análise de trabalhos anteriores da própria artista. Carter chegou a explorar o perfil de Gaskins nas redes sociais em busca de imagens que dialogassem com a estética do filme. Em seguida, os prompts originais utilizados para gerar essas obras foram reaproveitados e adaptados para criar novos visuais.

Segundo Gaskins, o fluxo de trabalho foi “altamente colaborativo”. A criação envolveu reuniões por vídeo, trocas de mensagens e ajustes constantes nas imagens geradas pela IA. Após selecionar os conceitos preferidos, Carter e sua equipe refinavam os detalhes usando ferramentas de edição dentro do próprio sistema.

Apesar do “entusiasmo” com a rapidez do método, o episódio reacende uma discussão crescente na indústria criativa: até que ponto ferramentas de IA devem participar do processo artístico. Críticos apontam que a geração de imagens por modelos treinados com grandes bancos de dados pode reproduzir estilos e referências de artistas sem o mesmo reconhecimento ou remuneração.

Outro ponto sensível é o impacto sobre profissionais que historicamente trabalham na etapa de concept art, responsável por imaginar visualmente personagens e mundos antes da produção física. A possibilidade de gerar dezenas de variações em poucos minutos levanta dúvidas sobre a valorização desse trabalho humano.

No caso de Sinners, a IA foi usada principalmente para criar “thumbnails”, versões preliminares de figurinos que depois seriam avaliadas pela equipe criativa. Ainda assim, para parte da comunidade artística, o episódio ilustra uma tendência crescente de dependência tecnológica em áreas tradicionalmente baseadas em pesquisa manual, desenho e experimentação.

Ruth E. Carter teria usado IA para criação dos figurinos de Pecadores

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS segue com seu especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

Frankenstein(2025)

Frankenstein marca a realização de um projeto de décadas do diretor Guillermo del Toro, que finalmente leva às telas sua própria interpretação do clássico gótico de Mary Shelley. Com um elenco liderado por Oscar Isaac, Jacob Elordi e Mia Goth, o filme rapidamente se consolidou como um dos títulos mais comentados do circuito de festivais, elogiado pela estética sombria, pelo design de produção detalhado e pela abordagem emocional característica do cineasta mexicano.

A recepção inicial destacou principalmente o equilíbrio entre horror clássico e drama humano, uma marca recorrente na filmografia de del Toro. Em vez de tratar a criatura apenas como um monstro, o filme enfatiza sua dimensão trágica e existencial, explorando temas como solidão, responsabilidade e os limites da ambição científica. Embora alguns críticos tenham apontado o tom contemplativo e melancólico como distante das versões mais tradicionais da história, a maioria concordou que Frankenstein se firma como uma adaptação visualmente grandiosa e profundamente sensível de um dos mitos mais duradouros da literatura.

Sinopse: Ambientado na Europa do século XIX, o filme acompanha Victor Frankenstein, um jovem cientista obcecado em ultrapassar as fronteiras da vida e da morte. Após criar uma criatura a partir de restos humanos e trazê-la à vida por meios não naturais, Victor se vê incapaz de lidar com as consequências de sua própria descoberta. Rejeitado por seu criador e pelo mundo, A Criatura passa a buscar sentido para sua existência, desencadeando uma tragédia que colocará frente a frente criador e criação.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de Frankenstein à frente!

O filme começa em 1857, com o navio dinamarquês Horisont abrindo caminho rumo ao Polo Norte. Só que a jornada vai pro saco quando o navio fica preso no gelo ártico. Clima perfeito para coisas darem errado.

No meio desse cenário congelado, a tripulação vê uma explosão distante no gelo. O capitão Anderson manda um grupo investigar e eles encontram um homem quase morto: Victor Frankenstein. Todo arrebentado, delirando, basicamente um pacote de trauma ambulante.

Eles levam Victor para bordo… e imediatamente são atacados por uma criatura humanoide gigantesca que aparece exigindo que Victor seja entregue. O capitão resolve a situação do jeito mais século XIX possível: uma blunderbuss na cara da criatura, que cai no mar.

Victor então solta a frase que ninguém queria ouvir naquele momento:

“Eu criei aquilo.”

E começa a contar a sua história.

Victor cresce numa família aristocrática respeitadíssima, mas completamente disfuncional. A mãe dele morre ao dar à luz o irmão mais novo, William, que imediatamente vira o favorito do pai. Já Victor cresce entre luto mal resolvido e um pai abusivo.

Resultado previsível: o menino abusado emocionalmente pelo pai médico vira um megalomaníaco com complexo de Deus que quer acabar com a Morte™ pra vingar sua mãe.

E aí começa seu objetivo de matar a morte.

• Passo 1: arrumar cadáveres.
• Passo 2: não ser mais um cadáver.
• Passo 3: ahn… Não chegamos nessa parte. Ainda.

Num dos seus primeiros testes ele faz um busto humano gritar em agonia numa respiração pesada enquanto brinca com uma maçã. Macabro, mas ele tá EXULTANTE de ter um morto.. vivo? Ninguém sabe se tá vivo ou só menos morto.

A universidade reage como qualquer instituição do século XIX reagiria: abre um tribunal disciplinar, chama tudo de blasfêmia contra Deus e expulsa Victor na hora.

Mas no meio da plateia desse julgamento está Henrich Harlander, um comerciante de armas riquíssimo que fica completamente fascinado pela ousadia científica de Victor. Harlander faz uma proposta simples e absolutamente nada suspeita (confia): financiamento ilimitado, uma torre isolada para laboratório e liberdade total para continuar os experimentos. Victor aceita sem perguntar muito (claro).

Ele chama o irmão William para ajudá-lo a montar o laboratório e, nesse período, acaba se apaixonando por Elizabeth, sobrinha de Harlander e (coisa boba) noiva de William. Ela educadamente recusa as investidas dele.

Semanas se passam e nada dos mortos ficarem vivos. Harlander começa a ficar impaciente e exige resultados em uma semana. Victor então acelera o projeto: pega partes de criminosos executados e soldados mortos na Guerra da Crimeia e monta um corpo inteiro. A pressão de Harlander sobe ainda mais e vem a bomba: é ELE que quer ser imortalizado porque está morrendo de sífilis. Num último pedido, ele quer que seu cérebro seja colocado na criatura de Frankenstein que, curiosamente, acha isso tudo uma grande loucura (quem que poderia imaginar).

Harlander tenta sabotar o experimento durante uma tempestade, arrancando os para-raios e desmontando a única oportunidade de Victor. Numa briga, Harlander cai do alto da torre e explode no chão ao lado da criatura ainda morta (vai estar viva?).

Victor continua o experimento mesmo assim. Durante uma tempestade, um raio atinge a criatura exatamente como planejado. Nada acontece, feijoada. Projeto fracassado. Só que na manhã seguinte Victor é acordado pela Criatura. IT’S ALIVE.

Victor fica maravilhado. A criatura tem força absurda, cicatriza ferimentos em segundos e parece praticamente indestrutível. O problema é que cognitivamente ele não evolui muito. Victor só consegue ensiná-lo a falar uma palavra: “Victor”, obviamente pra nutrir seu complexo de Deus. Frustrado com o progresso limitado, Victor começa a tratar a Criatura com a mesma crueldade que sofreu do pai. Castigos, humilhações, disciplina violenta.

Elizabeth visita o laboratório e fica horrorizada com a forma como Victor trata o ser. Ela começa a demonstrar compaixão e ensina a criatura a dizer o nome dela também. Tudo degringola quando William encontra o corpo de Harlander perto da torre. Victor, para salvar a própria pele, mente dizendo que a criatura matou o homem num acesso de fúria. Depois que William e Elizabeth vão embora, Victor decide resolver tudo de uma vez: incendeia o laboratório com a Criatura dentro.

Quando ouve a criatura gritando seu nome, ele tenta voltar para salvá-la, mas nesse momento a torre explode. Victor sobrevive… mas perde uma perna.

PARA TUDO. No navio no Ártico, a Criatura reaparece e agora ela quer contar a própria versão da história.

Depois da explosão, a criatura sobrevive e foge.

Ela se esconde nas engrenagens de um moinho numa pequena fazenda. Durante quase um ano inteiro, vive ali secretamente ajudando a família que mora no lugar sem que eles saibam que seja (eles acham que é um espírito da floresta). Corta lenha. Constrói cercado para as ovelhas. Resolve pequenos problemas da propriedade. A família começa a agradecer a esse espírito da floresta com comida.

Quando o resto da família sai para caçar lobos nas montanhas, a Criatura finalmente se aproxima do único morador que ficou: o patriarca cego. Os dois viram amigos e o velho ensina a criatura a ler e falar corretamente usando os maiores clássicos da época, o que faz a Criatura não apenas ficar alfabetizada como também culta.

Algum tempo depois, a criatura visita as ruínas do laboratório de Victor e descobre toda a verdade sobre sua criação… junto com o endereço da casa de Victor. Ao voltar para a fazenda ele encontra o velho sendo atacado por lobos. A criatura espanta os animais, mas o homem já está morrendo. A família retorna e vê a cena e acreditam que a Criatura matou o patriarca.

A Criatura é alvejada e morre na entrada da propriedade e ali percebe algo terrível (?), imortalidade. O que era morto nunca mais vai poder morrer.

Condenada a uma eternidade de solidão, ela decide confrontar Victor. O encontro acontece no pior momento possível: o casamento de William e Elizabeth.

A Criatura exige que Victor crie uma companheira para ela. Victor se recusa. Ele teme que as duas criaturas possam se reproduzir e criar uma nova espécie A discussão vira um caos. Elizabeth tenta proteger a Criatura por ver em sua existência simplesmente a vontade de estar vivo e ser feliz (algo que ela mesma almejou a vida toda). Victor tenta atirar na Criatura… e acaba acertando Elizabeth.

William tenta atacar a Criatura e também é mortalmente ferido. Antes de morrer, ele olha para Victor e diz:

“O monstro é você.”

A criatura leva Elizabeth para uma caverna e fica com ela até sua morte. Victor enlouquece de culpa e decide perseguir a Criatura até o fim do mundo. Literalmente fim do mundo, eles estão se perseguindo no ÁRTICO.

Lá, a criatura tenta se matar usando dinamite e nem isso funciona. E essa foi a explosão que os manos do navio ouviram e que começou essa história toda.

Completamente destruídos física e emocionalmente, Frankenstein e Criatura os dois têm uma última conversa franca e sincera, onde se chamam pela primeira vez de pai e filho. Victor então morre devido aos ferimentos da perseguição da Criatura.

Completamente sozinha no mundo e sem seu criador para lhe dar um igual, a Criatura decide ficar no Ártico, liberando o navio que estava preso no gelo com sua força.

Na última cena, ela estende os braços para o sol da manhã, exatamente como Victor havia lhe ensinado quando tentou mostrar o mundo pela primeira vez. E ali, pela primeira vez, ela simplesmente sente o calor da luz.

Opinião do Farofeiro

Era o filme dos sonhos de Guillermo del Toro. E ele fez exatamente assim. Não para agradar estúdio, crítica ou público. Fez por amor mesmo. Amor à história de Mary Shelley, amor aos personagens, amor ao cinema. Esse carinho aparece em cada frame. Nas mãos de Del Toro, Frankenstein vira quase uma pintura barroca. A ambientação é sombria sem ser opaca, a fotografia é belíssima e cheia de textura, e cada cena parece esculpida com o mesmo cuidado obsessivo do próprio Victor criando sua obra.

O mais interessante é que o filme evita o clichê fácil do cientista louco e do monstro feito de pedaços. Del Toro volta direto à essência do romance. O horror da existência. O peso da criação. O desespero do abandono. Aqui, Frankenstein é sobre um homem tentando desafiar a morte e uma criatura tentando entender o que significa estar viva. É Prometeu roubando o fogo, é Adão acordando num mundo onde o criador não o responde. E nesse jogo de espelhos, Elizabeth deixa de ser coadjuvante romântica e vira eixo simbólico da história. Enquanto a Criatura nasce envolta em bandagens, Elizabeth aparece num vestido que se desfaz em tiras, como se refletisse esse nascimento. A Criatura nasce para a morte. Elizabeth, cercada pela morte, ainda assim representa a esperança na vida.

O filme inteiro é construído sobre alegorias sutis e densidade emocional. Um estudo sobre humanidade, limites e responsabilidade. Porque se a criatura é o erro, é o criador quem se recusa a se reconhecer em sua obra e lhe nega a existência plena. E é exatamente aí que Del Toro se diferencia de tantas versões anteriores: seu Frankenstein tem tudo para ser a leitura definitiva do romance de Shelley. Uma obra que não só adapta o livro, mas nos lembra por que ele ainda nos assombra quase dois séculos depois.

Frankenstein | Oscar Recap 2026

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS segue com seu especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

Hamnet(2025)

Entre os dramas históricos mais comentados da temporada, Hamnet rapidamente se destacou como uma das adaptações literárias mais prestigiadas do ano. Dirigido por Chloé Zhao e baseado no romance de Maggie O’Farrell, o filme transforma uma história íntima e profundamente emocional em um retrato delicado sobre luto, criação artística e memória. Com atuações centrais de Paul Mescal e Jessie Buckley, o longa conquistou atenção no circuito de festivais pela sensibilidade da direção e pela maneira contemplativa com que aborda uma das tragédias pessoais associadas à vida de William Shakespeare.

A recepção entre críticos destacou sobretudo o tom poético do filme e sua abordagem pouco convencional de um drama de época. Em vez de se concentrar diretamente na figura histórica do dramaturgo, a narrativa prioriza a perspectiva familiar e emocional, explorando a experiência do luto e a forma como perdas pessoais podem reverberar na criação artística. Ainda que alguns espectadores tenham apontado o ritmo contemplativo como desafiador, o consenso foi de que Hamnet se firma como uma obra sensível e visualmente elegante, que transforma um episódio histórico em um estudo profundo sobre amor, ausência e legado.

Sinopse: Ambientado na Inglaterra do século XVI, o filme acompanha a vida de Agnes e de seu marido, um jovem dramaturgo ainda em ascensão, enquanto constroem uma família em Stratford-upon-Avon. Quando seu filho Hamnet morre repentinamente, a perda abala profundamente a família e redefine suas relações. Enquanto cada um tenta lidar com o luto à sua maneira, a dor da tragédia começa a se transformar em inspiração para uma obra que atravessaria os séculos.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de Hamnet à frente!

O filme começa em Stratford, onde conhecemos Agnes, uma mulher meio enigmática que vive circulando pela floresta, perto de uma caverna estranha. Ela pratica falcoaria, coleta ervas e tem aquela fama de “filha de bruxa da floresta”. Não exatamente a reputação mais tranquila numa vila do século XVI, mas até aí ela também não fazia muito pra não viver essa fama.

Enquanto isso, um jovem William Shakespeare, como todo bom artista, tá vendendo o almoço pra pagar a jantar e tenta ajudar a pagar as dívidas da família trabalhando como tutor. Um dia ele vê Agnes passando e simplesmente abandona a aula no meio para ir atrás dela. Prioridades ?.

Os dois se encontram e rola aquele momento de química imediata.. Depois descobrimos que a mãe de William, Mary, já tinha ouvido boatos sobre Agnes _{^{(burn the witch)}}, que a mãe dela era uma curandeira que ensinou a filha a trabalhar com ervas e coisa tal. Logo depois Agnes prova isso curando um corte na testa de William com um remédio improvisado.

William começa a visitar Agnes na floresta com frequência _{^{( ?° ?? ?°)}}. Em um desses encontros, ela pede que ele conte uma história. William narra o mito de Orfeu e Eurídice, coisa BÁSICA, e Agnes fica encantada. Em troca, ela lê a palma da mão dele e prevê um futuro grandioso e que ele terá dois filhos ao lado dela quando ela morrer.

O romance engrena rápido. Rápido mesmo. Os dois acabam transando na floresta e Agnes engravida. Resultado: a família dela a expulsa de casa e ela acaba indo morar com os Shakespeares. William e Agnes se casam às pressas, e pouco depois nasce Susanna no meio da floresta, seguindo os ritos da família da Agnes (“a floresta nos protege” então eles sempre nascem no meio do mato).

A vida conjugal não começa exatamente tranquila. O pai de William, John, quer que o filho trabalhe no ofício manual da família e chega a bater nele quando William recusa. Agnes percebe que o marido está sufocado naquela vida e dá um empurrão decisivo: sugere ao irmão dela que ajude William a ir para Londres tentar carreira no teatro.

William parte para a cidade grande, deixando Agnes e a filha em Stratford.

Algum tempo depois Agnes está grávida novamente e decide sair de casa para dar à luz na natureza, como fez antes. Só que dessa vez a família de William impede e a mantém presa dentro de casa durante o parto.

Ela dá à luz gêmeos: Hamnet e Judith. Só que Judith aparentemente nasce morta. Agnes lembra de quando foi impedida de se despedir da própria mãe e exige segurar a bebê mesmo contra a superstição da família.

E aí acontece o pequeno milagre: Judith desperta.

~ 11 anos depois ~

William agora é um dramaturgo de sucesso em Londres, mas aparece em Stratford só de vez em quando. Mesmo assim, os três filhos cresceram muito próximos (ou tão próximo quanto deu).

Os gêmeos, Hamnet e Judith, são inseparáveis. Eles adoram trocar de roupa e tentar enganar os adultos fingindo ser um ao outro. Não que necessariamente seja efetivo, mas é fofo e é o que importa.

Hamnet é especialmente fascinado pelo trabalho do pai e vive dizendo que um dia quer entrar para a companhia de teatro dele.

Enquanto isso Agnes continua vivendo meio conectada à natureza. O falcão que ela treinava morre, e ela o enterra. Ela diz às crianças para fazerem um pedido ao espírito do pássaro, porque ele carregaria os desejos delas no coração.

Em Londres, William caminha pelas ruas durante um surto de peste bubônica (tranquilíssimo) e observa um espetáculo de marionetes sobre a própria peste levando pessoas para a morte (mais tranquilo ainda). Mas em Stratford, a tragédia chega de verdade e Judith contrai a peste.

Hamnet se deita ao lado da irmã doente e tenta animá-la contando a história do falcão. Em um gesto meio infantil e meio desesperado, ele diz que quer trocar de lugar com ela para enganar a morte. A cena é linda, o ator que faz Hamnet é espetacular e você fica de coração partido com aquela criança escolhendo a morte para salvar “sua metade”.

Chega a manhã e Agnes não encontra seu filho. Ela descobre que Hamnet se deitou com Judith durante a noite e tenta acordá-lo. Hamnet está mole, azul e frio, mas Judith está corada e aparentemente sã novamente.

Ele morre pouco depois. Em seus momentos finais ele imagina estar em um palco chamando pela mãe… e vê o falcão de Agnes aparecer. William corre de volta para casa quando recebe a notícia, mas chega tarde demais. Hamnet já está sendo velado.

A morte do menino destrói completamente o casamento de William e Agnes. O luto vira um silêncio enorme entre os dois. William tenta compensar comprando a maior casa de Stratford, mas logo volta para Londres. Antes de ele partir, Agnes segura a mão dele e diz algo devastador: ela agora não consegue mais ver nada no futuro.

Em Londres, William começa a ensaiar uma nova peça: Hamlet. Mas ele fica frustrado com os atores, que não conseguem alcançar a emoção que ele quer. Em um momento de desespero ele vai até o rio Tâmisa, se inclina sobre a água e recita sozinho o monólogo:

Ser ou não ser, eis a questão: será mais nobre
Em nosso espírito sofrer pedras e flechas
Com que a Fortuna, enfurecida, nos alveja,
Ou insurgir-nos contra um mar de provocações
E em luta pôr-lhes fim? Morrer.. dormir: não mais.

Enquanto isso em Stratford, a madrasta de Agnes mostra a ela um panfleto anunciando a nova peça de William em Londres. Ela acusa Agnes de ter destruído a própria vida ao casar com ele. Agnes ignora a provocação. Decide ir até Londres com o irmão para assistir à peça. Eles chegam à cidade, mas não encontram William em casa. Então resolvem ir direto ao Globe Theatre para ver a estreia.

Quando Agnes descobre o título da peça, ela fica furiosa. Acha que o nome do filho morto está sendo profanado como entretenimento. Mas durante a apresentação algo muda.

William aparece no palco interpretando o fantasma do pai de Hamlet. E naquele momento Agnes entende que a peça inteira é, na verdade, uma elegia¹ para Hamnet.

Ela começa a chorar enquanto assiste à cena entre Hamlet e o fantasma. Nos bastidores, William percebe Agnes na plateia. Ele escuta a peça continuar enquanto chora em silêncio. A história segue até o duelo final de espadas, exatamente o tipo de papel heroico que Hamnet sempre sonhou interpretar.

Na cena da morte de Hamlet, uma das mais lindas dessa temporada de premiações, Agnes estende a mão em direção ao ator da mesma forma que segurou a mão de William quando se conheceram. E, numa reação coletiva quase ritualística, o público inteiro começa a estender as mãos também.

Agnes nota que todos choram pela morte de Hamlet, ali simbolizando seu filho Hamnet e entende a extensão do luto de Shakespeare: fazer o mundo chorar o luto da sua morte no local onde ele mais queria estar, o palco.

Nesse momento Agnes tem uma visão. Ela vê Hamnet no palco. O menino, que antes parecia triste, sorri para ela. Depois se afasta e desaparece pelos bastidores… atravessando uma abertura que lembra a caverna da floresta onde tudo começou.

Pela primeira vez desde a morte do filho, Agnes ri e sorri novamente, entendo que o espírito do seu filho agora descansa, imortalizado no magnum opus de Shakespeare.

Opinião do Farofeiro

Eu não dava nada por ele. Achei que seria só mais uma adaptação orbitando o universo de William Shakespeare, dessas que vivem mais da fama do material original do que da própria força. Mas a segunda metade do filme chega como um soco no estômago. De repente tudo ganha peso, silêncio e uma carga emocional absurda que transforma a história num retrato devastador de luto.

Jesse Buckley está simplesmente surreal. É uma atuação gigante, crua, dolorosa, daquelas que parecem existir mais do que ser interpretadas. Paul Mescal eleva ainda mais tudo ao redor, mas essa é claramente a história dela e da dor que carrega pela perda de Hamnet. O filme entende que é esse o centro de toda a história e que não dá pra entender Hamlet sem entender Agnes.

E quando chega o final… p&#% que pariu. Uma das cenas mais bonitas e devastadoras que vi no cinema nessa Temporada. A sala inteira fungando, gente limpando lágrima sem nem tentar disfarçar. É daquelas adaptações que fazem você entender não só o poder de Shakespeare, mas o abismo emocional que pode existir por trás de uma obra. É espetacular.

1. Um gênero poético focado no luto e na morte, comumente usado no lamento suave, mas que aumenta sua intensidade para expressar dor, perda, saudade. ↩︎

Hamnet | Oscar Recap 2026

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS segue com seu especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

Bugonia(2025)

Um dos títulos mais comentados da temporada, Bugonia reafirma o estilo provocador de Yorgos Lanthimos, combinando humor negro, ficção científica e sátira conspiratória em um filme tão estranho quanto hipnótico. Protagonizado por Emma Stone e Jesse Plemons, o longa rapidamente virou assunto recorrente entre críticos e premiações, elogiado pela ousadia narrativa, pela direção precisa e pelas performances que transitam entre o absurdo e o inquietante.

Como costuma acontecer no cinema de Lanthimos, a recepção foi marcada por divisões: enquanto parte da crítica destacou a inteligência ácida e a crítica social escondida sob a premissa delirante, outros apontaram o tom desconcertante e o humor brutal como elementos difíceis de digerir. Ainda assim, o filme consolidou sua presença no circuito de festivais e na temporada de prêmios, tornando-se mais um exemplo do cinema excêntrico e provocador que transformou o diretor grego em uma das vozes mais singulares da indústria contemporânea.

Sinopse: Dois homens obcecados por teorias da conspiração sequestram a CEO de uma poderosa empresa, convencidos de que ela é uma alienígena infiltrada na Terra com planos de destruir a humanidade. À medida que o cativeiro se transforma em um jogo psicológico cada vez mais caótico, realidade e paranoia começam a se confundir, levando captor e vítima a confrontar o limite entre delírio, verdade e sobrevivência.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de Bugonia à frente!

O filme abre com Michelle Fuller, CEO do conglomerado farmacêutico Auxolith, sendo sequestrada por Teddy Gatz, um conspiracionista completamente obcecado, e por seu primo Don, um cara quieto e socialmente deslocado que vive orbitando as ideias do primo. A motivação de Teddy vem de um trauma: a mãe dele, Sandy, participou de um teste clínico de um remédio da Auxolith e acabou em coma. A partir daí o cérebro do mano foi longe. Muito longe.

Na cabeça dele, Michelle não é humana coisa nenhuma, mas sim um membro de uma raça alienígena chamada Andromedans, responsáveis por destruir colmeias, manipular governos e transformar a humanidade numa população dócil e sedada. Tipo os Illuminatis. E os reptilianos… E acho que a maioria das conspirações. Enfim, seguimos.

Botem o chapéu de alumínio agora.

Teddy e Don prendem Michelle no porão da casa. Rasparam a cabeça dela para evitar que ela receba informações da nave-mãe (??) e cobrem o corpo com creme anti-histamínico para impedir que ela mande sinais telepáticos para os outros alienígenas. Sim, é nesse nível. Teddy explica calmamente que ela tem quatro dias para marcar um encontro com o imperador Andromedan antes de um eclipse lunar que permitirá que a nave-mãe deles entre na atmosfera da Terra sem ser detectada.

Como todo bom interrogatório conspiratório, vem a tortura: Teddy usa choques elétricos para tentar quebrar Michelle. Só que ela aguenta muito mais do que ele imaginava e isso, claro, não faz ele questionar nada. Muito pelo contrário, para Teddy isso só prova que ela é da realeza alienígena.

Depois de um tempo eles resolvem subir Michelle do porão para jantar sob vigilância. A refeição vira aquele jantar constrangedor digno de filme de terror psicológico (que inclusive é onde vem a parte mais forte da atuação de Jesse e Emma) e termina numa briga física. Nesse momento chega Casey, o xerife adjunto da região, que também foi babá de Teddy quando ele era criança e está procurando pela CEO desaparecida.

Don leva Michelle de volta para o porão, acorrenta ela no chão e a deixa inconsciente com o cabo de uma espingarda. Enquanto isso Teddy distrai Casey com conversa, mas a cena toma um rumo bem mais sombrio quando descobrimos que Casey abusou sexualmente de Teddy na infância. Talk about trauma.Teddy então leva o policial até o quintal para mostrar seu apiário e continua enrolando ele ali.

Quando Michelle acorda no porão, ela tenta jogar um jogo psicológico com Don. Diz que pode ajudá-lo se ele denunciar Teddy para a polícia. Don responde que só quer uma coisa: ir para o espaço com ela. Michelle promete levá-lo… e Don imediatamente pega uma arma e atira na própria cabeça acreditando que deveria deixar seu corpo humano para trás para ir para nave andromedan. Dá certa pena do Don porque dá pra ver claramente Teddy o usa e manipula. Se proposital ou não, são outros 500.

O disparo faz Casey reagir lá fora, mas Teddy o mata com golpes de pá antes que ele entenda o que está acontecendo. Teddy volta ao porão e encontra o corpo do primo. A situação vira um colapso emocional total.

Michelle percebe a fragilidade do sequestrador e inventa outra história: diz que no carro dele existe uma garrafa de anticongelante que na verdade seria um antídoto alienígena capaz de curar sua mãe (mudaram a embalagem pra evitar espionagem industrial, shhhhh). Teddy acredita. Antes de sair, ele ainda destrói o joelho de Michelle deslocando a patela dela. Porque VAI QUE é mentira, né? Nesse mundo absolutamente crível e nem um pouco irreal que se passa na cabecinha de Teddy.

Teddy corre para o hospital e injeta o anticongelante diretamente na bolsa de soro da mãe. Resultado: mata Sandy na hora. Cena tensa, atuação impecável de Jesse (uma vez mais).

Enquanto ele está fora, Michelle consegue pegar as chaves no corpo de Don e se libertar das correntes. Explorando o porão ela encontra algo ainda mais perturbador: potes com partes de corpos humanos amputados e uma pasta cheia de fotos de outras pessoas que Teddy sequestrou no passado porque acreditava que também eram Andromedans. Sim, meus amigos, ele tinha a própria ÁREA 51 em seu porão. Mano chapadasso de chapéu de alumínio.

Quando Teddy volta e percebe que foi enganado e matou a própria mãe, ele entra em colapso e confronta Michelle. Só que agora ela decide virar o jogo completamente.

Michelle começa a contar uma nova versão da conspiração. Diz que os Andromedans existem, sim, mas que são responsáveis pela criação da humanidade. Segundo ela, os alienígenas tentaram guiar os humanos desde Atlântida, depois que um erro deles causou a extinção dos dinossauros. Só que os humanos mexeram no próprio genoma, ficaram mais agressivos e acabaram provocando uma guerra nuclear global que destruiu a civilização original.

Desde então, os Andromedans estariam tentando corrigir o experimento humano, guiando a espécie para longe de sua natureza autodestrutiva. E os experimentos da Auxolith fariam parte desse plano.

Michelle diz que a nave-mãe tem os dados necessários para salvar a humanidade e que pode organizar um encontro entre Teddy e os alienígenas na sede da empresa.

Teddy aceita. Mas quando chegam ao escritório dela, ele revela que está usando um colete suicida improvisado cheio de explosivos.

Michelle então aponta para um armário no escritório e diz que aquilo é um teletransportador para a nave alienígena. Teddy entra no armário e o colete explode acidentalmente, matando ele na hora e deixando Michelle inconsciente.

Ela acorda numa ambulância, foge do veículo e volta para o escritório da Auxolith. Lá, entra novamente no armário.

E dessa vez… o teletransporte realmente funciona.

Michelle aparece dentro da nave-mãe Andromedan, onde é recebida por outros membros da espécie. A revelação final: SIM, ela sempre foi uma Andromedan de verdade e líder deles.

Depois de avaliar séculos de tentativa de guiar a humanidade, Michelle chega à conclusão de que o experimento falhou (convenhamos que até a gente percebe isso).

Ela quebra uma grande cúpula transparente que envolve a Terra (pense no domo da Terra Plana) e toda a humanidade morre instantaneamente.

A vida animal e vegetal permanece intacta.

Na última imagem do filme, Michelle observa o planeta agora livre dos humanos enquanto pássaros voam pelo céu e as abelhas começam lentamente a voltar ao apiário de Teddy.

Opinião do Farofeiro

Divertido e completamente maluco, bem a cara de Yorgos Lanthimos.

Jesse Plemons e Aidan Delbis estão soberbos, conduzindo o delírio conspiratório com uma mistura perfeita de tensão e humor absurdo. E aí tem Emma Stone, que já entrou em território hors concours nesse tipo de parceria com Lanthimos. Ela aparece e simplesmente domina a tela, então nem vale a pena tentar competir. O micro-mundo dentro da cabana dos conspiracionistas funciona justamente por causa disso: atuações muito afiadas sustentando uma premissa que facilmente poderia desandar.

No fim das contas, tudo vira um grande sonho febril que parece ter saído direto da cabeça de Douglas Adams. A história é simples, o enredo é bem amarrado e o filme se permite abraçar o absurdo até o limite. Quando chega o final, completamente histérico, você percebe que passou o tempo inteiro dentro de uma paranoia deliciosamente esquisita. E é exatamente por isso que funciona tão bem.

Bugonia | Oscar Recap 2026

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS segue com seu especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

UMA BATALHA APÓS A OUTRA(2025)

O filme mais premiado do ano, Uma Batalha Após a Outra é o franco favorito em diversas categorias, principalmente em Melhor Filme. Rapidamente se consolidou como um dos títulos mais comentados do circuito, impulsionado pela direção precisa de Paul Thomas Anderson, misturando sátira política, drama familiar e explosões de ação estilizada.

O longa dividiu opiniões, com alguns votantes destacando sua ousadia narrativa e relevância temática, enquanto outros consideraram o tom irregular, mas praticamente todos concordaram que se trata de uma obra impossível de ignorar. Entre indicações técnicas e disputas nas categorias principais, o filme virou presença constante em debates de críticos e mesas-redondas da indústria, consolidando-se como aquele candidato que talvez não seja consenso absoluto, mas que definitivamente marcou o ano

Sinopse: Um ex-revolucionário que vive isolado com a filha é forçado a confrontar o próprio passado quando um antigo inimigo ressurge, desencadeando uma caçada que mistura acerto de contas político, drama familiar e violência explosiva. Entre segredos enterrados e lealdades rompidas, pai e filha precisam decidir até onde vale a pena lutar e o que realmente significa vencer.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de UMA BATALHA ATRÁS DA OUTRA(One Battle After Another) à frente!

O filme começa com Pat “Ghetto” Calhoun e Perfídia Beverly Hills, um casal revolucionário e membro de um grupo radical chamado French 75. Já vamos direto pra ação com o grupo invadindo um centro de detenção para libertar imigrantes (já pegaram de onde vem o apelo do filme, né?).

Enquanto a galera liberta os imigrantes, Perfídia encontra o chefão do lugar, Steven Lockjaw (personagens nomeados por J.K. Rowling) e humilha ele numa pegada meio dominação/submissão e o faz ficar PIRADO por ela. No nível de começar a perseguir Perfídia e descobrir que ela tá planejando um novo ataque. Perfídia troca sua liberdade por uma noite com Lockjaw sendo seu submisso (alegadamente).

Tempos depois, Perfídia e Pat dão a luz à Charlene, primeira filha do casal. Pat assume o papel de pai responsável e tenta convencer Perfídia a se aquietarem e viverem suas vidas fora da revolução. Perfídia abandona sua filha e seu marido, dizendo que não iriam calá-la e coisa tal.

Seguindo na revolução, Perfídia é presa durante um assalto à banco onde matou um segurança. Lockjaw tira ela da cadeia em troca dos nomes do grupo. Ela aceita. Entra em proteção a testemunha. E enquanto isso, ele caça e executa os antigos companheiros dela um por um. Traição nível máximo.

Perfídia foge pro México. Pat e Charlene fogem para a Califórnia. Família destruída e Lockjaw louco atrás de todo mundo.

~ 16 anos depois ~

Bob (que era Pat) virou aquele pai paranoico, chapado, vivendo fora do sistema numa cidade-santuário chamada Baktan Cross, Califórnia. Ele criou Willa (que era Charlene) como se a mãe fosse uma heroína revolucionária. Só que Willa já é adolescente, espírito livre, e começa a perceber que o pai tá meio quebrado.

Enquanto isso, Lockjaw virou coronel e figura grande nas agências de segurança dos EUA. Ele tenta entrar pra uma sociedade secreta supremacista branca chamada Christmas Adventurers Club (sim, o nome é quase ridículo de tão absurdo), mas uma suspeita toma sua mente: E SE a filha de Perfídia for sua? Ele vai perder tudo o que almeja.

Ele manda tropas pra cidade sob pretexto de operação anti-imigração. Tudo vira zona de guerra urbana. Willa é resgatada por membros do French 75 e levada pra um convento de freiras revolucionárias (maravilhoso o universo alternativo de Mudança de Hábito). Lá ela descobre que a mãe traiu todo mundo.

Bob tenta fugir, rola perseguição por túneis secretos, líderes comunitários ajudando imigrantes, telhados, queda feia, prisão. É aquele caos que mistura sátira política com tragédia familiar e é um dos melhores momentos do filme. Benício del Toro, um sensei de artes marciais, e Leo DiCaprio, um chapado revolucionário, ambos correndo pela Califórnia numa sucessão de desventuras. *chef’s kiss* Cinema.

Chegamos ao ápice do filme. Lockjaw invade o convento e sequestra Willa após confirmar que ela é sua filha. O objetivo é entregar ela para o deserto e assim enterrar seu segredo. Mas a sociedade secreta descobre provas do caso de Lockjaw com Perfidia e manda um membro matar ele e Willa.

Tem fuga, perseguição de carro, tiros, traição. Um mercenário contratado se recusa a matar Willa por ela ser jovem e então decide libertá-la, mas morre num tiroteio com milícia de extrema-direita.

Nesse meio tempo o assassino da sociedade secreta atira contra Lockjaw e consegue tirar seu carro da estrada. Dando a volta, começa a perseguir Willa, que fugiu do tiroteio.

Ela provoca um acidente numa curva cega e tira o assassino da estrada, botando ele na mira da escopeta e só atira depois que o cara falha em dizer a senha revolucionária.

Enquanto isso, Lockjaw sobrevive ao tiro na cara (porque claro que sobrevive). Tempos depois, quando parece que ele vai ser oficialmente aceito no clube supremacista… eles o trancam numa sala, o envenenam com gás e cremam o corpo. A própria organização elimina ele para se manter branca e pura.

No final, Bob entrega a Willa uma carta da mãe pedindo perdão e prometendo reencontro. E a última cena é Willa indo pra um protesto em Oakland com a bênção do pai.

Opinião do Farofeiro

É daqueles que te atropelam primeiro pela atuação e só depois você tenta organizar o que viu. Leonardo DiCaprio e Benicio del Toro dividindo cena é joia rara. A química é perfeita, natural, hilária. Dá vontade real de assistir duas horas só deles trocando farpas e olhares cúmplices.

Enquanto isso, Sean Penn entra como uma força imprevisível, sempre prestes a explodir, e Chase Infiniti surpreende segurando o caos ao redor com uma presença firme, nunca passiva. Ninguém está ali para ser escada emocional barata. Cada personagem existe por si, com densidade própria, sem servir apenas como gatilho narrativo conveniente.

O ritmo é insano e calculado. Quase três horas que passam como noventa minutos. A trilha às vezes sobe demais, quase competindo com as falas, como se quisesse reforçar uma emoção que já está inteira na atuação, mas no conjunto sustenta a cadência frenética que mantém tudo de pé.

E é impossível ignorar o diálogo direto com o momento político dos EUA. provocação ao trumpismo não mira só o governo, mira o sistema inteiro. Fica a dúvida se é convite à reflexão ou apenas catarse coletiva estilo Minuto do Ódio. De qualquer forma, como cinema, é potente demais para ser ignorado. Energia absurda, atuações em estado de graça e um senso de urgência que te prende até o último segundo.

Uma Batalha Após a Outra | Oscar Recap 2026

Bom dia, boa tarde, boa noite amantes da Sétima Arte! O FAROFEIROS começa hoje um especial para o Oscar 2026, trazendo um resumo do enredo dos indicados a Melhor Filme e Melhor Filme Internacional, além de métricas de aprovação e uma review sobre o filme.

Meio óbvio dizer, mas o recap terá extensos spoilers sobre a trama dos filmes (mas avisaremos quando chegar nessa parte).

PECADORES (2025)

O filme mais indicado do ano (e recordista da História da Academia), Pecadores vem forte com 16 indicações e a promessa de passar à frente de Uma Batalha Após a Outra no ranking geral da Temporada 2025/2026.

Sinopse: Tentando deixar suas tumultuadas vidas para trás, dois gêmeos (Michael B. Jordan) retornam à sua cidade natal para recomeçar, descobrindo que um mal ainda maior está esperando o seu retorno.

RECAP DO FILME

Atenção! Spoilers de PECADORES (Sinners) à frente!

O filme começa em 1932, nas terras molhadas e esquecidas por Deus do Delta do Mississippi. Sammie, o “Preacher Boy” entra numa igreja batista absolutamente besuntado em sangue, chorando e cambaleando.

Enquanto seu pai clama pela salvação da alma do filho, voltamos 24h no tempo e conhecemos os gêmeos Smoke e Stack, veteranos da Primeira Guerra que estavam trampando para a máfia em Chicago. E por trampando queremos dizer: desviando a grana dos caras.

Com a grana duplamente suja, os gêmeos compram uma antiga serralheria para fundar um Juke Joint, um bar com música ao vivo e bons drinks para a comunidade preta local. O local pertencia a um fazendeiro chamado Hogwood, obviamente racista porque, lembremos, estamos no sul dos EUA.

Os irmãos começam a formar seu Avengers do Blues Americano. Stack convoca o próprio Sammie, um moleque diabólico de bom no vilão e com uma voz celestial. Em seguida conseguem puxar Delta Slim, um cabra já famoso nas cercanias por suas composições, que vai assumir o piano da casa. Cornbread vem em seguida, como segurança da casa (já que é um armário de homem).

Nesse interim, Smoke convoca Grace e Bo, comerciantes chineses que fornecerão os bens de consumo pra casa. Annie, ex-esposa de Smoke e dona da sabedoria voodoo, assume a cozinha da Juke Joint. E meio que caindo de paraquedas vem Pearline, outra voz celestial que laça o Sammie de jeito, e Mary, ex-peguete de Stack num romance mal resolvido (talvez por Mary ser branca e Stack ser preto, o que nos EUA de 1932 nem precisamos falar que daria B.O. né).

Enquanto nosso Avengers dos Blues está sendo formado, conhecemos Remmick, um maluco que aparece na casa de um casal da Ku Klux Klan clamando por misericórdia por estar sendo perseguido por caçadores indígenas Choctaw. O casal racista o salva e aí descobrimos que Remmick é um vampiro irlandês, que já começa sua nova fanbase vampírica com o dito casal.

A noite cai e o frio desce. Galera começa a chegar na grande inauguração do Juke Joint dos Irmãos, muita bebida e risadas numa noite que promete, com Delta Slim já conduzindo o piano. Sammie é chamado pro palco e começa sua apresentação transcendental. Nos seus acordes e voz nascem espíritos do passado e do futuro, ancestrais e descendentes negros e chineses da galera que ali estava.

O poder daquela música chama a atenção de Remmick e Seus Amigos, que tentam trocar sua entrada na Juke Joint por um punhado de ouro, se dizendo uma banda itinerante que ganha a vida cantando de bar em bar. Annie é a primeira a dizer “tem coisa errada nisso” e convence os irmãos a negar a entrada de Remmick e do casal da Klan.

Stack ainda tá pensando no ouro e consegue convencer Mary a ir ter com os cantores vampiros sobre que história é essa de ouro. Remmick mostra pra ela não apenas ouro, mas praticamente um dobrão espanhol, ouro maciço.

Mary volta pra Juke e mostra pra Stack o ouro que Remmick tem para eles. Deve ser uma visão MUITO boa porque o casal mal resolvido decide tentar resolver suas diferenças na horizontal, se é que me entendem. Smoke pede para Sammie chamar Stack para resolver um B.O. no bar e descobrimos que Stack se tornou comida de vampiro.

Sim, meus amigos, Mary foi transformada e agora transformou Stack. Mary foge enquanto Smoke vela o corpo do irmão morto, com Annie tentando convencê-lo a colocar Stack do lado de fora. Smoke expulsa todo mundo da Juke (péssima ideia) e fica apenas os personagens que têm nome: Smoke, Sammie, Annie, Pearline, Delta Slim, e Grace. Stack acorda da morte e foge.

Todos os expulsos, além de Cornbread, Bo, Mary e Stack, dançam com Remmick celebrando o nascimento de uma nova sociedade. Enquanto isso, nossos heróis aprendem sobre vampiros com a Professora Annie que explica o clássico dos clássicos: alho, estaca de madeira no peito e cabeça cortada.

Stack, Mary e Bo tentam convencer nossos amigos a deixar a Juke e se entregar para a imortalidade, numa nova sociedade sem racismo, sem dor, sem sobrevivência, só liberdade, música e tranquilidade. Por mais tentador que seja, ainda mais com seus antigos amigos os chamando, os heróis conseguem resistir e começam a montar sua resistência no melhor estilo Van Helsing.

Grace perde o foco, teme pela vida da filha depois do seu marido transformado dizer que iria vê-la, e grita com os vampiros, dizendo para eles a pegarem. Eles aceitam o convite e finalmente entram na Juke causando o morticínio final dos nossos heróis.

Grace, Annie, Pearline e Delta Slim se tornam vítimas, com Annie implorando para Smoke matá-la antes que ela se transforme (e entregue para o grupo seus conhecimentos do além-mundo). A batalha final de Remmick rola contra Smoke e Sammie, que o matam com o violão do Preacher Boy sendo usado de estaca no peito.

Sammie volta pro pai, o pastor Jebediah, que tenta fazer o “eu avisei” com o filho; “eu avisei que música era do demônio”, “eu avisei que deveria ter ficado aqui” e outros mais. Smoke, enquanto isso, aguarda a chegada a Klan, que se preparou para matar todos os presentes da Juke Joint em mais um caso isolado de ódio racial nos EUA. Smoke, literalmente sem mais nada a perder, abre fogo contra todos os membros da Klan, morrendo com eles no tiroteio.

60 anos no futuro. Sammie não ouviu seu pai e se tornou um cantor lendário de blues em Chicago. No fim da sua apresentação, enquanto está no bar relaxando, Sammie é cortejado por dois fãs de longuíssima data: Stack e Mary, imortalizados como vampiros, nem um dia mais velhos do que estavam em 1932.

Na conversa dos velhos conhecidos, Stack e Mary oferecem pela última vez a imortalidade para Sammie, o fim das suas dores e da morte próxima. Sammie nega. Stack pede então uma última música, como as dos velhos tempos. Sammie toca, emocionando Stack e Mary.

Sammie diz que apesar de tudo, aquele dia foi o melhor da sua vida. Stack diz que também foi o dia que marcou sua vida: a última vez que viu o sol, a última vez que viu seu irmão, mas a primeira vez que se sentiu livre.

Opinião do Farofeiro

Ryan Coogler pega vampirismo, racismo, blues, voodoo e Ku Klux Klan e transforma tudo numa ópera sangrenta sobre liberdade. E funciona. Funciona demais. Nessa história, ser vampiro é a promessa de existir sem medo. Sem racismo. Sem sobreviver o tempo todo. E o filme cutuca a ferida mais incômoda possível: se a sociedade já te desumaniza, o que exatamente você estaria perdendo ao abrir mão da sua humanidade? Talvez o verdadeiro horror nunca tenha sido o monstro com presas, mas o país que decide quem merece ser humano.

Michael B. Jordan está brilhante como os gêmeos Smoke e Stack, criando duas energias opostas que se complementam e se chocam. Mas o coração do filme pulsa mesmo na música. Miles Caton como Sammie tem uma presença absurda, e a sequência musical é simplesmente uma das melhores já feitas no cinema. É transcendência pura. É passado e futuro se encontrando no mesmo acorde. E quando Wunmi Mosaku e Delroy Lindo entram em cena, o elenco se consolida como um dos mais fortes de 2025.

Sinners é daqueles filmes que você termina em silêncio, processando. É sobre liberdade, mas também sobre escolha. Sobre o peso de continuar humano num mundo que insiste em te negar isso. E, no fim das contas, é um ode à música como motor da alma. Porque talvez a única forma real de imortalidade não esteja em viver para sempre, mas em deixar sua voz ecoar depois que o sol nasce pela última vez.

Pecadores | Oscar Recap 2026

Netflix “descomprou” a Warner que agora vai para a Paramount (aparentemente).

A Netflix anunciou a compra da Warner Bros. por 82,7 bilhões de dólares e agora, depois de afirmar não ter dinheiro para pagar impostos no Brasil, a gigante do streaming decidiu que tinha dinheiro sobrando para comprar Batman, Harry Potter e a HBO inteira. Mas antes que alguém pudesse processar essa contradição, o roteiro ganhou uma reviravolta.

A Netflix desistiu do negócio.

A empresa que parecia disposta a dominar Hollywood inteiro bateu em retirada quando a Paramount elevou a oferta para 31 dólares por ação, totalizando 111 bilhões pela Warner Bros. E agora começa mais um episódio dessa série ruim.

A Paramount não é apenas mais uma empresa querendo crescer, ela pertence a David Ellison, filho do bilionário Larry Ellison, cofundador da Oracle e amigo próximo do ditador Donald Trump. E quando falo que são próximos não estou exagerando. David foi convidado do presidente no discurso do Estado da União – onde ameaçou o Irã e falou sobre manter o domínio nas Américas – posou fazendo o sinal de “jóinha” e vem pavimentando seu caminho com recursos quase infinitos do papai e de fundos soberanos da Arábia Saudita, Qatar e Abu Dhabi… Os gamer não ficarão surpresos pois irão se lembrar a controversa compra da Eletronic Arts por grupos parecidos, com envolvimento de um genro de Donald inclusive.

O império que está se formando assusta, afinal, com essa compra os Ellison controlarão CBS, CNN, HBO, Warner Bros., Paramount, Discovery e ainda têm participação relevante no TikTok. Uma única família comandando praticamente metade do que os estadunidenses assistem – seja na TV, seja no streaming. E não é paranoia apontar o óbvio: desde que assumiu a CBS, a gestão Ellison tem feito mudanças editoriais questionáveis, como a contratação de Bari Weiss (chamá-la de extrema direita talvez seja pouco) para comandar o jornalismo da rede e o cancelamento de programas críticos ao governo Trump (Stephen Colbert que o diga).

A ex-comissária da Comissão Federal de Comércio dos Estados Unidos, Alvaro Bedoya, foi direto ao ponto: uma família está prestes a controlar veículos fundamentais da mídia estadunidense, surpreendentemente ninguém utilizou o termo monopólio ou quartel. Senadores democratas prometem desmantelar esse conglomerado quando reconquistarem o poder, será mesmo?

Na semana passada a Netflix teve suas ações valorizadas em 10% após anunciar a desistência do negócio, o que indica que investidores acharam sensato não pagar essa fortuna toda em uma briga comercial com alguém apoiado pelo regime Donald Trump.

Essa não é uma questão financeira, é sobre concentração de poder, influência política direta sobre o jornalismo e a transformação de veículos de comunicação em ferramentas de propaganda… Não que a gente não veja isso por aqui, Globo, Estadão e Folha sentem inveja do que acontece nos EUA. Mas é interessante lembrar que ninguém elogia quando apontamos a extrema-direita dominando a mídia na Hungria.

Alguns gringos ficaram constrangidos em ver alguém com o boné do MAGA (Make America Great Again) ser entrevistado sobre a guerra que hoje os EUA promove contra o Irã. Imagine só o choque deles ao ver que o Fantástico mostrou gente com o boné MIGA (Make Iran Great Again) brindando os ataques dos EUA.

Mas tá tudo bem, né?

Paramount vai comprar a Warner (de novo)

A última bomba no universo cinematográfico de bonecos ficou por conta da notícia de que a roteirista do filme do Flash escreverá o novo Batman, do DCU visionado por James Gunn. Batman: The Brave and The Bold ainda não previsão de estreia mas já tem muita gente chorando por ter perdido a infância.

Sim, o filme do Flash escrito por Christina Hodson foi uma bomba. Uma versão piorada de Ponto de Ignição com baixo orçamento, o filme tinha potencial para um filme de boneco que corre… Essa nova chance da roteirista me surpreende, afinal o filme é ruim e foi detonado pelos fãs e pela crítica.

A situação me faz pensar no sistema criativo que o capitalismo imputa aos artistas. Sejam nos quadrinhos, séries e filmes, o roteirista pode ter uma boa ideia – mas sempre é preciso agradar o chefão da empresa ou os acionistas. E isso pode destruir uma boa ideia de uma forma que ela fique irreconhecível para o autor em seu lançamento… Mas não há como retirar seu nome de lá, afinal é preciso pagar contas e assumir a culpa quando as coisas dão errado.

Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa também é da roteirista que, enquanto não foi tão bem nas bilheterias, foi bem recebido pela crítica apesar de tudo. Honestamente? Não sei o que esperar.

James Gunn afirmou recentemente que The Batman Part II, do diretor Matt Reeves com Robert Pattinson como Bruce Wayne, não estreará no mesmo ano de Batman: The Brave and the Bold – realmente dois filmes do Batman no mesmo ano parece loucura. Logo o filme com o roteiro de Christina Hodson provavelmente estará nos cinemas apenas em 2028.

De qualquer forma nãos eis e a DC irá pagar um novo cachê para Michael Keaton voltar como Batman.

Roteirista do filme do Flash escreverá o novo Batman

Parabéns, a Fernanda da Sorte chegou para melhorar seu dia.

Wagner Moura e toda a equipe de O Agente Secreto presente no Golden Globe 2026 chegaram na cerimônia com uma santinha da sorte no bolso. Tratava-se da imagem abaixo, a Fernanda da Sorte, referencia ao prêmio recebido em 2025 por Fernanda Torres pela sua atuação em Ainda Estou Aqui.

A arte foi criada pela ilustradora Sophia Andreazza e o original pode ser visto em sua página em rede social.

“Uma Fernanda Torres da sorte para abrir os caminhos e lembrar que a vida presta“. Talvez essa seja a mensagem mais importante do ano, mesmo ainda estando no começo dele.

Na premiação Wagner Moura venceu o prêmio de Melhor Ator e O Agente Secreto venceu o prêmio de Melhor Filme de língua não-inglesa (f… gringos).

Fernanda da Sorte

Na terra da liberdade (cof cof) talento estrangeiro não entra.

O Actor Awards 2026 – que se chamava SAG Awards (Screen Actors Guild, ou Sindicatos dos Atores de Filmes) – decidiu que o cinema internacional simplesmente não existe. Nenhum filme em língua estrangeira recebeu indicações: Wagner Moura (O Agente Secreto) e Cynthia Erivo (Wicked: For Good) foram deixados de fora da festa. A Premiação ignora atuações em língua estrangeira e atores premiados… Seria pela cor da sua pele ou pela língua que falam?

Estamos falando de gente que ganhou em Cannes, levou prêmios de críticos e estão cotados para o Oscar.

Wagner Moura faturou o prêmio de melhor ator em Cannes e reconhecimento do New York Film Critics Circle. Mas para o comitê de 2.500 membros do SAG-AFTRA – majoritariamente americano, é bom lembrar – isso não foi suficiente.

Cynthia Erivo, que ano passado recebeu indicação ao SAG e ao Oscar pela primeira “Wicked”, foi esquecida na sequência “Wicked: For Good”. Sua parceira de tour promocional, Ariana Grande, conseguiu indicação como coadjuvante, mas a protagonista ficou de fora pela segunda vez. A atriz já tinha sido “ignorada” no Critics Choice.

A matemática hollywoodiana é simples: se você não é americana falando inglês num filme produzido por estúdio grande, suas chances despencam. Não precisamos falar o quanto os EUA odeiam imigrantes ou qualquer um que não tenha a pele branca, não é mesmo?

O corpo de votação do SAG-AFTRA é muito mais doméstico que a composição internacional da ala de atores da Academy, e isso explica muita coisa. Mas não torna menos patético ver uma premiação de atores fingindo que 75% do cinema mundial não existe. Principalmente quando sabemos que os 11 mil membros da Academia – metade do tamanho dos 22 mil votantes do SAG – incluem 25% de gente baseada fora dos EUA.

“Estranho” tudo isso né?

Talento estrangeiro não entra

Netflix compra a Warner Bros., e agora?

A notícias que domina o momento é que a Netflix compra Warner e a HBO por mais de US$ 82.7 bilhões. Os números impressionam, o tamanho da empresa impressiona – a quantidade de franquias milionárias (bilionárias) envolvidas assustado qualquer um e envolvem diversas mídias: séries, filmes, games, quadrinhos e muito mais.

A oferta surge dois meses após a Netflix afirmar não ter dinheiro (cerca de R$ 3,3 bilhões) para pagar de tributação no Brasil. Aparentemente alguém estava escondendo o cofrinho.

Marcas famosas como Hanna-Barbera, Cartoon Network, HBO, DC Comics, DC Studios, Harry Potter, The Matrix, Mortal Kombat, Superman, Batman, entre tantas outras, agora estaria sob o comando da Netflix. Porém, é importante lembrar, ainda é necessária a autorização da fiscalização dos EUA quanto à possível monopólio.

Bilheterias bilionárias agora pertenceriam à Netflix, incluindo Barbie, Aquaman, Coringa, O Hobbit, franquia Harry Potter, Minecraft: O Filme e muitos outros.

Porém, a Paramount não gostou de perder essa briga e já teria oferecido uma contra-proposta de US$ 108.4 e iniciado uma tomada hostil (hostile take over). Nessa “modalidade” de tomada a Paramount compraria as ações diretamente dos acionistas e tornando o dono majoritário e podendo tomar o comando do conselho da Warner Bros. Segundo a AXIOS esse movimento inclui a Affinity Partners, empresa de Jared Kushner (genro de Donald Trump que também comprou a Eletronic Arts recentemente) e fundos estrangeiros da Arábia Saudita, Abu Dhabi e Qatar.

Para os gamers de plantão lembramos que empresas como Rocksteady (série Batman: Arkham e Suicide Squad: Kill The Justice League), NetherRealm (Mortal Kombat), Avalanche (Mad Max, Rage e Just Cause) e TT Games (diversos jogos de LEGO, incluindo Batman) fazem parte do negócio.

Obviamente não podemos ignorar a mão do Estado no negócio, a Paramount Skydance é um braço da Oracle, importantes apoiadores financeiros do governo Donald Trump. A interferência do governo é possível e já avisou sobre questões de competição de mercado segundo o The Guardian. O presidente estadunidense ainda apontou que a compra pode ser um problema.

A importância dessa influencia se mostra no fato que Ted Sarandos, co-CEO da Netflix, foi até a Casa Branca discutir o “negócio” com Trump como apontado pelo Bleeding Cool. A conversa teria envolvido também negociações para incentivos fiscais para a empresa.

Problemaflix

A comoção da comunidade criativa mundial não é por acaso. O tamanho da Netflix na concretização deste negócio assusta qualquer criativo que luta contra a homogeneização de produtos culturais.

Para comparação: a Disney pagou US$ 71,3 bilhões pela FOX, US$ 4 bilhões pela Marvel e US$ 4 bilhões por Star Wars (ou LucasFilm). Enquanto isso a Activision Blizzard foi comprada por US$ 68.7 bilhões pela Microsoft. Valores astronômicos movidos à especulação.

Obviamente a Netflix anunciou que irá manter toda operação da Warner Bros, mas o foco da compra é mais lucro. Logo departamentos redundantes irão ser excluídos, mais gente deverá ser demitida nos próximos meses.

Mas a situação piora se olharmos a situação dos cinemas. Obviamente o foco da Netflix nunca foi tal mídia por concorrer diretamente com seu modelo de negócio: acesso de filmes e séries em casa. Os filmes da Warner podem tirar cerca de 30% dos lançamentos de filmes em películas.

Hoje a Warner Bros. Entertainment ocuparia o terceiro lugar entre as maiores empresas da indústria do cinema estadunidense com cerca de 13% do mercado, perdendo apenas para Walt Disney Studios e Universal Studios.

Em 2025 a Warner Bros. foi o primeiro estúdio de cinema a ultrapassar a marca de US$ 4 bilhões em bilheteria mundialmente. Porém, a Netflix é um serviço de streaming, o quanto dos cinemas seria retirado para alimentar o serviço é algo que assusta a indústria. Alguns apontam um possível colapso de redes de cinemas já que a Netflix prioriza a entrada rápida dos títulos no seu serviço de streaming. Por isso existiria um risco de que filmes com o selo Warner Bros. fiquem pouco tempo no cinema.

O cineasta Kleber Mendonça Filho (diretor de O Agente Secreto) disse em publicação em rede social que vai continuar garantindo em contrato pelo menos três meses de exibição de seus filmes nos cinemas: “Se as salas de cinema começarem a fechar, meu filme será exibido exclusivamente nas que irão permanecer, e nos países que defenderem frontalmente a experiência de ir ao cinema“.

Até James Cameron (Avatar e Titanic) criticou a aquisição como um desastre para a indústria cinematográfica em entrevista ao podcast The Town.

Isso também favoreceria a homogeneização dos produtos, linguagens e estéticas, deixando de lado inclusão e culturas de menor apelo comercial. Sem mencionar que o catálogo que pode ser simplesmente ignorado pela Netflix é gigantesco e sim, podemos perder acesso à diversas obras.

A senadora democrata dos EUA, Elizabeth Warren, teria alegado que o acordo seria um pesadelo antimonopólio e que a empresa seria uma gigante que controlaria quase metade do mercado de streaming dos EUA. E, nós sabemos, quando o monopólio não é regulado os preços sempre sobem.

Mas tudo isso é apenas mais um episódio dessa novela que levará meses para se concretizar.

• Atualização 08/12/2025 às 14:00 foram adicionadas informações que envolvem o genro de Donald Trump na ação hostil da Paramount.

Netflix compra a Warner Bros.

A Disney perdeu os direitos de Roger Rabbit e isso pode ser bom.

A Disney perdeu os direitos de Roger Rabbit. Não por incompetência criativa mas porque a lei estadunidense finalmente funcionou a favor do criador original. Gary K. Wolf, autor do romance Who Censored Roger Rabbit? (1981), conseguiu reaver os direitos do personagem.

Se utilizando da chamada cláusula de reversão de direitos autorais de 35 Anos, um brecha legal que existe para impedir que estúdios engavetem obras para sempre enquanto os criadores morrem pobres.

A tal cláusula de reversão permite que criadores originais nos recuperem direitos sobre suas obras após esse período de 35 anos EUA. Essa lei obrigou a Disney desembolsar até US$ 35 milhões para a família de Jack Kirby e entrar em acordo com os espólios de Steve Ditko, Larry Lieber entre tantos outros artistas de quadrinhos para evitar que casos chegassem à Suprema Corte e estabelecessem precedentes perigosos para seu império do entretenimento (e direitos de uso de propriedade intelectual de terceiros).

A Disney preferiu não arriscar outra batalha judicial pública com K. Wolf e Roger Rabbit depois de já ter sangrado milhões com criadores da Marvel Comics. O autor é novamente o dono dos direitos da sua criação.

O romance original de 1981 de Wolf era bem diferente do filme clássico de 1988, Uma Cilada para Roger Rabbit. Na história de 1981, Roger Rabbit era um personagem de tiras de jornal que contratava o detetive Eddie Valiant Roger para uma investigação que se transforma em tentativa de assassinato. Era um filme infantil assustador.

Wolf avisou em entrevista: “Qualquer sequência que fizermos precisa ao menos igualar a qualidade do filme original. Em valor de produção, em tom, em conteúdo de roteiro, em empatia, em desenvolvimento de personagens. Tem que ser tão bom, ou melhor, do que o que fizemos antes. É isso que os fãs querem, e eu prometi aos fãs que é isso que vou dar a eles“. No final o que importa é que agora a criatura está com o criador.

No momento está desenvolvimento uma sequência de Uma Cilada para Roger Rabbit e um filme live action em processo avançado de produção de Jessica Rabbit, baseado no livro Jessica Rabbit: XERIOUS Business.

Abaixo você confere a entrevista do autor em inglês.

Disney perdeu os direitos de Roger Rabbit

Será que a Disney vai sucumbir ao fascismo estadunidense?

Oscar Isaac, ator que interpretou Poe Dameron em Star Wars, deixou claro que voltar para a franquia depende se a Disney vai sucumbir ao fascismo e parar de ajoelhar para o trumpismo.

Não é clickbait, o ator realmente condicionou seu retorno à Disney não sucumbir ao fascismo. A declaração foi dada à revista GQ e reproduzida pelo Variety.

Segundo a entrevista em 2020, logo após A Ascensão Skywalker, Isaac foi honesto afirmando que seu trabalho em Star Wars “não era realmente o que eu me propus a fazer” como ator, e só voltaria se precisasse “de outra casa ou algo assim”.

Entre 2020 e 2025 a Disney mostrou exatamente quem é quando a pressão MAGA aperta e Isaac não está preocupado em parecer “simpático”, está preocupado com fascismo mesmo.

Quanto a retornar ao papel de Dameron: “Sim, estaria aberto a isso, embora agora não esteja tão aberto a trabalhar com a Disney. Mas se eles conseguirem resolver isso e, sabe, não sucumbirem ao fascismo, seria ótimo… se isso acontecer, então sim, estaria aberto a ter uma conversa sobre uma galáxia muito, muito distante. Ou várias outras coisas“.

E olha que a conversa nem chegou perto de A Caçada a Ben Solo.

Disney, censura e Jimmy Kimmel

Em Agosto de 2025, antes da estreia de Frankenstein em Veneza, Isaac tinha dito tranquilamente que estava mais do que aberto a voltar a interpretar Poe Dameron. Na mesma época a rede de canais estadunidense ABC (propriedade da Disney) suspendeu Jimmy Kimmel por comentários sobre o assassinato de um extremista da direita.

A mensagem da Disney estava clara: não importa o que você diga, se incomodar a extrema-direita, você para.

A Disney de Bob Iger tem um histórico impecável de dobrar o joelho sempre que a extrema-direita faz barulho – mesmo com a saída de Ike Perlmutter (apoiador e maior doador individual para a campanha de Donald Trump). Cancelam séries LGBTQIA+ na Disney+ ao menor sinal de controvérsia, editam filmes para agradar censores autoritários e, aparentemente, agora suspendem apresentadores que ousam dizer que um assassino trumpista é… trumpista.

Quando voltou ao ar no dia 23 de Setembro, Kimmel estava visivelmente emocionado e afirmou que nunca teve intenção de fazer pouco caso do assassinato de um jovem.

Aqui no Brasil teve prefeito querendo censurar gibi de boneco. Os quadrinhos Os Santos e Castanha do Pará sofreram censura, como sempre a extrema-direita atua contra crianças e só depois que o influenciador Felca algumas pautas foram assumidas por alguns políticos… de extrema-direita.

A ironia de censurar antifascismo em Star Wars

Star Wars é literalmente uma história que nasceu como alegoria antifascista. O Império é nazismo espacial explícito, onde George Lucas admitiu que estava criticando Nixon e o imperialismo americano. E agora a franquia pertence a uma empresa que suspende funcionários por criticarem… fascistas.

Oscar Isaac não precisa da Disney, de Star Wars, nem de Cavaleiro da Lua. Mas a Disney precisa de Oscar Isaac que vê sua franquia ficar em uma galáxia muito, muito distante, cada vez mais irrelevante. Sem atores carismáticos dispostos a carregá-la e sem histórias profundas que farão o público se identificar e se importar com os personagens.

Qual lado será que uma megacorporação irá escolher, né?

A Disney vai sucumbir ao fascismo?

Netflix quer comprar a Warner Bros. Discovery, mas jura que não.

Anda bem difícil noticiar toda essa encrenca com a Warner Bros. Discovery com seu desejo de ser adquirido por outra megacorporação. Mas quando a Netflix diz que não está interessada é porque pode ter coelho nesse mato. E, segundo o Deadline Hollywood e a Reuters, a Netflix quer comprar a Warner Bros. Discovery. Sério.

Os co-CEOs Greg Peters e Ted Sarandos da Netflix negaram interesse direto na Warner Bros. Discovery durante uma teleconferência de resultados, mas a gigante do streaming teria contratado a consultoria Moelis para avaliar uma possível aquisição da WBD. Importante apontar que esta é a mesma Moelis que arquitetou a compra da Paramount pela Skydance esse ano. Coincidência?

David Ellison da (agora) Skydance/Paramount já fez três propostas pela empresa inteira, e todas foram rejeitadas.

O discurso oficial da Netflix parece extremamente calculado, o que pode denotar um interesse real que não pode ser divulgado. No final a Netflix só estaria se fazendo de difícil. Mas Sarandos teria declarado que a Netflix não teria interesse em possuir redes de mídia legada. Mas precisamos entender que o catálogo da Warner Bros (que inclui DC Comics, HBO, Warner Bros. Pictures) pode ser uma mina de ouro. Alguém se importa com a CNN e a TNT?

Depois de cancelar suas séries próprias e originais a cada duas temporadas, imagina o que fariam com franquias alheias?

Netflix quer comprar a Warner Bros. Discovery?

Era o filme dos sonhos de Guillermo Del Toro. E ele fez. Não pra agradar estúdio, nem crítica, nem público. Fez por amor mesmo. Amor à história da Mary Shelley, amor aos personagens, amor ao cinema. E esse amor tá em cada frame de Frankenstein.

Frankenstein nas mãos do Del Toro vira quase uma pintura barroca. A ambientação é sombria sem ser opaca. A fotografia é belíssima e cheia de camadas. Tudo parece ter sido esculpido com o maior cuidado, como se cada cena tivesse sido pintada à mão. E é essa paixão que sustenta o filme inteiro.

Mas o melhor é que, ao invés de cair no clichê do cientista louco e da criatura monstruosa feita de pedaços, Del Toro olha pra essência. Ele volta ao que Shelley escreveu lá atrás: o horror da existência, o peso da criação, o desespero do abandono. Aqui, Frankenstein é sobre um homem tentando desafiar a morte e uma criatura tentando entender o que significa estar vivo. Prometeu? Com certeza. Mas também Adão, sozinho no mundo, pedindo companhia ao criador. E sendo ignorado.

As alegorias ao longo da história são sutis, mas profundas. Elizabeth, por exemplo, é mais do que uma coadjuvante romântica. Ela é quase um eixo mitológico no filme. Enquanto a Criatura surge envolta em bandagens, Elizabeth casa usando um vestido que se desfaz em tiras, como se espelhasse aquele nascimento. A Criatura nasce pra morte. Elizabeth, mesmo cercada pela morte, entrega vida. Ela tira Victor de sua obsessão, mas também tira a Criatura do subsolo e a coloca sob o céu, ainda que por breves momentos.

Talvez ela seja a serpente do paraíso, oferecendo à Adão do Prometeu moderno o entendimento de que sua existência vai além de obedecer comandos. Talvez seja a Eva que ele nunca teve, o primeiro ser que o fez sentir, e não apenas reagir. O fato é que, diferente de tantas adaptações que a ignoram ou descartam, aqui Elizabeth é central. Ela entrelaça os destinos do criador e da criatura, e muda não só os caminhos de ambos, mas o entendimento que eles têm de si mesmos.

É um filme cheio de alegorias, reflexões e densidade emocional. Um estudo de personagem, de humanidade, de limite. E mais: de responsabilidade. Porque se a criatura é o erro, é o criador quem se recusa a reconhecer esse erro. E é nisso que Del Toro se destaca de todas as outras versões já feitas, ele entende que o verdadeiro monstro talvez nunca tenha sido quem a gente imaginava (ou sequer que exista algum monstro nesse mundo de desejos e repressões).

Se “Pinocchio” foi o conto definitivo de Del Toro, seu “Frankenstein” é a leitura definitiva do romance da Shelley. E talvez a melhor forma de entender tudo que aquele livro ainda nos provoca.

Veja mais análises no Letterboxd do Stevens!

Frankenstein (2025)

O Agente Secreto é muito mais do que um filme.

A fotografia e a ambientação de O Agente Secreto são espetaculares. A cinematografia, os figurinos, a textura da imagem, tudo parece retirado de um baú de lembranças. Não é um filme que se assiste; é uma memória que se revive. Kleber Mendonça Filho transforma o ato de ver em algo íntimo, quase familiar, como zapear uma fita VHS antiga com registros de viagens e afetos. Há algo de nostálgico e caseiro na maneira como a câmera observa o mundo, e essa proximidade dissolve a fronteira entre o real e o ficcional.

Esse esquecimento de que estamos vendo uma ficção é muito por culpa (ou mérito) das atuações. Elas são sublimes. Há um carisma tão simples e verdadeiro em cada personagem que tudo parece espontâneo, natural. Os diálogos são perfeitos: fazem rir, apertam o peito, criam tensão e ternura ao mesmo tempo. É tudo tão orgânico que chega um momento em que você se pega pensando que não está mais assistindo a um filme, mas a fragmentos de vidas reais. O Agente Secreto se torna um registro íntimo, quase documental, de pessoas que não são mais apenas personagens nessa fábula, mas que realmente existiram e que, de algum modo, continuam existindo dentro da gente.

E, no meio de todos esses personagens, há uma figura que brilha mais forte: Dona Sebastiana. Ela é tudo o que uma família brasileira tem. Ao mesmo tempo, é a avó crítica e ácida, a matriarca que não tem tempo pra pirraça, e também a mãe que acolhe, que protege, que cuida sem perguntar a quem. Fala o que pensa, sem filtro, sem papas na língua e é justamente aí que mora sua beleza. Mais do que um personagem, é um retrato. Um retrato de um Brasil que vive em cada casa, de norte a sul. Todo mundo conhece uma Dona Sebastiana. Todo mundo tem uma Dona Sebastiana. E é impossível não se sentir abraçado por ela, mesmo quando ela puxa a orelha.

E aí tem o Wagner Moura, o coração do filme. A condecoração dele em Cannes faz total sentido e não por um papel explosivo ou visceral, desses que vencem prêmio pelos berros. É o oposto, vence pela elegância, pela sutileza. A atuação dele é viva nas minúcias: no olhar que demora um segundo a mais, no silêncio que diz tudo, no jeito de esconder preocupações que o personagem não admite nem pra si mesmo. É uma performance contida, mas carregada de vida.

E, sim, é impossível não ver o próprio Wagner ali e tá tudo bem. Porque o Armando (ou Marcelo) precisa exatamente disso: interpretar um personagem dentro da própria vida. O carisma, a graça e o humor que Wagner Moura tem na vida real são o que faz Armando encarnar o espírito de alguém que está, o tempo todo, representando uma vida que não é só dele, num Recife dos anos 70 que mistura verdade, fingimento e sobrevivência.

E talvez o ponto mais fascinante de O Agente Secreto seja justamente esse: ele cheira e soa como uma crônica urbana. A ditadura está ali, mas não como personagem (amém) ativo que persegue os mocinhos e motiva os vilões. Kleber não faz da repressão o vilão, nem da censura o motor da história. Ela é o pano de fundo, o cenário, o ar que se respira, mas não o foco.

O filme se interessa é pelo cotidiano, pelos fragmentos humanos que atravessam esse período: o policial corrupto, o militar reformado, os refugiados, os trabalhadores comuns. São essas pequenas histórias, esses núcleos discretos, que formam o coração da narrativa. Cada crônica tem sua força própria, e quando todas se encontram próximo ao final o resultado é arrebatador. O filme te dá a sensação de ter vivido tudo aquilo junto com eles, e o ápice chega como uma explosão silenciosa de sentido.

Mas se há um ponto que me incomodou, foi o final. E digo isso sem spoilers. Ele é anticlimático e sinto que quebra a narrativa de forma grossa. Você sai da sessão com a sensação de que algo falta, de que não terminou. Mas ainda assim eu entendo o que Kleber quis fazer, que é um final catártico, pensado pra deixar o público com essa exata sensação de vazio que os próprios personagens experimentam. Afinal, o que mais temos da Ditadura são finais sem solução, histórias sem finais. E, por isso mesmo, ele funciona dentro da proposta do filme.

Não é um final essencialmente ruim, nem um que estraga a experiência. Mas é um final que provoca: faz você querer mais, faz você querer voltar. E esse “querer voltar” tem dois lados. De um lado, é prova de que o filme te envolveu, te acolheu, te marcou. De outro, é um sinal de que o desfecho não entregou totalmente o que o coração esperava. É como se alguém tivesse tirado o doce da sua boca antes do último pedaço. Você fica ali, olhando pro vazio, querendo só mais um gosto.

PS.: Que deus abençoe quem teve a ideia de várias cenas de peitos peludos e suados em camisas entreabertas, principalmente os de Gabriel Leone e Wagner Moura. Jamais esqueceremos do seu sacrifício.

PS. 2: Se vier Oscar, virá com Wagner Moura em Melhor Ator e, talvez, um de Melhor Filme Estrangeiro. Vamos aguardar a concorrência.

Veja mais análises no Letterboxd do Stevens!

O Agente Secreto

Bob Iger cancelou filme de Kylo Ren com Steven Soderbergh. Pois é.

A Disney tem um talento especial para destruir projetos de Star Wars que a gente realmente gostaria de ver. Dessa vez foi a vez de A Caçada a Ben Solo, onde Adam Driver e Steven Soderbergh estavam desenvolvendo a continuação da história de Kylo Ren.

Infelizmente a história não ganhou os executivos da Disney. Aparentemente Bob Iger teria dito que não porque o personagem estava morto. Sim, o mesmo Bob Iger que aprovou o retorno do Palpatine.

A história foi confirmada por Adam Driver em uma entrevista ao AP News.

Driver nunca ficou satisfeito com o fim de Ben Solo em A Ascensão Skywalker. O personagem se redimiu salvando Rey, mas morreu no processo – algo que ninguém entendeu direito. Afinal dava para se aproveitar muito mais o personagem.

Então, fez o que qualquer estrela de Hollywood faria: ligou para Steven Soderbergh (diretor de Logan Lucky e recentemente Black Bag) e propôs fazer um filme continuando a história do Kylo Ren. Soderbergh topou.

Junto com sua esposa Jules Asner (que escreve sob o pseudônimo Rebecca Blunt), ele rascunhou The Hunt for Ben Solo. A ideia foi levada para Kathleen Kennedy e Dave Filoni na Lucasfilm. Eles teriam adorado e chamaram Scott Z. Burns, roteirista frequente de Soderbergh, para desenvolver o script. Driver disse que era “um dos roteiros mais fodas” em que ele já esteve envolvido.

Mas aí chegou Bob Iger, CEO da The Walt Disney Company.

O projeto foi apresentado. A resposta?

Não.

O motivo? “Eles não viram como Ben Solo estaria vivo. E foi isso.” relatou Driver. Vamos recapitular:

• Palpatine voltou do nada em A Ascensão Skywalker com aquela explicação pífia de “segredos sith, clonagem, lá lá lá“.
• Boba Fett saiu do estômago de um Sarlacc e ganhou série própria (é ruim, mas ele tem uma série).
• Ahsoka sobreviveu a duelos impossíveis múltiplas vezes – Darth Maul e Darth Vader inclusos.

Mas Ben Solo dirigido por um cineasta renomado? Nope. Esse não pode ressuscitar porque “estava morto demais“.

A lógica Disney de Star Wars é clara, morrer só é permanente quando convém financeiramente. Ressuscitar personagem dá lucro.

Talvez o roteiro realmente não fosse bom, afinal ninguém viu realmente a história. Ou talvez a Disney queira desesperadamente virar a página desta trilogia nunca atingiu o sucesso cultural esperado. Como já mencionei diversas vezes por aqui, tenho um apego emocional enorme com O Despertar da Força, mas isso é uma questão pessoal do momento em que vivia.

O filme com Rey Skywalker como protagonista, com Sharmeen Obaid-Chinoy, já foi aprovado e deve começar as filmagens em breve. Isso prova que o problema não é fazer filmes após a trilogia. “Eu realmente gostei de fazer o filme na minha cabeça“, disse Soderbergh. “Só lamento que os fãs não vão poder vê-lo.“

E talvez seja aí que vivem os melhores filmes de Star Wars: nas nossas cabeças, cheios de potencial, incapazes de decepcionar. Porque quando chegam nas telas, da merda.

No fim, The Hunt for Ben Solo se junta ao cemitério de projetos cancelados ao lado da trilogia do Rian Johnson, do filme do Kevin Feige, da trilogia dos criadores de Game of Thrones. Um dia alguém vai fazer um documentário só sobre os filmes de Star Wars que não foram feitos.

A Caçada a Ben Solo

Morpheus trocaria a pílula vermelha por uma cadeira de rodas? Sim, por favor.

A Entertainment Weekly noticiou que Laurence Fishburne quer ser Professor X na Marvel e agora não consigo parar de pensar nisso. Durante painel de Matrix na New York Comic Con 2025, o ator declarou: “Sei que estão falando dos X-Men agora. O que vocês acham de Laurence Fishburne como Professor X?“. A plateia gritou. Eu também gritei.

Se escalado, Fishburne entraria paro time de atores que interpretaram dois ou mais papéis no MCU. Fishburne foi Bill Foster em Homem-Formiga e a Vespa. Seria um upgrade absurdo, mas bem-vindo.

Sabemos que o Professor X precisa de presença, autoridade moral e aquele ar de professor com mais doutorados do que se imagina. Fishburne tem tudo isso sobrando desde os anos 90 e seria uma ótima pedida para segir o trabalho de Patrick Stewart.

James McAvoy eu prefiro não opinar. 😉

O reboot dos X-Men foi oficialmente anunciado pela Marvel Studios, com Jake Schreier (diretor de Thunderbolts) cotado para assumir, mas sem detalhes por enquanto.

Enquanto isso, veteranos de X-Men irão aparecer em Vingadores: Doomsday, e tudo indica que veremos Hugh Jackman por muito mais tempo como Wolverine.

Sim, quero ver o Morpheus como Professor Xavier agora… Keanu Reeves seria um bom Ciclope? Vou mandar um zap pro Kevin Feige aqui e resolver isso!

Laurence Fishburne quer ser Professor X na Marvel

Não quero acreditar que uma música de Guerreiras do K-pop foi feita com IA.

O futuro chegou e a utilização de ferramentas duvidosas iria chegar às grandes produções inevitavelmente… Mas quando chega naquelas que temos apreço a situação fica pior, a música original Soda Pop de Guerreiras do K-pop foi feita com IA.

O Kotaku noticiou que Sherwin Wu, representante da Open AI na Coréia do Sul, teria postado em rede social – e apagado depois – que Vince, famoso produtor de K-pop, teria utilizado o ChatGPT na criação do hit Soda Pop.

Mas nada é tão simples assim.

A Netflix e a OpenAI teriam declarado que Vince usou o ChatGPT para ajudar a idealizar a música que acabaria se tornando “Soda Pop”, mas a IA não foi usada para gerar a música em si. Enquanto isso, como aponta o Kotaku, Rei Ami, uma das vozes originais da versão em inglês da animação, se posiciona extremamente contra o uso de IA – pelo menos em Guerreiras do K-pop.

Enquanto os Saja Boys não são flor que se cheire temos que louvar – mais uma vez – a dublagem brasileira. A adaptação da canção Soda Pop se tornou Meu Pequeno Guaraná no Brasil graças a criatividade de Marcus Eni, que também é diretor musical da animação.

“Eu adaptei a canção inteira primeiro, mas deixei o refrão em branco. Dei continuidade nas outras músicas e só então voltei para Soda Pop”, disse Marcus para a Billboard – aparentemente sem uso de IA.

É triste algo tão bacana ser trazido com a utilização de IA, porém, a versão em português do Brasil adaptada é inegavelmente muito melhor que a versão original.

Desculpa resto do mundo.

Música de Guerreiras do K-pop foi feita com IA?