Conheça a história e o desenvolvimento da crise na esquerda.

Se Marx diagnosticou o funcionamento do capitalismo há 200 anos, 100 anos depois a esquerda se ergueu de forma vitoriosa com a revolução Russa e mais tarde a Cubana, Chinesa, Vietnimita, Laosiana, Koreana, Albanesa, e muita outras tentativas que foram frustradas pelo Imperialismo (o caráter máximo do capitalismo).

Se até um pouco depois da metade do século passado a classe trabalhadora, ainda UNIDA em diversos aspectos, mesmo não radicalizada, via nestes países e experiências alternativas para a vida cruel que as cercava em países precarizados, sobretudo os pobres.

A estratégia do Imperialismo foi fortalecer economicamente, dando qualidade de vida (Keynesianismo e a social democracia) para se contrapor ao extremo desenvolvimento humano e social que a URSS fornecia interna e externamente.

De mais ou menos 1960 para cá as experiências socialistas iniciaram um processo de decadência e fragilidade que foram aproveitadas pelo imperialismo capitalista que, por sua vez, aprendeu muito bem como lidar com os sistemas econômicos alternativos: usou a máquina o Estado (sua maior força) para mobilizar pessoas interna e externamente para produção ideológica e bélica a fim de impor guerras sangrentas, estimulou a divisão de países através da xenofobia e do nazismo velado, criou meios de fracionar a classe trabalhadora em inúmeras frentes (de classe, renda, tipo de trabalho, duração do tempo de trabalho, perda de direitos, etc) além de muitas outras contradições de destruição da malha social vendidas como bem estar social.

A queda do Muro de Berlim e da URSS bem como os fracassos econômicos da China Comunista durante os anos 70 a 90 colocaram a alternativa comunista, vista como finalidade última da mobilização da classe trabalhadora desde 1900, como uma experiência negativa econômica e socialmente.

Não à toa neste mesmo período o modelo capitalista assumiu sua versão econômica mais sorrateira: o neoliberalismo. Com foco na brutal individualidade (desmembrando a mobilização de blocos da classe trabalhadora), no desmantelamento do Estado de Bem Estar Social (antes usado para impor uma alternativa temporária ao socialismo), na concentração de renda em oligopólios que atuam diretamente nas políticas econômicas de países do Cone Norte e do Sul até finalmente alcançarmos a perda de direitos trabalhistas conquistados com sangue durante o começo do século.

O neoliberalismo funciona de forma social, econômica e ideológica: o individualismo alinhado à falsa propaganda do “um dia o rico será você” minguou a adesão a movimentos sociais organizados jogando partidos revolucionários à margem da opinião pública, agora ideologizada pelo sonho da prosperidade que (contraditoriamente, claro) nunca esteve tão distante  – aqui cabe uma menção aos fãs e defensores de bilionários.

Sob este fenômeno, nos últimos 25 anos, apenas alguns países mazelados por décadas de exploração estrangeira tiveram algum sucesso político ao erguer líderes de centro esquerda. Nada radicalizados, com viés da já sucumbida social democracia europeia que jamais funcionaria sem a máquina imperialista e com forte apelo social por querer fazer o mínimo: acabar com a miséria do sistema econômico sem mudá-lo radicalmente.

Destes líderes, aqueles que tentaram romper com a lógica de produção do excesso que visa o lucro foram assassinados, presos ou tiveram seus países bombardeados por acusações moralistas ou de teor xenofóbico.

Hoje as esquerdas sofrem com a não mobilização social. Os líderes atuais, com medo ou eles próprios com falta de visão de uma alternativa não-capitalista, se contentam em jogar o jogo da “democracia” na expectativa de que o governo não seja sabotado por dentro e por fora a fim de ainda entregar o mínimo: menos miséria.

O grande problema desta estratégia, se é assim podemos chamá-la, é que o sistema capitalista independe de esquerda ou direita desde que este possa seguir funcionando. Se o trabalhador permanece oferecendo sua mão de obra em forma de mercadoria a troco de migalhas do lucro da produção (e da produção em si), não importa o governo. Se for pró sistema, melhor. Se for contra, não muda muito, para removê-lo ou domesticá-lo há ferramentas de sobra.

Para piorar, este mesmo sistema é falível de tempos em tempos. As margens de lucro são e serão SEMPRE decadentes com o passar do tempo. Após algum período de bonança, o capitalismo como um todo sempre entra em crise. Justamente nestes momentos de crise o capitalismo mais uma vez aciona a máquina estatal para salvar os grandes produtores, mesmo que isso leve o estado inteiro a uma guerra e extermínio interno ou externo vide o nazismo e os movimentos fascistas italiano, português, brasileiro, espanhol que ascenderam após a crise europeia da primeira guerra e da segunda guerra.

Hoje, após a crise de 2008 que solapou o “primeiro mundo”, o botão de emergência do capitalismo foi novamente acionado: temos novamente movimentos de extrema direita operando à sua volta sem perspectiva de decadência já que prosperam SEMPRE em momentos de crise. Se os números das economias não são mais tão ruins quanto há 12 anos, socialmente as pessoas seguem sentindo a crise em todas as partes do globo em menor ou maior grau. Os PIBs crescem, mas pouco. Indicadores fantasmagóricos de ideologizados apontam números de estabilidade (ainda que a inflação e os juros altos tenham vindo para ficar até mesmo nos EUA e na Europa). Mas o que se percebe é uma precarização de trabalhadores fortemente individualizados, baixo poder de compra, falta de terra e teto e pior na qualidade de vida. Se os números são bons eles são bons somente para os grandes capitalistas.

Nota do Editor: Este texto complementa e corrobora com o episódio #184 do Farofeiros Cast.

História e o desenvolvimento da crise na esquerda

É sério, o governo de direita do Lula precisa acabar já!

Era 2022 e o governo de extrema direita de Jair estava, ainda que desavisado ou quase, no seu fim.  Mas o governo de direita do Lula precisa acabar.

Lula, com toda uma máquina de defesa do que sobrou da democracia brasileira, se ergueu como alternativa quase que final para o destino derradeiro do processo de conciliação de classes iniciado há praticamente 40 anos, e traçado pela recém constituição nacional de 88.

Ali, fizemos um acordo com as Forças Armadas, com o empresariado, com o Supremo, com a classe política e com a subalternização dos sindicatos. Um acordo com tudo e todos, menos com o povo.

Agora, em 2023 e com Lula 3, o destino do Brasil Político foi fechado: Lula e a esquerda liberal receberam um terceiro mandato até 2026. Me pergunto, porém: já que o destino foi concluído, o futuro é incerto, correto? E, para além disso, o que faremos?

O governo atual está entre o FHCismo e o TEMERismo em termos fiscais, prometendo mundos e fundos, mas sem nenhum fundo de investimento soberano; querendo impor um apocalipse fiscal por conta própria, sem mobilização de base, sem uma situação minimamente organizada – a base governista no congresso – e refém de uma direita (pra não dizer extrema) sem se colocar como opção ideológica ou prática.

Parece que Lula e os seus, ou não sabem como conduzir um governo em tempos de polarização. ou, se não sabem, não se importam com os rumos complicados e repentinos que os anos 2020~2030 podem render dado o cenário externo de guerras contínuas QUE VIRÃO (para manter a máquina do império funcionando) e interno (de nazismo ao céu aberto) da internet, sem nem mencionar próximos possíveis law fares com a mídia nacional vendida para este mesmo império.

Sim amigos, estamos diante de uma nova fase final e medíocre da ESQUERDA ELEITOREIRA: uma vez com o Golpe sobre Dilma em 2016 e agora com a sublevação do maior político brasileiro de todos os tempos. Somos um país dependente e, portanto, subalterno.

Esta fase final me parece ser tanto o fim da derradeira jornada do COLOSSO que é Luiz Inácio, bem como o que resta dessa piada chamada democracia brasileira. Aqui saliento, amarguradamente, ambos os pontos:

1. Lula, em 2022, pareceu ter sido o suficiente para barrar um projeto autoritário que QUER E PODE levar a cabo o destino premeditado do capitalismo moedor de carne brasileiro:  resumido em fome, porco desenvolvimento nacional e forte transferência de riqueza natural e financeira para países desenvolvidos.
   
2. Este mesmo capitalismo nacional capenga (em formas frustradas de produção subalterna e refém) não precisa do maior país da América Latina como um expoente; já bastam a China, Vietnã, Rússia e Coreia do Sul como “alvos” ainda que potências soberanas das próprias moedas e desenvolvimento.

Precisamos, mais do que de 2002 a 2015, de um projeto de poder, governança e soberania. Mais rebuscado, sofisticado, OUSADO e que não passe pelo PORCO projeto econômico do Haddad. Que bem aplicado possa, no mínimo, aguentar o mundo vindouro. Neste momento, estamos DE NOVO reféns de um projeto extremista de extrema direita. Projeto este que se provou falho e danoso com a Lava Jato, terrível e mortífero como o de Bolsonaro e (espero que não) com viés de democracia, determinista e segregatório,  como são os dos EUA.

O governo de direita do Lula precisa acabar

Denis Villeneuve compensa narrativa arrastada com direção magistral em Duna – Parte 2

Depois de ter o lançamento adiado, a segunda parte do épico sci-fi Duna – Parte 2 compensa uma adaptação difícil, com 2:45 de imagens exuberantes e um clímax que faz jus ao livro de ficção mais famoso de todos os tempos.

Se em Duna – Parte 1 a expectativa era de um filme arriscado, onde podemos afirmar com tranquilidade que Villeneuve tirou um coelho da cartola, na segunda etapa o diretor nos concede um show de composição audiovisual. Assim como fez em Blade Runner 2049 e em A Chegada, seus dois grandes clássicos, em Duna Parte 2 a impressionante produção assimila imagem e som de forma que toda a escala do filme se torna grandiosa e exuberante. Villeneuve abusa de seu ótimo repertório técnico para nos ambientalizar nas extravagantes paisagens do império Sardaukar.

O filme nos faz sentir que estamos em todo e qualquer quadro diante de uma pintura fantástica e ao mesmo tempo brutalmente realista. A areia parece até mais seca nesta parte do épico e a troca de ambientes explorada de forma orgástica nos coloca em contrastes brutais, ora em desertos que parecem uma versão “habitável” porém piorada de Marte, ora em subterrâneos úmidos com imensas quantidades de água acumulada por séculos e feita literalmente do sangue derramado dos Fremen. 

O contraste parece ser o grande mote do filme; se há um Paul Atreide (Timothée Chalamet)  ainda confuso com sua jornada do herói que de forma abrupta entende ao chamado para o qual foi escolhido, também temos Chani Kynes (Zendaya) que, se em quase todo o primeiro filme até metade deste, permaneceu sisuda com desconfiança contínua do protagonista, em questão de segundos de tela se mostra uma Fremem doce ainda que decida a manter seus ideais.

O contraste permanece no filme inteiro levando a profundidade dada aos personagens nos livros mas de forma visual.

O adiamento do filme trouxe, para além da técnica audio visual, um contraste entre a ficção e a realidade; em março de 2024 é impossível não olhar para os Fremen, suas crenças, fé e opressão e não os correlacionar de imediato ao povo palestino que atualmente sofre um genocídio imposto por um aliado de um império em decadência.

Sabemos por experiência que Duna é uma obra difícil de ser adaptada, talvez seja menos difícil somente se a compararmos com sua irmã de gênero, A fundação de Asimov. A morosidade que faz do livro uma experiência única, nas telas deve ter sido um grande pesadelo; basta olharmos como a película de 1979 falhou miseravelmente na narrativa ainda que tivesse tido seus lampejos de extrema originalidade em termos de composição visual.

Ao fim do filme a sensação é parecida com a parte 1, Denis Villeneuve tirou água de pedra e conseguiu sim criar uma experiência que vale cada minuto para ser vista no cinema. 

Duna – Parte 2

Oppenheimer é um filme de esquerda e é o melhor de Christopher Nolan.

Oppenheimer é um filme de esquerda e, com isso, Christopher Nolan ENFIM coloca seu pé no Oscar com competitividade. Nolan é um claro fã de Stanley Kubrick; fez seu filme de guerra (Dunkirk), de espaço sideral (Interestelar) e ainda colocou um pé em thrillers de suspense dignos de De Olhos Bem Fechados ou Laranja Mecânica (Memento, Following e Insomnia).

Agora, Nolan focou em ter o seu próprio “Dr. Estranho Amor Ou: Como Aprendi A Parar De Me Preocupar E Amar A Bomba” e o fez de forma praticamente literal: a cena da explosão da bomba atômica, tão esperada ao longo de 2 horas de filme, é brutal, silenciosa e linda.

Em Oppenheimer, Nolan conta uma história atípica para ele. Não é um ficção intensa e fantasiosa como Interestelar ou Inception, é apenas uma história factual com dados científicos. Nolan, porém, não está tão interessado assim na ciência, mesmo que ela esteja lá. O que ele quer mostrar em Oppenheimer é que ele aprendeu a dirigir.

De todos os filmes do diretor queridinho da década, este é o que ele usa e abusa de todos os recursos de direção, edição, montagem e produção que mostrou ter conhecimento ao longo de 12 filmes. E vai mais longe! Se sempre foi criticado pela baixa habilidade de dirigir os atores que seleciona para seus filmes, desta vez ele tira o suco mais rico de Cillian Murphy (J. Robert Oppenheimer) e, sobretudo, Emily Blunt (Kitty Oppenheimer) que está impecável, a forte candidata à atriz coadjuvante do ano. Consegue ajustar também um elenco brutalmente recheado de atores e atrizes de peso: Robert Downey Jr (como Lewis Strauss, o pai da política genocida do partido Democrata), Florence Pugh (Jean Tatlock) e Matt Damon (General Leslie) além de inúmeros outros como Rami Malek e Jack Quaid como figurantes de luxo. Deixo aqui também uma salva de palmas para Jason Clarke que incorpora Roger Robb no papel de inquisidor da arapuca montada para Oppenheimer na disputa com Strauss.

Se em TENET (ou seria TENET?) o diretor mostrou que consegue sim ser terrível e exageradamente didático sem ser chato, em Oppenheimer ele usa esse recurso com inteligência, criando uma narrativa interessante para a disputa política que circundava o criador da bomba e seus mentores.

Este também é o filme mais de esquerda de Nolan. Fica na obra que, mesmo com a romantização do protagonista, o diretor quis mostrar que o grupo de cientistas que vazou os dados aos Soviéticos, o fez por necessidade e para equilibrar o jogo atômico. Na película de 3 horas ele parece querer se redimir e mostrar que mesmo ele, um conservador de carteirinha (mas não um reaça descabido), percebe o mal que os EUA são para o planeta desde que se consolidaram como donos do mundo – justamente após lançar a bomba atômica no Japão. Rola até uma anedota sobre a tradução literal de “propriedade” presente no manifesto comunista de Marx, ponto de divergência entre Oppenheimer e Jean Tatlock, Psiquiatra e militante do Partido Comunista dos EUA (antes do macarthismo perseguir autoritariamente o partido).

Se por muito ele foi desmerecido pela Academia e por críticos de cinema, mesmo agradando desde o público menos exigente até o mais cinéfilo, agora o diretor de 53 anos coloca as mãos na disputa pela estatueta de 2024.

Seu único páreo duro será Barbie de Greta Gerwig – para o qual Nolan deve perder – mas isso por si não tira os méritos de um filme maravilhoso que disputará o Oscars com o maior fenômeno cinematográfico da década.

Nota do Editor: Mas o Dennis não concordou com isso hein. Hmmm.

Oppenheimer é um filme de esquerda

Quando James Gunn anunciou sua decisão de não dar continuidade aos filmes em andamento da DCU, eu não tinha noção da magnitude dessa escolha.

The Flash é um filme que desrespeita o universo dos quadrinhos e o próprio personagem. Se no filme da Liga da Justiça o velocista já era considerado o ponto fraco, com uma atuação que ridicularizou Barry Allen e seu contexto, em seu filme solo essa situação se agrava ainda mais.

Na trama, Barry busca desesperadamente salvar sua mãe falecida, utilizando-se da viagem no tempo, um dos enredos mais icônicos do personagem que nos presenteou com arcos incríveis nas HQs e o memorável Flashpoint.

Até aqui, pode parecer que não há muitos erros, apesar de Ezra Miller interpretar um Flash que parece mais um palhaço de filmes do gênero besteirol durante duas horas.

Ao viajar no tempo, o protagonista embarca em uma jornada de causa e efeito pelo multiverso, envolvendo a si mesmo, o Batman interpretado por Michael Keaton e a Supergirl.

Esses elementos são pontuados por algumas piadas, numa tentativa exagerada de criar um filme que referencie o universo da DC até então construído no cinema.

O problema desse filme reside, como de costume, na falta de propósito. Após tantos equívocos cometidos pela DC nos cinemas, o resultado final é um filme que parece ter sido produzido apenas para rivalizar com a fase multiverso da Marvel. No Universo Cinematográfico Marvel, essas abordagens já não são mais novidade, e na DCU ficou apenas a sensação de “pode copiar, só não faça igual”.

Em determinados momentos, percebe-se que decisões foram tomadas de forma apressada na construção do filme. Isso é especialmente evidente nos efeitos visuais VERGONHOSOS. Os primeiros dez minutos do filme são constrangedores, com efeitos tão ruins.

A cereja do bolo foi a aparição do clássico Superman dos anos 80, interpretado por Reeves, numa cena que, se era para ser uma homenagem, pareceu um desrespeito à imagem do ator. Não é possível equiparar uma autorreferência como a de Reeves usando a capa do Super, enquanto o filme também insere Nicholas Cage como Superman na mesma cena.

The Flash, graças a Deus, é um dos últimos filmes frustrantes da DCU. Essa sequência começou relativamente bem, com Homem de Aço há dez anos, mas termina de forma melancólica e distorcida, repleta de decisões questionáveis.

The Flash graças a Deus não vai ter continuação

Camaradas, temos um problema e esse problema se chama FÓRMULA MARVEL™ no filme Dungeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes.

O novo Dungeons & Dragons é um bom filme de aventura e fantasia e seria um divisor de águas no cinema mainstream do gênero se fosse lançado antes da franquia Marvel se consolidar, sobretudo Guardiões da Galáxia. 

D&D usa a fórmula Equipe carismática + Punch lines de humor + Ação e Aventura = MARVEL CINEMATIC UNIVERSE. Todo o enredo, as interações entre personagens e estrutura de roteiro giram em torno de um modelo usado e abusado pela empresa de quadrinhos nos cinemas à exaustão. 

Nos deparamos com um protagonista que se safa de todas as situações improvisando planos mirabolantes que envolvem cada habilidade dos membros da equipe conquistados ao longo da jornada. No meio desse imbróglio temos um misto de emoções paternais (Peter Quill e Edgin Darvis), força bruta (Gamora e Sofia) e personagens que compreendem mal figuras de linguagem e ironias (Drax e Xenk).

Tudo isso misturado com as piadinhas clássicas usadas pela Marvel como momentos de tristeza agudamente interrompidos por uma anedota para aliviar o humor, o discurso clássico do vilão interrompido por um herói que não quer ouvir, um plano mirabolante no melhor estilo de roubo a banco e etc. Acharam até tempo para fazer easter eggs do desenho da Caverna do Dragão (com figurinos dignos de quem fez apressadamente por pressão do executivo).

O filme em si é divertido mas toda essa estrutura já vista um zilhão de vezes cansa. O roteiro batido é ligeiramente compensado por bons efeitos especiais e por uma pequena amostra de um universo mitológico que tenta emular algo ali perto de O Senhor dos Anéis e filmes correlatos mas que, infelizmente, não basta por ser pouco aprofundado.

D&D pode agradar crianças que não conhecem o mundo de RPG e fãs desavisados da Marvel, mas para por aí.

Dungeons & Dragons e o atual problema dos filmes de herói

Que filmaralho! Há algumas semanas que comentei no Farofando ao Vivo que estava com 4 pés atrás com o novo Guardiões da Galáxia e o motivo era o diretor James Gunn.

Gun dirigiu recentemente um monte de filmes da Marvel e da DC além da série do Pacificador. O diretor tem uma marca forte em ser bom diretor daquilo que podemos chamar de “estética do estúpido”: personagens de caráter duvidoso e um tanto bufo, idiotas, com um estilo de filmagem que exagera em closes e momentos de humor um tanto desalinhados, algo que fica ligeiramente fora da compreensão. Quase uma piada mal contada.

Esse estilo de Gun funciona bem demais quando o produto se leva pouco a sério e isso me preocupou em Guardiões da Galáxia 3 dado que todo fim de trilogia se propõe a ser mais sério e emocionalmente denso.

Mordi minha língua. O filme é maravilhoso e é de longe um dos melhores filmes de heróis já produzidos, podendo tranquilamente estar ao lado de Pantera Negra e Ultimato.

Gunn acertou em cheio na direção dos personagens, o roteiro explora a bagagem emocional acumulada de todos os membros ao longo de 10 anos de aventuras e ainda tem o mérito de dar peso para outros guardiões de segunda linha como Cosmo e o sucessor de Yondu.

Focar o roteiro em Rocket Raccoon foi um acerto cheio. O personagem tem uma história carregada de emoção e seu reencontro com sua origem é uma das cenas mais lindas do MCU. Todos os protagonistas giram em torno do guaxinim fofo-resmungão numa catarse de quem quer ajudar um grande amigo que, mesmo não dizendo, faria o mesmo por qualquer um ali. 

Se Rocket é o foco, é magistral como todos os outros personagens, sobretudo Nébula, ao orbitar o texugo, se desabrocham também em grande desenvolvimento emocional. Para mim a melhor atuação do filme vai para ela. 

No grande momento do filme James Gunn entregou tudo num plano sequência de ação deslumbrante que nos joga direto na sensação de que sim, isso é um baita de filme de heróis. Pelo menos uns 2 minutos de ação ininterrupta onde os guardiões, neste ponto da história reunidos, lutam juntos no melhor estilo de combo em grupo. Me lembrei direto do jogo recente da franquia onde esse era o grande diferencial. 

Voltando a Rocket, sua história de origem arrancou lágrimas e arrepios da plateia, como se esta fosse a chave para destrancar o potencial do grupo como um todo.

Como todos os filmes da fase 4 da Marvel há uma passagem de bastão e “aposentadoria” de protagonistas mas, diferente do temos visto recentemente, Guardiões guarda (rs) uma uma nova configuração do grupo. Adam Warlock (excepcional na película), Cosmo, o novo Yondu, Rocket e Groot vão entregar muita diversão sem sombra de dúvidas.

Quero aqui dar parabéns também ao Alto Evolucionário que, infelizmente, não deve reaparecer tão cedo nos cinemas. Depois de Thanos eu arrisco dizer que é o melhor vilão da Marvel. A atuação de Chukwudi Iwuji está BRILHANTE.

Filmaço, veria de novo no cinema assim como vi o primeiro Guardiões 3 vezes na tela grande.

Achou que Guardiões da Galáxia Vol. 3 é maravilhoso? Tem mais Guardiões da Galáxia Vol. 3 aqui no blog.

Guardiões da Galáxia Vol. 3 é MARAVILHOSO

100 dias de Governo Lula se segurando sobre o fio da navalha imperialista.

Nos 100 dias de Governo Lula é muito doido juntar um mais um e perceber o óbvio: se Trump tivesse sido reeleito (ou dado um golpe do capitólio), o Brasil hoje estaria muito possivelmente sob algum tipo de regime militar/bolsonarista – também pós golpe de Estado.

Na verdade, a tentativa de deslegitimar as eleições nos EUA forçou Biden a endossar o resultado do nosso pleito como um tipo posição ideológica, como que demarcando um terreno contrário ao do Trump e dos Republicanos.

Veja bem, isso não coloca o Biden numa posição de bom moço ou de um líder cuja agenda é a defesa da democracia. Seria necessário começar um Estados Unidos da América do zero para que alguém com mandato de presidente tivesse um viés que chegasse perto de ser democrático (interna e externamente falando).

Não é à toa que os EUA não querem o Brasil fazendo acordos com China ou outros países do Sul global. Os EUA querem o Brasil como colônia da sua própria burguesia local que, por sua vez, abaixa a cabeça pra burguesia (pasmem!) estadunidense!

Basta ver a movimentação intensa da mídia e de certos setores da nossa horrorosa “elite” praticamente personificados em toda essa campanha safada de defesa dos juros a 14%, trabalho escravo não fiscalizado, perda de garantia trabalhista, o novo ensino médio e a mais nova fanfic do momento: associar o PT ao PCC com o agente queridinho dos EUA, o Moro, bem no centro do embate.

O dia 8 de janeiro caiu no esquecimento dessa elite financeira e o imperialismo segue firme e forte. Lula tem uma missão difícil de reconsolidar o que sobrou da indústria nacional, frear o avanço do capital estrangeiro (e nacional subalterno ao de fora) sobre o setor público – saúde, educação e etc. Reconduzir alguma política de proteção trabalhista e, quem sabe, talvez, impedir a reorganização da extrema direita hoje composta por militares e por uma burguesia rentista e improdutiva. Esta que é constituída de especuladores e financiadores do crime organizado, todos estes sob o manto ideológico do que chamamos de bolsonarismo.

Isso se o mandato do atual presidente chegar ao fim, claro.

De longe a maior tarefa possível nesse momento pra você, mero mortal dessa máquina de moer carne viva chamada capitalismo de periferia é se organizar no seu sindicato, movimento ou partido político de base. Fora tudo isso, o vai sobrar pouco além de abrir um jornalão da grande mídia e se ressentir.

100 dias de Governo Lula

Shazam! Fúria dos Deuses é o último suspiro recente de um bom filme de herói.

É amigue Farofeire, por incrível que pareça, Shazam! Fúria dos Deuses é um ótimo filme, dadas as devidas proporções, claro. Foi um alento ver que ainda dá pra fazer um bom filme de herói na época que nem a produtora parece querer mais, visto tantas as mudanças que a DCU vai ter nos próximos anos.

O filme tem originalidade de roteiro? Não. Tem cenas de ação impecáveis e eletrizantes? Meeeh Tem uma construção impecável do universo DC nos cinemas? Calma, não podemos nos emocionar.

MAS, o filme tem (pasmem!) um excelente tom de bom humor. Há um bom tempo não assistia um filme de heroi que fizesse genuinamente rir na cadeira do cinema. Depois do horroroso especial de Natal de Guardiões da Galáxia e do MINHA NOSSA SENHOR SOCORRO Homem Formiga & A Vespa: Quantumania, Shazam! Fúria dos Deuses cumpre perfeitamente bem o papel de filme de hominho: te fazer dar umas risadas e criar aquele mínimo aceitável de empatia com os personagens.

Veja bem, não estou me balizando pelo mínimo aqui, é que o cenário geral de filmes de boneco anda um tanto mal das pernas. Mas em Shazam, e falo sério, tudo é entregue muito bem. Quero aqui fazer um grande elogio a Jack Dylan Grazer, no papel de Freddy Freeman e Zachary Levi, como o ADULTO Shazam. Ambos os atores estão espetaculares, parecem ter entendido muito bem a essência dos personagens e levam o filme num tom excelente. Os irmãos do Shazam como grupo funciona super bem e o roteiro, apesar de batido, remexido, revirado e torcido há uns 15 anos pela MCU, deu certo.

Para que tudo corresse como deveria, a tríade de vilãs se encaixa na proposta de rivalizar com crianças em corpos de adultos agindo feito, claro, crianças. Não à toa a personagem de Rachel Zegler, Anthea, é justamente o rigoroso oposto dos irmãos Shazam, uma adulta presa em um corpo de criança.

Numa espécie de metalinguagem das escalas infanto-adultas, o ápice do filme é justamente um cataclisma que poderia ser mundial mas resumido à literalmente à uma área equivalente a um campo de futebol. Tudo é grandiosamente desajustado em Shazam 2, como crianças que estão entrando ou entraram na adolescência: desde os corpos de heróis nos quais eles são o que sonham ser um dia até a voz estridente e horas fina ou grossa do garoto de 16 anos que está em literal crescimento físico.

A DCU acertou forte o tom de Shazam! Fúria dos Deuses e parece ter ainda um suspiro pra nos avisar, como diria a própria Mulher Maravilha no filme, que a era dos heróis endeusáveis ainda não acabou.

Shazam! Fúria dos Deuses

Triângulo da Tristeza é a Academia do Oscars esnobando o cinema.

Assim como todo ano tem o filme que o Oscars adora, aquele que tem o jeitinho da academia, todo ano também tem o filme que o Oscars indica para melhor filme apenas por arrogância.

Neste ano esse filme é Triângulo da Tristeza de Ruben Östlund (Turist-2014 e Rutan-2017), que muito descaradamente entrou na fila de indicados desbancando NOPE de Jordan Peele e Emancipation do non grato Will Smith. Se eu não soubesse do histórico racista da academia, até diria que isso não foi um recado.

Pois bem, entrou o Triângulo este ano e, nos primeiros 3 ou 4 minutos parece realmente que foi por mérito. A cena de entrada é fantástica: texto, ritmo, atuações e a crítica que nos são apresentados parecem nos mostrar um filme que será um soco no estômago, uma reflexão perversa sobre o mundo horrível da alta moda com contato físico e despudor.

Passado esse ato inicial o que começa é uma tristeza (rs), causos e mais causos onde, DE NOOOOOOOVO, Hollywood parece querer falar mal das novas gerações que questionam (com razão) estruturas e microestruturas de poder da sociedade ocidental: sexismo, desigualdade, o ideal de branco, etc.. Pra variar, esta crítica fica na superfície (salvo as cenas onde são colocados em cheque as questões de produção dentro do capitalismo) e a todo momento parece que o diretor está sendo rabugento com o mundo contemporâneo por não saber se adequar a ele.

Pois bem, o filme que começa com pé no estômago desemboca em cenas pitorescas dignas de esquetes do Porta dos Fundos com o ritmo de Relatos Selvagens. Um surrealismo semi violento vazio e cru. Há uma enxurrada de entrecortes que deixam personagens interessantes de lado para falar de outros completamente sem carisma em situações caricatas. Durante uma boa meia hora o filme parece querer tirar sarro de si mesmo, numa cena escatológica que tenta fazer a plateia vomitar com os personagens mas que no fim se torna apenas patética.

Se pra academia este é um dos melhores de 2023 eu tenho até medo do que eles consideram o que teve de ruim. Deixo aqui meus mais profundo desagravo sobre NOPE não estar entre os candidatos deste ano e que, ainda por cima, temos que aguentar outro diretor ranzinza reclamando sobre a contemporaneidade e, pra variar, sobre como não sabe, ou melhor, NÃO QUER se adequar ao mundo no qual vive.

Na película de Ruben, O Triângulo é jogo de palavras, a Tristeza fica com o espectador e a arte não agradece.

Triângulo da Tristeza

Homem Formiga e Vespa – Quantumania é um desperdício em todos os tamanhos.

Essa é de longe a crítica mais difícil que já escrevi. Ao sair da sessão de Homem Formiga e Vespa – Quantumania, o quilhonésimo filme da blaulhonésima fase da Marvel, eu basicamente esqueci do filme. Simplesmente não lembrei de nada. Não havia nada que me marcasse, nenhuma cena ou ato que sequer me viesse à mente de forma negativa ou positiva.

Depois de alguns dias forçando minha memória, eu me sento para escrever sobre um dos piores filmes do MCU. Com certeza o terceiro filme de Peyton Reed na direção (depois de um ótimo Homem Formiga 1 e um OK Homem Formiga 2) está nos TOP 5 de maiores desperdícios de recursos, tempo, dinheiro, texto e atores da que, até o momento, é a maior empresa de produção cinematográfica nerd do planeta. Sério, é tão ruim quanto Thor 1, Thor 4 ou Homem de Ferro 3. 

O filme começa todo desconcertado com textos horrorosos para os personagens que parecem ter gravado as contracenas cada um em sua casa e que tudo isso foi grudado na edição. Todos os protagonistas do filme estão em suas piores interpretações. A única que tenta algo ali é Michelle Pfeiffer no papel da Vespa anterior e, ainda que muito sofridamente por conta do texto ruim, Jonathan Majors como Kang. Majors, eu insisto, é de longe o maior caso de má direção visto que o ator é excepcional e deverá suar bastante para convencer o público de que ele é uma ameaça maior que Thanos se os roteiristas não colaborarem.

O filme faz de tudo para evitar o confronto direto entre Kang e Scott Lang, visto que o Homem Formiga, mesmo com poderes fascinantes, não é páreo para um dos maiores vilões dos quadrinhos. Temos alguns bons momentos como as cenas de ação do arco final e usos interessantes dos poderes do formigão mas mesmo assim o filme peca no quesito interesse; é como se todo mundo ali estivesse desinteressado nessa história, da direção e produção até a plateia onde não houve nenhum grande momento de espanto nem com os pobres fan services.

O filme peca até no tom que escolhe, hora é sobre Scott Lang e a relação com a filha, hora é um filme de origem de Kang, hora é uma tentativa estranha de emular o universo de Star Wars até chegar no ponto de que na verdade foi tudo uma peça de propaganda ou spin off caro para alavancar a segunda temporada da série de Loki.

Me sinto triste em pensar em personagens tão interessantes, com atores tão excepcionais e lembrar que fizeram um trabalho medíocre para eles em Homem Formiga e Vespa – Quantumania.

Marvel, melhore.

Eu e Rodrigo Castro conversamos sobre o filme no Farofando Ao Vivo. Dá uma olhada.

Homem Formiga e Vespa – Quantumania

Babilônia é mais de um filme em um filme.

Eu já disse aqui antes que, em todo Óscar, tem um filme que é uma “Ode ao cinema”. Em 2023 esse papel foi incubido a Babilônia do premiado diretor Damien Chazelle (Whiplash e La La Land).

Damien fez a típica e homérica homenagem à sétima arte, rememorando o começo de Hollywood lá nos anos 20, mais precisamente em 1926, e passando por grandes marcos do cinema como a introdução do som, das falas e das cores.

Para guiar essa festa orgíaca, Damien escolhe 4 personagens inspirados em pessoas reais do começo do século: Jake Conrad (Brad Pitt), Nellie LaRoy (Margot Robbie), Manuel Torres (Diego Calva) e Sidney Palmer (Jovan Adepo). Cada um com uma linha própria na narrativa que se cruzam a todo tempo nas festas, nos filmes feitos ao longo dos anos e nas TRÊS ENORMES HORAS de duração da película.

Tenho certeza que Damien, ao fazer um filme metalinguístico sobre a sétima arte, também escalou o super time de atuação para cada papel a dedo. Jake Conrad foi um grande ator da época que se vê diante do fim do seu tempo, muito semelhante a Brad Pitt que já não é mais o grande galã jovem dos anos 2000. Margot vive o intenso e jovem auge dos 30 anos em Hollywood, bem como o perigo de uma vida de celebridade embriagada na cidade das drogas, das luzes, da fama, assédio e álcool.

Diego Calva é o imigrante que se tornou um grande cineasta ao pegar o Hollywood em seu caótico início. Por fim, Nova Adepo, cujo personagem é inspirado em Curtis Mosby, vive o arquétipo do talentoso músico de Jazz que consegue romper, até certo ponto, o racismo descarado da sociedade estadunidense conquistando fama e reconhecimento.

Nas realmente ENORMES TRÊS HORAS de filme, Damein encontra tempo para apresentar cenas que com certeza foram pensadas como esquetes de anedotas do mundo do cinema. Somos apresentados à até então recente forma de captação de som ali pelos anos 20 e ao submundo das festas dignas de Marquês de Sade, onde celebridades vão para levar os próprios vícios ao extremo.

Não é à toa que vemos tantas conspirações que circulam as celebridades de Hollywood; cercados de drogas e prazeres Dionísios a todo tempo, é brutalmente comum ver que x ou y famoso de cinema se meteu com esquemas de pirâmide, seitas secretas e extorsões. É como uma escada cujo primeiro degrau é um aperto de mão e que termina em algum culto obscuro. 

Nessa escada Damein pega a mão do espectador e trata de mostrar cada detalhe com riqueza visual e sonora. Aqui também faço um grande elogio à trilha sonora. Pensada como uma orquestra estrondosa faz da sessão um grande prazer sonoro. Faz total diferença ver este filme em uma sala de cinema. Se o enredo não é o mais surpreendente (apesar de ser ótimo), a trilha sonora explode o tempo todo e vale cada nota tocada (as cenas com Palmer inclusive são absolutamente e auditivamente deliciosas).

Babilônia não é um filme velho, é atual para as possibilidades de execução ao qual ele se propõe mas sofre de um problema: ele tem um roteiro que aparece todos os anos. Nasce e morre para o Óscar para depois ser colocado na caixa dos filmes gostosos e também próprios de serem superados nos anos seguintes no imaginário dos amantes da sétima arte. É de novo metalinguístico neste aspecto quando Elinor (Jean Smart), no papel de crítica de cinema, afirma que Hollywood é sobre ter seus filmes e atores mortos e ressuscitados para sempre. 

Babilônia pede, em todas as línguas possíveis, para ser morto, esquecido e ressuscitado pela lembrança.

Babilônia tem muito filme em um filme só

Terrifier 2 é um filme desgraçado dirigido por um completo psicopata. E eu ADOREI!

Estamos vivendo a era de ouro dos filmes de terror do século 21 e Terrifier 2 é um bem exemplo disso! Muito desse período se deve ao primor que a produtora mais queridinha de Hollywood, a A24, tem pelos filmes nos quais ela bota as mãos. Só este ano tivemos os excelentes X, MORTE! MORTE! MORTE! e Pearl. 

Terrifier 2 não é da A24 mas entra no hall de maravilhas do terror criados recentemente nessa onda que veio aí desde Midsommar provavelmente.

Antes de ver o segundo filme da franquia eu vi o primeiro pelo streaming. Bom filme, roteiro fraco mas o suficiente pra oferecer um gore de primeira qualidade. Aquele que beira ao ridículo de tão violento e falso.

Fui ao cinema ver o segundo sem nenhuma expectativa, esperava mais do mesmo. Para minha surpresa o filme é maravilhoso. Tem uns bons 30 minutos a mais que o primeiro, resultando em pouco mais de 2 horas de filme. Na primeira hora quase não tem tanto gore e violência. O diretor Damien Leone, este PSICOPATA ALUCINADO, foca mais na construção do mito do assassino, na construção da tensão e na construção de Sienna (Lauren LaVera). 

O resultado funciona bem demais. Art The Clown (David Howard Thornton) se ja havia sido muito bem trabalhado no primeiro filme volta ainda mais assustador e aterrorizantemente irônico. Há cenas inclusive onde a violência está comendo solta numa mistura frenética de cenas de sangue, ossos, carne e caras e bocas do palhaço excessiva e sociopatamente sorridente. Parece até que os entrecortes com as caretas de Art são a reação de Damien levadas à tela.

Sienna, a heroína responsável por combater um mal, que agora é colocado como algo sobrenatural, CONVENCE! É divertido entrar na vida da personagem e ver que sua família está de alguma forma predestinada ao conflito com o palhaço mais assustador da década.

Na segunda metade do filme temos o melhor do gore e do quebra-ossos já visto em Terrifier 1. Sem a originalidade da morte via serra de madeira que corta um corpo ao meio mas com certeza com muita vontade de mostrar detalhes de tortura e sangue de ketchup jorrando pela tela.

Saí do cinema exausto, mesma sensação de quando vi Mad Max em 2015. O filme te exige o tempo todo quando entra na parte de terror e perseguição, mas saí muito satisfeito em ter visto um dos melhores gores dos últimos anos.

Art The Clown você já mora no meu coração como um dos personagens de terror mais bem criados do cinema. Até o Stephen King gostou.

Mas entendo se você preferir Batman – mas não entendo se preferir Avatar.

Terrifier 2 é um filme desgraçado

Como o James Cameron gravou um filme com seres de outro planeta embaixo d’água em Avatar: O Caminho da Água? 

Assisti Avatar: O Caminho da Água e fiquei surpreso com a altíssima qualidade dos efeitos especiais. Não acho que o filme fará o sucesso do primeiro visto que há 13 anos os efeitos visuais mostrados eram realmente revolucionários para história do Cinema. Mas, me chama a atenção como ainda podemos ter gratas surpresas quanto a efeitos computadorizados. 

Salvo uma ou outra cena, durante todo o filme tive a impressão de que sim, tudo o que via em tela era real. Real mesmo! Consegui imaginar até a sensação tátil de certos elementos. As cenas subaquáticas e dos animais marinhos são fenomenais. 

Agora, se James Cameron ousou ir para outro planeta e filmar seres vivos debaixo da água, ele com certeza não teve muita preocupação com o roteiro. Não tenho nem muito o que discorrer sobre a história contada em si, é um repeteco do primeiro filme com boas atuações. Nada muito além disso. 

Avatar sempre foi sobre uma experiência visual. É sobre até onde podemos subir o sarrafo dos efeitos digitais em uma película. Em dado momento do filme, ali pela metade, a história principal parece até ser colocada de lado como se o diretor dissesse: “Tá bom, eu já volto para o que estava contando pra vocês, eu só quero mostrar aqui, por uma hora ou mais, como tudo isso ficou bonito”.

E sabe de uma coisa? Funciona. Não acho que o espectador foi ver avatar para engajar com os personagens, com o roteiro ou com as emoções e catarses que o filme emula. O espectador quer ver o mamífero gigante nativo nadando embaixo d’água a ponto de ser convencido de que se trata de um animal existente na nossa realidade, com dimensão, proporção, textura e sons reais.

Avatar: O Caminho da Água é tão real quanto o real e tão sem história quanto o primeiro filme de 2009.

Wakanda para Sempre é muito melhor.

Avatar: O Caminho da Água

Wakanda para Sempre mistura homenagem com um tímido anti imperialismo.

A crítica a seguir apresenta spoilers de Pantera Negra 2 – Wakanda para Sempre. Se preferir temos uma análise sem spoilers mais antiga.

Agora que TODO MUNDO assistiu Wakanda para Sempre (espero), posso comentar tranquilamente que esse novo filme veio pra fazer a mea culpa com Killmonger. Ele não estava errado. Talvez não estivesse exatamente correto, mas a angústia que o motivava nunca foi sanada por T’Challa mesmo o Pantera Negra tenha tentado mudar a postura de Wakanda em relação ao resto do mundo.

O filme faz uma belíssima homenagem a Chadwick Boseman e ao legado que ele deixou no mundo real. Perdemos, de novo, um ícone negro que toda criança preta olha e tem vontade de ser igual. Chadwick encarnou o herói em todos os sentidos e ultrapassou a mídia filme com um impacto positivo brutal na realidade. Do começo ao fim o filme reverencia O Pantera com momentos dignos de choro de perda e beleza. Quando Shuri, desesperada, tenta achar a cura pra doença do personagem e o riquíssimo e afro-futurista velório do Rei de Wakanda são memoráveis. Talvez a maior dificuldade era como construir essa narrativa sem desrespeitar tanto o ator, o personagem e o seu legado e o diretor Ryan Coogler teve mérito em alcançar esse objetivo.

Além da homenagem há um outro argumento central pro filme que é o desenvolvimento da passagem de bastão para o próximo Pantera Negra (ou próximos, como falarei adiante).

O legado é tão grande que foi necessário criar uma construção de perda e responsabilidade de altíssimo grau para Shuri assumir o manto da pantera. A perda do irmão se junta ao sentimento de ter falhado em achar a cura; mais pra frente ela coloca Wakanda sob ataque de Namor e ainda por cima perde a própria mãe. Toda essa jornada de dor compõe o pilar de transformação para que Shuri buscasse um meio de recriar o Pantera Negra e o abraçasse para si. 

Bom, até aqui isso faz sentido, mas me incomodou muito o modo como a Rainha de Wakanda é morta: de forma pouco sensível pareceu quase um erro de continuidade. Cabiam 2 ou 3 minutos de cuidado na despedida que acrescentariam e muito na jornada de heroína de Shuri. 

Se não bastasse esse descuido, Hollywood nos apresenta Namor como um “anti vilão”: ele quer o mesmo que Shuri; defender o próprio povo e reino contra os interesses imperialistas dos Estados Unidos que, pra variar, está procurando meios de obter vibranium, matéria prima já sabidamente abundante em Wakanda e, agora estabelecido, em Atlântida. Namor propõe a Shuri uma união entre ambos os reinos a fim de se defenderem da ameaça estrangeira e o desenrolar do filme acaba por arruinar esse plano colocando ambos um contra o outro.

Se por um lado o debate mainstream evita ao máximo tocar no assunto anticolonial, em Wakanda F. Ele toca a superfície mas não resiste em novamente colocar dois povos passíveis de opressão um contra o outro a bel prazer dos interesses da CIA e das inúmeras agências de espionagem do norte global. Foi terrivelmente incômodo ver os sub-Mariners, que representam os povos originários da América, lutando até a morte contra africanos de Wakanda. Entendo totalmente a motivação mas discordo profundamente dos meios usados.

É possível que a produção do filme tenha percebido isso já que finalizam a história com ambos os reinos inteiros e Namor e Shuri vivos para as próximas aventuras mas a cruel morte da mãe da nova Pantera Negra, ao meu ver, inviabiliza qualquer tipo de união entre povos num movimento anti imperialismo. Hollywood soube homenagear um ícone da ideologia anti colonial ao mesmo tempo em que aponta o dedo com toda proposital má vontade para a periferia do mundo como quem diz “estou com vocês até que não seja mais do meu interesse”. 

No mais, é bastante evidente que Shuri será a Pantera Negra daqui pra frente, porém não será só ela. A visão que ela teve ao tomar o chá da flor azul não foi uma visão como a de T’Challa que foi recebido pelo pai e pelos ancestrais na sombra da árvore da vida. Shuri recebe a visão de Killmonger e esse talvez seja o ponto mais simbólico do filme: Se N’Jadaka representava a ruptura revolucionária contra séculos de escravidão e extermínio, T’Challa era um reformista preocupado em fazer uma transição por dentro do sistema. Shuri portando se coloca no meio dos dois mas para que a régua seja levada mais pro lado do que Killmonger defendia, talvez sem o mesmo ímpeto bélico e revolucionário mas com certeza muito mais preocupada com o que Wakanda pode fazer pelos povos periféricos do mundo, motivo pelo qual Namor saiu vivo do confronto. 

Acredito que veremos proximamente uma Pantera Negra (shuri) preocupada com assuntos internos de Wakanda e pela luta anti imperialista na periferia global e UM OUTRO Pantera atuando em simultâneo nas aventuras dos Vingadores.

Obrigado Chadwick. 

Wakanda para Sempre

MORTE, MORTE, MORTE é um ótimo filme de terror escrito no twitter

Camaradas, para começar a falar de MORTE, MORTE, MORTE preciso explicar algumas coisas. Existe uma coisa nos EUA chamada de “Cultura Woke”, algo como “a cultura do desperto”, um termo usado para descrever pessoas politicamente inclinadas a o progressismo ou ao liberalismo de valores e costumes. É tipificado pela luta por diversidade (de todos os tipos) e pela ideia do politicamente correto.

É o que no Brasil a gente conhece como esquerda, cujo termo correto seria Esquerda Liberal. 

Nos EUA, porém, não há uma luta antissistêmica contra o capitalismo. No centro do capitalismo mundial é raro ver grupos grandes difundindo ideias anticapitalistas, geralmente as lutas perambulam uma camada um pouco mais à superfície.

Estou falando disso pois, ao assistir Morte, Morte, Morte (Bodies, bodies, bodies) da diretora Halina Reijn eu me vi diante de um roteiro inteligente que coloca em xeque certos comportamentos que boa parte das pessoas que podem ser consideradas da cultura woke sem cair em certos Rodrigos Constantinismos fuleiros. Vocês sabem do que tô falando, de quando um reaça boomer crítica linguagem neutra, liberdade sexual e pautas relacionadas à diversidade como o diabo criticaria a cruz.

Nos últimos meses vi inúmeros filmes onde esse boomer está presente na entrelinha do roteiro, querendo ridicularizar uma luta por ser parte do lado opressor. Esses filmes pecam em querer satirizar mas ficam parecendo um velho chato que leu Bauman falando da realidade.

Pois bem, em Morte, Morte, Morte Halina fez um roteiro de terror onde os diálogos e as relações entre pessoas estão sempre colocando em cheque a “problematização”. Parece que o filme foi roteirizado no twitter, numa thread onde pessoas questionam um valor moral duvidoso e dali saem textões e mais textões.

Halina faz isso sem querer ridicularizar os temas, ao contrário, trazendo-os pra uma situação onde eles se aplicam e se evidenciam (como saúde mental, o vício em drogas a desigualdade racial e de sexo) mas que são lidados de forma abrupta e brutal. A mágica porém é que estes temas são tão complexos que mesmo quem tenta debatê-los com a seriedade necessária pode enfiar os pés pelas mãos diante de situações extremas.

O toque de terror do filme e o desfecho que mostra que a cadeia de eventos começa por algo completamente corriqueiro e bobo é um círculo perfeito de autocrítica da própria cultura Woke. Quando se pensava haver ali um inimigo que exterminava cada integrante da história um a um, percebe-se que a antecipação por demasiada problematização foi o fator principal que direciona os personagens à própria tragédia.

As atuações são excelentes, os atores todos jovens são muito bons. Destaque para Pete Davidson que tem 29 anos mas passa despercebido por alguém de 18 graças à boa atuação. Sophie (Amanda Stenberg) e Bee (Maria Bakalova) pegam o gancho do meio do filme pra frente e o levam nas costas com qualidade.

Morte, Morte, Morte é um acerto enorme do cinema de terror recente e se coloca na prateleira de melhores do gênero neste ano. Fica junto a praticamente quase qualquer coisa que a produtora A24 tenha colocado a mão recentemente.

É possível fazer críticas à esquerda sem ser um chato reacionário, viu Constantino?

MORTE, MORTE, MORTE

Confira nossa análise de Mulher Rei com Viola Davis, Thuso Mbedu, Lashana Lynch, Sheila Atim e John Boyega.

Demorou décadas para que a história do colonialismo fosse contada como foi na realidade nos cinemas. Precisou de um movimento antirracista intenso que decorreu ao longo das últimas décadas e de um mínimo de condição de vida para que pessoas negras pudesse reivindicar seu lugar histórico. Como vemos em Mulher Rei.

Hoje, FINALMENTE, temos produções midiáticas que se preocupam com diversidade, seja na construção do elenco quanto no próprio tipo de roteiro a ser contado.

Mulher Rei recebe esse momento onde se falar sobre a realidade como realmente foi e o abraça com um filme recheado de questões sobre colonialismo, imperialismo, racismo estrutural, colorismo e auto reconhecimento racial. Algo ainda muito complexo de ser discutido e reconhecido quando se vive dentro da ideologia branca, a ideologia dominante em quase todo os países consumidores das culturas estadunidense e europeia.

Viola Davis está em uma das atuações mais impactantes da sua carreira ao viver o papel de Nanisca, uma general do exército das “Amazonas do Daomé”, as Agoodjie, um grupo de mulheres que faziam o papel militar de defesa do Reino no Daomé que hoje é o Benin na África Ocidental.

O filme conta como Nanisca, que tem o crédito de ter ajudado o atual rei a ser coroado, treina e guia as Agoodjie em diversas missões que garantem um dos mais poderosos e longevos reinos africanos. A história se desenrola durante um período onde o comércio de escravos da África para a América está intenso, sobretudo para o próprio Brasil representado pelo colonizador de família portuguesa que vai à África comprar pessoas para manutenção do seu tráfico. 

É interessante ver o debate sobre permitir que os próprios nativos fossem vendidos para que se houvesse equilíbrio. Entre as disputas internas da própria região que cercava o Daomé e como o europeu lucrava com conflitos entre reinos e grupos étnicos da própria África de forma praticamente incólume.

Todo este processo é apresentado sob o olhar de Nawi (Thuso Mbedu), uma jovem que foi oferecida pelo pai a entrar no duro processo de treinamento para se tornar uma Agoodie. Nawi recebe a tutela de Izogie (Lasanha Lynch) em uma atuação digna de quem realmente ascendeu ao cinema para ocupar com perfeição esse vácuo onde filmes de ação com homens velhos e brancos estão saturados.

O trio de mulheres guiam Mulher Rei com ferocidade e delicadezas próprias em diálogos de auto reconhecimento e construção até o seu clímax onde temos um gosto memorável de uma vitória contra o racismo colonizador de forma bastante prática e explícita.

A morte do homem branco aqui é tratada não somente como uma forma de expor inimigo mas, sobretudo, como um saboreio daquilo que com certeza aconteceu inúmeras vezes durante o massacre que foi feito no continente africano nos últimos séculos. Mesmo assim não foi o suficiente para frear um processo que dizimou milhões de pessoas no maior genocídio continuado da humanidade.

Mulher Rei e a história que finalmente estão contando nos cinemas

Não! Não Olhe! é um filme que você precisa ver.

Não! Não Olhe!, do diretor Jordan Peele, reclama da espetacularização da exploração animal e tem todos os ingredientes para ser o grande candidato ao Oscars 2023.

Filme de terror geralmente tem aquele plot costumeiro: uma ameaça horrenda que de repente começa a sondar a vida de X grupos de pessoas, sustos no meio do silêncio, você pula da cadeira, em algum momento tudo se mancha de sangue até que, enfim, alguém descobre como acaba com alguma maldição lançada lá pela idade média.

Não! Não olhe! ou NOPE do Jordan Peele (Corra, NÓS) ~parece~ que tem esses requisitos mas não, ou melhor, NOPE. Digo, boa parte do plot clássico tá lá presente mas o filme que é com certeza o melhor terror de 2022 durante 3/4 da sua duração traz novidades ou recursos de estrutura menos usuais para um filme de terror. 

A primeira é com certeza de narrativa. Quebrar o filme em capítulos é um recurso que cria suspense de quebra cabeças. 

A segunda novidade é o fato de Peelle gravar praticamente todo o filme durante o dia ou não usar a escuridão da noite como recurso de medo, apenas contextual do filme mesmo, sem grandes clichês e isso fica bem evidente durante certa cena onde o aquele SCARY JUMP acontece não no escuro da noite, mas após a luz do ambiente onde o protagonista se encontra ser acesa. 

O terceiro recurso é a riqueza do roteiro que passa por inúmeros temas, personagens e mistérios sem se perder ou ficar maçante.

NOPE não é exatamente sobre pessoas correndo de uma ameaça não natural mas sobre caça. Cada capítulo fala sobre um animal específico e trata de dar o fim para cada um também. No meio da trama Peelle inclusive apela para um evento que aparentemente é baseado em uma história real. OK, eu sei, é muita coisa, vamos por partes aqui:

Todo o fio principal do filme gira em torno de uma ameaça alienígena e como ela se relaciona com um ataque de chimpanzé que ocorreu durante a gravação de uma sitcom nos anos 90. No episódio, um dos chimpanzés de nome Gordy e que compunha o elenco, mata 2 pessoas num rampage repentino deixando vivo apenas um garoto e uma garota, ambos irmãos na trama da série. Isso é apresentado logo no início do filme e faz uma ponte extremamente bem executada sobre um ser alienígena que devora cavalos e que é explorando pelo mesmo garoto sobrevivente do ataque de Gordy, agora crescido interpretado por Steven Yeun (aquele Glen de The Walking Dead). 

Peelle, grande diretor e roteirista que é, amarra estes dois eventos com a história de OJ (Daniel Kaluuya) e Emerald Haywood (Keke Palmer), ambos treinadores de cavalo para filmes de Hollywood que seguem os passos do pai, também treinando e famoso no meio. Acontece que o pai morre após uma moeda cair do céu diretamente em sua cabeça e aí temos um OJ vivendo no luto ao mesmo tempo que intrigado sobre o que aconteceu ao pai. Tudo isso leva o protagonista a investigar uma entidade estranha que assombra os cavalos e que, ao que tudo indica, pode muito bem ser um OVNI (ou um “milagre ruim” que é como menciona o causo para sua irmã, Em).

Bom, diante desse plot intrincado, personagens carismáticos, sustos e mistérios, NOPE se desenrola como um filme de denúncia à exploração midiática de animais e como isso passa batido na vida real, escondido pelo espetáculo em si. No caso, o OVNI ou ser alienígena, que ao se sentir traído ou enganado em certo momento do filme, decide caçar aqueles que o trapacearam.

OJ faz o contraponto ao ser extraterrestre animalesco por ter a experiência e capacidade de domar animais. Kaluuya brilha em sua atuação com um personagem menos carismático que os anteriores que interpretou ou até mesmo em seu trabalho com Peelle em CORRA!. Aqui ele está mais sério e introspectivo deixando toda a energia e para sua irmã. O trio Kaluuya, Keke e Angel Torres (Brandon Perea) são um deleite quando estão juntos e em sinergia.

Passando rapidamente sobre o título “NOPE”, é curioso como a tradução brasileira faz jus ao filme na forma literal – o sufixo “Não olhe!” Foi retirado de um contexto específico da relação caça/caçador mencionado por OJ durante o roteiro. Entretanto o nome em inglês carrega o tom cômico de como OJ lida com a ameaça em determinada situação, digna de quando nós brincamos lidar às vezes, por exemplo, com aranhas e baratas em casa: “faço as malas e vou embora”; ou apenas dizemos “Não, eu que não vou lidar com isso”; “NOPE!”, “Não! Não Olhe!”. 

NOPE tem tudo para ser indicado e até levar o Oscars de 2022. Além de ser feito com maestria tem ingredientes que o tornam um queridinho da academia. Para além deste plot riquíssimo onde animais, domadores, Hollywood e história do cinema, o Filme passa até pelo gênero western spaghetti. Onde tudo isso se encontra, NOPE surpreende por não ser apenas um filme de terror mas uma excelente história contada, um causo maravilhoso daqueles de cidade pequena. 

Não! Não Olhe!

Sobre a diferença de engajamento nas redes entre Lula e Bolsonaro no Jornal Nacional.

Publiquei no meu Twitter algo que é interessante compartilhar aqui no blog sobre a diferença entre o engajamento nas redes sociais entre Lula e Bolsonaro no Jornal Nacional.

• Bolso foi visto por direita, indecisos e esquerda mas não animou ninguém – portanto, teve mais audiência.
• Lula foi mais visto pela esquerda e indecisos mas furou a bolha a ponto do gado estar falando da entrevista até agora.

Bolsonaro foi com uma estratégia de passar a imagem de assassino de banho tomado. Saiu mais caro já que não há nada de positivo em seu governo para colocar na prateleira. Qualquer busca relacionada ao Bolsonaro que toque o mundo real só mostra morte e corrupção – vide a quantidade de pesquisas sobre o presidente imitando pessoas com falta de ar ou rindo de quem teve COVID-19.

Já Lula, com 8 anos de governo, 87% de aprovação dos mesmos, décadas de vida pública e luta tem uma prateleira ENORME de aspectos positivos a mostrar.

A estratégia da militância bolsonarista hoje é tentar colar no Lula o “anti agro”, algo que ele mesmo disse não ser ontem. Assim mantém ali o reacionário médio dentro do pacotinho do Bolsonaro. Não à toa a discussão sobre “guerra santa” deu uma sumida.

Diante de um Lula completamente lúcido, um semi senil Bolsonaro não tem chance em confronto direto como um debate.

Bolsonaro já cagou no paletó e caiu fora do debate de domingo. Se Lula for, precisa transformar o episódio em um plebiscito ao atual governo para ter sucesso.

Agora vamos ver que tipos de louros Luiz Inácio Lula da Silva consegue com a entrevista de ontem. Só ela não garante aumento de intenção de votos mas pode ser um começo bom para a parte massivamente midiática da campanha.

Meu resumo de Lula e Bolsonaro no Jornal Nacional? Bolsonaro que apague os incêndios.

Lula e Bolsonaro no Jornal Nacional

Assisti Sandman sem ler o quadrinho e olha o que aconteceu!

Passei boa parte da infância e da vida adulta vendo trechos da HQ de Sandman pela internet à fora. Nunca, porém, tive interesse de ler ou parar para pesquisar um pouquinho. Só sabia que fazia parte da galeria de HQs ‘adultas’ – com temas mais sérios e profundos – que compunha uma prateleira ao lado de Watchman e o mundo sombrio da Liga da Justiça. Isso mesmo, assisti Sandman sem ler o quadrinho.

Hoje, aos 32 anos, ainda não li mas dei uma chance pra série que acabou de sair na Netflix e fiquei muito grato. 

Sandman, a série abriu um pra mim um portão mitológico próprio que, sinceramente, não vejo semelhança em nada feito pela cultura pop atual. Como é gostoso ver os personagens transitando entre mundos, histórias e situações únicas de algo feito por alguém que realmente pensou naquilo por muito tempo ao invés de cuspir um roteiro batido de super herói que, convenhamos, está nos limites do ad nauseum no momento.

Me deparei com um personagem principal cativante mesmo que engessado e pouco emotivo. Faz sentido se você parar para pensar que o homem de areia dos sonhos é um deus e, portanto, sem reações evidentes. 

Ao longo da trama porém, essa falta de profundidade é compensada com dilemas morais e humanos que cumprem o papel clássico de trazer o deus para perto de nós, sobretudo quando pensamos que, metade da jornada é apenas uma busca por apetrechos – ótimo recurso para explorar a mitologia sandmaniana.

Morfeus, que sempre se ateve ao seu dever, se pega literalmente preso pela ambição do humano e pelas aflições do mesmo. Um contraste de emoções clássicas de uma obra escrita. A jornada do herói não tem uma linha tão convencional e serve para mostrar os personagens ao redor do deus dos sonhos. Estes, devo dizer, são todos excelentes. 

John Dee, que já conhecia da animação da Liga da justiça, está representado a caráter e com a glória de um vilão que não tem seus grandes superpoderes, apenas uma visão torpe do mundo (o episódio da lanchonete é um primor).

Lúcifer! Minha nossa. A Brienne de Tarth perfeita e maravilhosa num tom aterrorizante que ao longo de seu episódio não precisa esboçar nenhum tipo de ‘crueldade’ para se mostrar má. A batalha de ambos é digna de um RPG jogado com ficha de sulfite e dados caseiros de quatro lados.

Prosseguindo na trama somos apresentados à magnifica adaptação da morte e sua jornada absolutamente emotiva que não faz juízo de valor sobre o que faz e o faz porque, como assim disse, precisa fazer. 

Mais à frente somos apresentados ao Vórtice (Rose Walker) e sua busca pelo irmão. Ambos os atores e principalmente fazem barbaridades em termos de emoções e lutas próprias.

Coríntio é um colírio para os olhos para quem procura o vilão clássico megalomaníaco. Charmoso e ao mesmo tempo egocêntrico. A reunião de assassinos que inspirou é um show à parte.

Para além destes, Sandman se sustenta e muito em um elenco fortíssimo cujas atuações não pecam em momento algum. A mitologia da série é tão forte que a sensação de que você está abrindo um livro de contos antigos salta e transpira o tempo todo.

Se a falta de emoções de um deus dos sonhos é a jornada a ser explorada para Morfeus, o show do elenco compensa isso de forma magistral.

Nota: 8 Farofas

Nota da Redação: aqui tem outro review da primeira temporada de Sandman, mas de alguém que leu todos os gibis mais de uma vez e queria ser o Morfeus quando crescesse. Spoiler: ele falhou.

Assisti Sandman sem ler o quadrinho

Vamos falar mal de Kingsman 3? Vamos.

Tirei férias recentemente e, durante o vôo fiz a única coisa proveitosa que é pegar avião: ver os filme disponibilizados pela companhia aérea naquela televisãozinha com entrada de fone de ouvido que SEMPRE tá com mau contato. No vôo de ida, o qual dormi pouquíssimo, revi Deadpool 2 e assisti o terceiro filme da franquia Kingsman. Já havia visto os outros 2 anteriores mas confesso que os argumentos dos filmes me passaram batido. Lembro de serem odes à Inglaterra, à monarquia e ao serviço secreto inglês; máquina de propaganda, claro. Então preciso falar mal de Kingsman 3 agora.

Bom, botei o filme e logo no primeiro arco minhas antenas anti-neoliberalismo apitaram de forma conflituosa: o filme começa num campo de concentração de ‘propriedade’ inglesa em algum país da África que me falta à memória. Ali apresentam o protagonista e a esposa que, num gesto “nobre e de boa vontade” diz que os escravos deveriam receber água e comida – ora, como são benevolentes os ingleses, não é mesmo? Neste momento eu me perguntei se estava diante de uma máquina de propaganda ou de uma leitura história revisionista sobre as barbáries que a Inglaterra do século 20 e 21 causou (e ainda causa) na periferia do capital.

Fiquei interessado. O filme desenrola, é apresentado um vilão nas sombras digno de conspirações de extrema direita e que comanda as grandes mudanças geopolíticas. Passamos por Rasputin, o mago da monarquia russa pré-revolução e por outros personagens históricos da primeira guerra mundial. Aqui faço um elogio: as cenas de luta, sobretudo as do Rasputin são gravadas e coreografadas com maestria. É raro ver algo assim no cinema mainstream.

O problema é que qualidade do filme para aí. Após o arco com Rasputin o que começa é um revisionismo histórico totalmente irreal e de propagando anti comunista e colonial. Começam a pintar a Inglaterra como essa defensora da liberdade e anti ditatorial que é totalmente irreal historicamente falando. A Inglaterra, antes do nazismo era o grande vilão geopolítico mundial que invadia países como China e Índia e os mantinha sob o cabresto do imperialismo. A Inglaterra, bem como os países do centro imperialista do século 20 nunca decidiram entrar em guerra contra a Alemanha por causa do nazismo e do holocausto, o interesse do imperialismo ocidental ali sempre foi domínio territorial e capitalista/de meios de produção.

Bom, o filme anda com toda essa narrativa, a primeira guerra tá torando e aí o vilão, que antes manipulava o império alemão e o império russo e ao cairem ambos, em determinado momento aparece manipulando o próprio Vladmir Lenin e tentando convencê-lo a fazer a revolução russa para substituir a monarquia russo. Amigos, pelo amor de deus. Não teria como um líder puxar todo um campesinato de um país, remodelar totalmente a estrutura e a mobilidade social, promover o maior avanço industrial em curto prazo da história da humanidade só porque ele servia a um “agente das sombras conspiracionista”. Além de impossível isso é anacrônico, desrespeitoso e, devo dizer, algo de puro mau cartismo. Propaganda anticomunista descarada. Não chega nem ao nível de Stranger Things que usou uma prisão usada para campo de concentração nazista para retratar um QG soviético. E olha que ali Stranger Things também se esforçou.

O filme, depois de toda a tentativa de se mostrar épico do ponto de vista inglês, descamba para o arco final num estilo Heist (o famoso assalto à banco, bunker; etc.) a luta final acontece, o serviço secreto da alfaiataria inglesa é consolidado e a voilà! Temos uma peça irresponsável e mau intencionada rodando os cinemas do mundo todo.

Acredito que deve sim haver liberdade criativa para rever a história em mídias de cultura pop; O final de Bastardos Inglórios é um excelente exemplo disso. Agora, outra coisa é querer tentar parecer criativo sob o manto do mau cartismo neoliberal. Isso não é tolerável e muito menos, HISTORICAMENTE FALANDO, aceitável.

Kingsman é um desserviço propagandístico deste modelo econômico cruel que vivemos e que, sem a menor cara de pau, tenta posar como o bom moço da história. Deveriam ter se mantido nas cenas de luta.

Notas:

• 0 farofas enquanto índole.
• 7 farofas enquanto coreografia de luta.
• 0 farofas (Sequer merece nota) pelo ultraje à inteligência humana.

Preciso falar (mal) de Kingsman 3